顺应时代潮流出现的五个新艺象
5月2日发布
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艺术是人类智慧结晶的体现，它源于生活也高于生活，艺术家们从周边的环境与自身的思索中获取灵感，促成艺术作品的诞生。艺术所代表的审美时常走在时代前面，有时候优秀的艺术作品甚至在几十年之后才会被人们认可其价值。但同时艺术也的确受到时代的推进与市场需求改变的影响，因为那些被艺术史或公众所认可的艺术毫无意外顺应了市场和时代的需求。当艺术发展到现代，又有着什么样的变化，又反映了社会的什么样的需求呢？
Art is the essence of human wisdom. It origins from daily life and go beyond the limits of reality as well. Artists rely on the inspiration, which comes from the surrounding environment, and self-exploration to create the artworks. Art sometimes is developed in ahead of the era, and some masterpiece needs to wait for the final recognition. On the other hand, art is unavoidably affected by the society and market, since those recognized artworks are all following the trend of society and satisfying the market needs. Nowadays along with the development of the market needs, what kind of changes are we witnessing?
丨艺术品的尺寸变得越来越大丨
大尺寸的艺术品并不是近现代艺术品的专属特性，历史上有许多大尺寸作品，例如罗马的西斯廷教堂、圣彼得堡的巴洛克式的宫殿。罗马西斯廷教堂在1481年完工后，教宗西斯度四十邀请一批文艺复兴画家以耶稣基督为题目创作了一系列的壁画，随后儒略二世又邀请米开朗基罗绘制天花板与剩下的空间。这些壁画的尺寸都很大，覆盖了教堂的穹顶与上墙壁，其中最有名的莫过于《创造亚当》《诺亚方舟》。可以说装饰后的西斯廷教堂本身就可被视为一件大型艺术品。
▲罗马西斯廷教堂
▲《创造亚当》
而当今社会我们感到艺术品尺寸越变越大的原因是艺术品角色的转变。在之前，艺术品是一种高端消费品，收藏家一般根据自己喜好收购艺术品，用于室内装饰。所以艺术品的尺寸一般是能够放进家中的。然而随着社会的发展，人们对精神文化的需求逐渐增多，艺术的消费群体不再是一个简单的闭环：艺术家—收藏家，而是有更多群体的加入：
现在政府在规划城市建设时，不单考虑实用方面的需求，例如交通路线、居住区与商业区的划分，也开始考虑人文方面的需求，城市绿心、大剧院、图书馆等。这些公共建筑有着足够宽敞的空间，同时也需要地标性的艺术品来体现其职能和风格。
许多大型商业公司将艺术品作为新噱头吸引客户，提升品牌的吸引力。例如上海的K11便将购物商场与艺术结合在一起，散落在各个楼层的艺术品与特地划出的K11美术馆，都成功地将K11与其他购物场所区别开来，形成独特的吸引力。除此之外，还有许多大型酒店需要大型艺术品包装自己，例如拉斯维加斯的高端酒店的酒店大厅设计、酒店入口前广场都有大型公共装置艺术的身影。
随着收藏家的藏品逐渐丰富，有些藏家着手开设自己的私人美术馆，成立艺术基金等。在美国，成立专门的艺术基金与私人美术馆变得非常普遍，在日本，知名企业都会开办美术馆，例如东京的三得利美术馆，在中国近5年也掀起了开办私人美术馆的狂潮，例如最近风头正劲的龙美术馆、余耀德美术馆等。这些有着足够资金支撑与宽敞空间的大型私人美术馆为了吸引访客，对于震撼力强的艺术品需求旺盛。
▲K11商场内部摆放着的艺术品
▲日本三得利美术馆
正是由于以上几个需求的催化，大型装置艺术的繁荣和变得越来越靠近工厂仓库规模的艺术家工作室也不难理解了。
丨艺术品代加工与过度现象出现丨
当代艺术发展到当今，对于艺术品的载体形式越来越宽容，艺术品的存在方式也不仅仅局限于传统的雕塑和绘画，许多实验性的艺术形式也在被人们所认可，例如新媒体艺术，行为艺术等。当代艺术更加注重思想与意义，并不严格规定艺术品必须百分百由艺术家生产创造。所以艺术作品虽然冠以某艺术家的名衔，但是实际的生产者却另有其人。例如艾未未的作品《一亿颗陶瓷瓜子》的背后就是1600名景德镇熟练工人历经两年的工作。由艺术家提出想法，具体实现交由他人的流程变得越来越普遍。外包生产也让艺术家能轻轻松松产出大量同系列作品。
