2018弗里兹纽约闭幕，新调整后将释放出怎样的市场信号

微信公众号《艺术市场通讯》5月9日发布

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5月6日第七届弗里兹纽约正式闭幕，作为世界几大著名艺博会之一的弗里兹纽约仍然贯彻其现代艺术的理念，并且政策上倾向于扶持中小画廊与新兴艺术家。本次的纽约弗里兹虽然遭遇了酷暑，但是销售情况相对乐观，尤其是那些较低价位的画作。而此次艺博会的最大亮点莫过于新开设的展区Live, 尤其是艺术家Lara Schnitgerder与志愿者共同完成的作品Suffragette City(2015-ongoing)，与当下metoo运动相呼应，得到了许多好评。

The 7thFrieze New York was closed successfully on May 6th. As one of the most famous art fairs, Frieze New York is still labeled with the contemporary art, and introduced lots of policies that were beneficial to small and medium-size galleries, and rising artists. This art fair was suffering due to the high temperature. Luckily, the sales go strong, especially for those lower price range. The most significant spotlight is the new added Live section. The artwork Suffragette City(2015-ongoing), which are created by artist Lara Schnitgerder and volunteers, reflected on the current #Metoo social campaign and obtained positive feedback from the audience. 

丨第七届弗里兹纽约看点丨

第七届弗里兹纽约在Randall’s Island Park正式闭幕，这个长达5天的艺术盛会集合了来自30个国家的超过190个画廊的精品。Live, Frame, Focus,和Spotlight四个特别展区与位于中央的核心画廊展区有机结合，组成了今年的弗里兹纽约的全貌。其中，Adrienne Edwards负责策展的Live展区，首次集合了现场表演、装置艺术、交互项目等艺术形式；Andrew Bonacina和Laura McLean-Ferris 则负责了Frame展区，该展区主要呈现来自13个国家的19个新兴画廊的独立并具有实验精神的艺术展；Focus展会则主要体现了弗里兹纽约对年轻画廊的关注，该展区汇聚了全球各地的30家年轻画廊的参与。Toby Kamps则负责了亮点（Spotlight）展区，该展区专门为20世纪的艺术先锋所开设，一共有31个展台，呈现自1960年以来艺术史上非常重要的艺术运动杰作、新兴国家和地区的艺术家发掘与探讨，以及重要先锋艺术家的罕见作品等。除此之外，还有许多画廊带来了自己的演讲、表演等其他活动。

▲弗里兹纽约外观

今年参展的中国画廊有博而励画廊、天线空间、Leo Xu，以及在北京也设驻空间的佩斯画廊（北京、香港）和常青画廊。此外，还有有许多令人期待的新生代画廊也参与其中，如：Bridget、Donahue、 David Lewis、Simone Subal(均来自纽约)；来自北美地区首次参加纽约艺术博览会的画廊包括：Essex Street、JTT(均来自纽约) 、Château Shatto(洛杉矶) 以及 Regards(芝加哥)。

今年，来自中美洲和南美洲的独特文化仍是吸睛亮点，随着以下画廊的回归它们将再次为观者带来别开生面的视觉精彩：A Gentil Carioca(里约热内卢)、Mendes Wood DM(圣保罗)、 Galería Jaqueline Martins(圣保罗)、Instituto de Visión(波哥大)以及 Proyectos Ultravioleta(危地马拉城) ，还有首次参加纽约艺术博览会的Luis Adelantado(墨西哥城) 和Galeria Nora Fisch(布宜诺斯艾利斯)等等。

▲Darío Villalba,《El enfermo》, 1974

对于整场艺博会，弗里兹艺博会总监维多利亚·西多尔(Victoria Siddall)介绍道：“弗里兹纽约一直在不断进化，今年的参展画廊无论是覆盖的广度还是质量都高于往届，充分满足我们的受众人群的多元化文化需求。”她同时补充道：“本届纽约弗里兹深化扩充的20世纪板块内容将会为当代艺术画廊呈现更加广泛的语境，同时也会有更加有趣的对谈。参观者们可以通过本届纽约弗里兹发现并挖掘更多地区的更多年轻艺术家群体。”

▲Frame展区

为了保证参展画廊的多样性，弗里兹纽约也和许多艺博会一样，对中小画廊有一些扶持项目，以维持整个艺术市场的平衡，也给予了藏家更多的选择。例如在Frame展区，展示独立展示新兴艺术家的摊位的租金从8000美元开始，是中心展区的起步价的一半。还有Focus展区，专门为年轻的画廊开设，画廊主可以得到比中心展区（78.59美金每平方英尺）低上30%的价位。

丨Live展区首次亮相丨

Live展区无疑是本次艺博会的亮点。前文提到的Live展区策展人Adrienne Edwards创意性地邀请了参展客户也加入到艺术表演创作之中，她希望通过这次尝试，让人们思考与反思社会正在发生的问题。不出意外地，政治成为了Live展区的热门话题。

艺术家Hank Willis Thomas制作了两个巨大尺寸的旗帜，分别叫做15093和15580（2018），这两个数字也是在这两面旗帜上绣着的星星的数量。这些数字分别代表了在2016和2017年因为枪支而死亡的美国公民人数。这两面旗帜被挂在艺博会的南入口的旗杆上，并垂落在地面上。艺术家提到自己的灵感时，分享到自己的兄弟也是因为枪支而死亡，这个作品是那些“陨落的星星们”报以思念的象征。

艺术家Lara Schnitgerder的作品Suffragette City(2015-ongoing)则结合了公众的力量。这件作品的灵感是来自于现在正在如火如荼的ME TOO运动，艺术家分享到：让她更为气愤的事情是，人们在知道那些男性被指控为性骚扰时，居然一点也不惊讶。我要为那些勇敢站起来的女性献出我的掌声。艺术家通过社交媒体，挑选出了一批志愿者，这些志愿者拿着横幅，背着象征着人们的眼光的背包，在场馆内游行。当游行停止时，横幅会被挂在L2摊位的墙上，艺博会的任何一位访客都可以用指甲在横幅的另一侧写出他们的想法和口号。这件艺术品被一位艺术家在VIP日买下。

▲志愿者参与艺术家Lara Schnitgerder的作品

丨新变化和突发状况丨

今年的弗里兹纽约与往年的最大区别莫过于将VIP日增加到了2天，同前不久成功举办的欧洲TEAFAF一样，选择增加了VIP日的时间。艺博会方解释道：这新增的一天是为了欢迎逐渐增加的藏家群体、博物馆专业人士和组织。这一环节将为他们更好地提供接触与了解当今全球顶尖艺术家们的作品的机会。然而对于质疑声仍然层出不穷，例如艺评家Tim Schneider就认为这一调整反映了虽然弗里兹纽约的销售业绩依旧良好，但是艺博会整体的运营已经十分吃力。他认为由于一些类似弗里兹的顶尖艺博会的销售业绩大抵都是在预展那几天创造的。设置双倍的VIP预展时间便强烈暗示着弗里兹纽约艺博会的销售成绩欠佳。艺博会才会通过给予参展商双倍的与藏家和机构独处的时间以帮助他们赚取更多利润。

的确，近年来由于全球范围内艺博会遍地开花，举办日期撞车变得非常常见，藏家们在面对日程紧凑的艺博会安排，抽身乏力，不得不选择放弃一些展览。藏家只能多选一的客观情况，让全球范围的艺博会大战变得更加激烈。因此，为了吸引更多收藏家，并且给予藏家更自由的时间选择，增加VIP日成为了一个折中的策略。