▲艾未未《一亿颗陶瓷瓜子》，2010
据统计，安迪·沃霍尔在他去世时，捐赠了100000件作品给安迪·沃霍尔基金会，毕加索登记在册的作品有16000件。和古典艺术家相比，当代艺术家的产量可以说是惊人的了。
当代艺术家达明·赫斯特完全拥抱了高产量的观点，他在伦敦的Other Criteria店售卖着无数件作品：从茶杯到椅子，从印着蝴蝶的手拎包，到全套宗教印刷品，总计销售额达到了204000英镑。甚至他的代表画作spot painting系列，大多数也是由他的助手完成的，截至2017年，已经生产了1435幅。由于他的疯狂产出，最后他的艺术品市场遇冷，价格快速下跌。
▲达明·赫斯特 《Flesh Tint》，2016
还有著名日本当代艺术家村上隆因其super flat风格受到市场认可之后，便直接成立了他的艺术公司Kaikai Kiki，该公司针对不同人群，兜售不同的艺术作品：向上流社会兜售画作与雕塑，向中产阶级兜售与LV的联名包包，向低端市场那个兜售手机壳、衣服与玩具。村上隆还出版书籍《艺术创业论》与《艺术战斗论》。在书中，他以自己为例，详细阐述了他是如何揣摩市场需求与艺术界规则，掌握具有话语权的收藏家与评论家的口味，然后用他们能够理解的语言，创作艺术品以获得好价格。
村上隆一共有两个工作室，或者按照他自己的话来说是工厂：一个在日本朝霞市(Asaka)，一个在美国纽约长岛。2010年为威尼斯Palazzo Grassi博物馆筹备作品期间是他的产出巅峰，当时他一共雇佣了200名技术工人。村上隆基本生产画作的流程是：他亲自设计画作，然后扫描到电脑上，用Adobe Illustration上色，最后交由助手讲电子版的画作搬到画布上，最后村上隆亲自确认成品。
▲村上隆的作品在威尼斯Palazzo Grassi
丨被否定的艺术家重新得到评估正名丨
由于旺盛的市场需求，艺术从业者们开始四处寻找可能出售的画作，他们把过去不受认可、被嘲讽、甚至被定义为坏的作品重新包装与诠释。虽说评判一个艺术作品是好是坏，是一个主观的问题，所以后来的人完全可以重新评价过去的艺术家的地位，但是这种行为不可避免地会受到质疑。再发现的艺术家是真的被隐藏的珍珠呢？还是出自卖画的商业目的？
艺术家Bernard Buffet就是一位幸运的、被再发现的艺术家，他的艺术史地位起起落落。在1950年代初，Buffet在一次最受欢迎的世界艺术家中排名第二，仅次于毕加索。但是随后Buffet却受到了冷落，在之后的十年内，他的作品都被认为是坏品味的体现。然而在2016-2017年，事情出现了转机，Bufet的作品依次在著名的美术馆Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris和Musee e Montmartre得到展出。得益于这两次展出，在2016年的佳士得拍卖会上，Les Clowns Musiciens, le saxophonist(1991)卖出了1,022,500英镑的价格，美国的著名收藏家、投资家与艺术经纪人Adam Lindemann也购买了Buffet的作品，并且在2017年举办了一场Bufffet的展览：Bernard Buffet: Paintings from 1956 to 1999. 由此Buffet重新回到了大众的视野之中。
▲Les Clowns Musiciens, le saxophonist(1991)
还有艺术家Mel Ramos的海报风格的作品也被重新定位。这些画作以性感的女性为对象，她们往往赤裸着，与一些有性象征意义的物件一起出现：例如和香蕉一起摆造型，或者躺在一个Martini透明酒杯里。在2012年的一次伦敦苏富比Gunter Sachs藏品拍卖会中，A.C.Annie(1972)拍出了1.1百万英镑的价格。
▲Mel Ramos，Chiquita Banana (1979)
艺术家Victor Vasarely所代表的Op art也重新被挖掘，曾经不受市场青睐的视觉欺骗画作被售出了高价，尤其是其早期的黑白系列作品，价格超过了30万美金。相同流派的Bridget Riley的作品也跟着水涨船高。
▲Victor Vasarely, VEGA III(1957-1959)
这些成功翻身的艺术家都有鲜明的、易于辨认的个人风格，就像一个品牌一样，非常适合那些刚刚进入艺术市场的新藏家，以及那些希望得到相对稳定价格的作品的藏家们。
丨加深观众与艺术品之间的连接丨
艺术发展到当代之后，产生了许多分支，不同的艺术家流派在冲撞中，孕育出了百花争鸣的盛态。艺术品的展现方式也发生了改变，从原来的结果式艺术品，例如绘画、雕塑、器物等，现在过程式的艺术品也被人们所接受。过程式的艺术品既具有探求的特征，又有极强的观赏性，让观众身临其境。