早在2015年，香港巴塞尔就已经做出了延长VIP日到两天的决定。而今年3月份闭幕的TEFAF也首次将VIP日延长到两天，并最终受益于这个策略。延长至两天的VIP日，既能够让收藏家在第一天能有个全观，有更多时间去了解展品背后的艺术故事，在思考过后，于第二天重新光顾并购买。也可以给艺术经销商更多的冗余时间与顾客面对面进行交流，以及有更大可能性碰到新顾客。TEFAF参展画廊主Dino Tomasso曾反馈道，TEFAF的今年和去年有着不同的氛围，气氛更加时尚愉悦，几乎所有的参展商都乐在其中，那些最开始对这个策略改变持怀疑态度的人也修正了他们的看法。

虽然弗里兹纽约早在2017年就公布了其延长VIP日的计划，但由于很多艺博会都纷纷开始尝试该策略，并且举办的时间比弗里兹纽约更早。所以，藏家们并没有对延长的VIP日反应强烈，最后的销售结果也没有成倍增长。

除了VIP日的延长，弗里兹纽约也不得不面对另一个新状况——高温环境。和今年的军械库展遭遇风雪的坏天气一样，弗里兹纽约也受到了天气的小小捉弄。在头两天的VIP日里，纽约的气温非常炎热。在过去，弗里兹纽约都成功创造了一个宜人的艺术欣赏环境，但是今年的极端天气无疑是出乎主办方的预料之外。大多数的藏家都不会在搭好的帐篷里久待，一般在下午一点钟之前，便离开了艺博会，这必然影响到了画廊的一些卖画机会。

当然，也有一些画廊主认为炎热的天气并没有妨碍到销售额，例如首次出席弗里兹纽约的，来自洛杉矶的年轻画廊Anat Ebgi gallery，她带来了来自巴勒斯坦-美国的艺术家Jordan Nassar的十二幅色彩鲜艳、手工绣制、精美装裱的画作。这些作品呈U型排放在来自巴勒斯坦的地毯上，标价在6600美金到10000美金之间。这些作品有一些在开展之前就被预定，在周三VIP日结束时已经全部卖出，甚至有一些没有展出的作品也被预定。主管Stefano di Paola对本次艺博会的销售成果非常满意，并分享道：藏家来自于：中东、洛杉矶和纽约等。Stefano di Paola说这次的高温让整个交易过程变得更加快，藏家没有询问更深的问题，例如未来会有什么艺术作品？还有其他的艺术家推荐吗？

虽然弗里兹纽约不得不面对意料之外的高温天气，但是从总体来看，弗里兹纽约的销售情况尚可，画廊主也纷纷表示了对未来艺术市场的信心。然而，值得注意的是，在VIP日的开始几小时内，虽然成交量很大，但是大部分是较低价位的艺术品，画廊也更多地带来了价格适中的艺术品。与节节攀高的拍卖纪录相比，艺博会售出艺术品的平均价格在降低，这说明着艺术市场的消费者消费意愿分层严重，人们对于高于8万美金的艺术品购买变得更加谨慎。

丨参展画廊的小心思丨

由于近年来艺博会的蓬勃发展，有一些艺博会成绩突出，有一些艺博会则纯粹是当地政府为了振兴文化领域而举办的，销售成绩惨淡。画廊面对着高昂的艺博会租金，以及众多的艺博会选择，正在变得越来越谨慎。

弗里兹纽约作为顶尖的艺博会之一，迎接了来自世界各地的藏家，但是主要的藏家仍然是美国藏家，因此众多画廊选择迎合美国藏家的口味。例如来自巴黎的画廊Mor Charpentier的联合创始人Alex Mor就分享了他的心得。来自纽约的收藏家特别喜欢购买那些具有奖杯意义的作品，就像王冠顶上的最大的钻石那样具有极强纪念意义的作品。不过，不可否认也有一小批的收藏家喜欢探索新的事物。和纽约的藏家非常强调视觉效果相比，来自拉丁美洲的收藏家们则喜欢概念艺术更多一点。凭借着对藏家心理的揣摩，Mor Charpentier无视炎热天气，获得了很好的销售结果：以45000欧元的价格售出了Saâdane Afif创作的向杜尚的Fountain (1917)致敬的作品The Fountain Archives (2008- )，艺术品Alexander Apóstol’s Color is my Business (2012-2015)卖出了29000美金的价格，以及以8000欧元的价格卖出了Carlos Motta 的一件小型3D雕塑作品。