实验艺术流派就是一个例子。在1990年纽约的Paul Allen Gallery就有一个名为无题的展览，其内容为艺术家Rirkrit Tiravanija在展览开幕式上给前来参与的嘉宾（大部分是艺术家）提供了免费的泰国米粉，然后将这些嘉宾用餐后的场景保留下来，当作展览的主体。其中有食物残渣、餐具、空空如也的啤酒罐、煤气等。画廊把这场展览起名为社会雕塑“Social Sculpture“。然而，这件作品并没有被成功售出。在1993年艺术家Rirkrit Tiravanija又开始了新的尝试，他撑着一个独木舟顺着中国的大运河而下，向沿岸的行人发放方便面Cup O noodle。他也将这个作品命名为无题1993（1271），寓意在当初马可波罗从中国受到启发，将意大利面带到了意大利（有一种观点认为是中国发明了意大利面pasta: 在公元300年，中国就有关于意大利面的描述，在公元1274年，马可波罗游历中国17年之后，他将这种面食带回了意大利）。这件艺术作品被一位美国收藏夹Andy Stillpass买下放在自己的后院，当作一个概念式的雕塑。在2004年艺术家Rirkrit Tiravanija获得了古根海姆的Hugo Boss奖，以表彰他在艺术内涵社会化的探索。
▲Rirkrit Tiravanija 实验艺术作品”Spaghetti Western”
而到现在，观众参与艺术展的方式变得更多了。观众可以成为艺术品创造的一份子Participatory art：例如在2016年外滩美术馆的费利克斯·冈萨雷斯·托雷斯回顾展时，在展厅的一个角落堆着花花绿绿的水果糖，观众可以任意取走，也可以剥开糖纸把糖吃掉。这是艺术家在1991年创作的《无题（罗斯洛杉矶的肖像）》，当时正值艺术家的爱人罗斯·莱考克去世后不久。展览之初糖果的重量为79.4公斤，正好是爱人的的理想体重，而糖果的甜蜜象征着甜蜜的回忆，随着展览的进行，糖果的数量逐渐减少，就像罗斯因患病逐渐枯槁的面容和消瘦的躯体。当糖果消失殆尽的时候，就是罗斯去世的情景再现。这件作品只有观众的参与才能最终完成，观众与艺术家最初的构思一起，完成了这件对爱人逝去的挽歌。
▲费利克斯·冈萨雷斯·托雷斯《无题（罗斯洛杉矶的肖像）》
另外，观众被鼓励拍照: 随着科技的发展，社交媒体与摄影技术也日新月异，艺术展也从原来的不欢迎拍照，到了现在鼓励拍照。观众合影与分享是一个让艺术展变得更加具有影响力的方式。近期在加拿大多伦多展览的草间弥生的无限镜屋作品，就是一个非常适合合影的作品。该作品由7个不同主题的房间组成，每个方面都有一个反复出现的物件和镜子，创造出了一个如梦似幻的场景，非常适合自拍。
▲草间弥生，The Souls of Millions of Light Years Away(2013)
丨艺术与时尚的联姻丨
随着艺术变得和普通人更近，不再那么阳春白雪、曲高和寡，许多奢侈品牌也想和艺术搭上边。
服装设计师很早就有从艺术吸收灵感的传统，例如著名时尚设计师伊夫圣罗兰从德国艺术家Piet Mondrian的画作中得到灵感，在1965年设计了一系列的裙子。圣罗兰对设计的纯净非常重视，他体会到了Piet Mondrian的极度简单的线与颜色的组合中体现的平衡之美，并将这种美转移到了日常的服装之中。
▲Yves Saint Laurent，Mondrian 系列成衣
除了时尚设计师从艺术作品中汲取灵感，还有奢侈品牌直接与艺术家合作，推出相关的产品。例如村上隆与LV 长达十多年的合作，推出了爆款Multicolore Monogram系列包袋。有些人也许不知道村上隆，或者手袋背后的艺术，但是对于这个白底花色的LV 包袋却如数家珍。除了这次经典的合作，最近还有当代艺术家Jeff Koons与LV的大师系列手袋的合作。Jeff Koons在这次合作中，一方面结合了自己的长期创作的“Gazing Ball”系列作品，同时参考了将达芬奇、鲁本斯、提香、梵高、弗拉戈纳尔五位油画大师的作品，把它们作为印花印在LV的几个经典包袋上。
▲Multicolore Monogram系列包袋
▲LV 大师系列
到现在，许多知名的奢侈品牌想要进一步将时尚与艺术结合在一起，提高品牌形象，所以都纷纷成立艺术基金以及相关美术馆。离我们最近的例子就是Prada在上海修缮六年完成的荣宅，这栋三层楼房原来属于上世纪初著名中国企业家荣宗敬。荣宗敬与其兄弟曾经先后创办过21家纺织和面粉企业，可以说撑起了当时中国的民生行业。此次修缮过的Prada荣宅不仅仅是日后品牌举行市场活动的场地，也将作为一个文化场所向公众开放。现在荣宅就在由Prada基金会筹划的“罗马1950–1965”的展览，。展览旨在探索第二次世界大战后罗马蓬勃发展的文化和艺术氛围，展出形式派、起源派、八人组和新艺术战线等主要艺术群体和运动，现场可以看到卡拉·阿卡迪、阿夫洛·巴萨尔德拉、阿尔贝托·布里等13位艺术家的30余件绘画与雕刻作品。
娄依伦 