▲Alexander Apóstol, Color is my Business, 2012–2015

艺博会都有其风格，而弗里兹纽约则有推崇新兴艺术家的特征。有一些画廊抓住了这个偏向性，带来了符合这个基调的作品，受到了很好的反馈。例如来自比利时的画廊Zeno X，它虽然旗下拥有许多大名鼎鼎的艺术家例如Luc Tuymans和Michaël Borremans，但是本次弗里兹纽约仍然选择了一些更加年轻的艺术家作品。最后该画廊销售成绩为：来自布鲁克林的艺术家Mircea Suciu 的作品The constant feeling of guilt (after Delacroix) (2018)以20000到25000美金之间的价格售出，艺术家Paulo Monteiro 的一件无题（2017）作品（画廊没有透露价格），Marina Rheingantz Galope的一件油画作品Galope (2017)，以及荷兰艺术家Mark Manders 的作品Landscape with Male Head (1992-2017).

▲Landscape with Male Head (1992-2017)

虽然每个画廊各显神通，带来了丰富多彩的作品，但是弗里兹纽约最大赢家仍然是那些大画廊们，画廊Thaddaeus Ropacsuch就是大赢家之一，弗里兹纽约的好几件高额艺术品都在这里卖出：Sie werden gehen, sie sind gegangen (2017) 卖出了850000美金，艺术家Longo 的Untitled (Split Ram) (2018)也卖出了850000美金的价格，艺术家Rauschenberg 的Star Park (Borealis)(1990)卖出了675000美金的价格。

结语

本次弗里兹纽约稳中求进，既保留了其对当代艺术的关注，又开辟了新的Live展区，给访客们带来了新的期待与惊喜。在销售记录上，弗里兹纽约仍呈现向好态势，但高价售出的艺术品数量变少，画廊们不得不必须走量才能赚回租金成本。

艺术市场的新进玩家

微信公众号《艺术市场通讯》5月7日发布

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随着艺术市场的不断扩展，其属性与参与者也发生了很大的变化。在十九世纪的时候，艺术爱好者在法语被称为amateurs，源于拉丁语的amare（去爱）。Amateurs指的是一个人纯粹出于快乐，而非利润，参与到一项活动之中。即使在十年之前，当代艺术收藏家大多是出于一腔热血与长久积累的经验，他们用金钱交换他们真正欣赏的艺术品，然后将它们视作室内装饰的重要一部分，创造自己热爱的生活环境。虽然现在这种纯粹之心的收藏家依然存在，但是市场上涌现出更多的玩家视艺术品为一种资产，而非一个消遣爱好。艺术市场不再是之前简单的：藏家、画商和艺术家的简单三角关系，后起之秀们让整个艺术市场变得更加复杂与活跃。

As the art market keeps expanding, the profiles of participators have changed a lot. In 19th centuries, art lovers were called amateurs in French, which origins from the Latin word: amare. “Amateurs” refers to people engage in a particular activity, merely out of pleasure rather than profit. Ten years ago, most of the contemporary art collectors are experienced and enthusiastic. They exchange artworks by money, and regards artworks as part of interior decoration, creating a lovely living environment for themselves. Although nowadays this kind of collectors are still existing, there are lots of other players joining the art game. They view purchasing art as an investment activity rather than a hobby. Therefore, the art market is no longer the simple triangle structure, made by collectors, art dealers, and artists. However, the whole market becomes more complicated and energetic.

丨新玩家一号：艺术基金会丨

常有人说，艺术太过于阳春白雪，与普通人的生活离的太远，都是顶层阶级的自娱自乐。然而随着当代艺术的发展，艺术越来越走进公众视野，由最开始的美术馆、博物馆的建立，到现在艺术基金会如雨后春笋般地崛起。这些非营利机构服务的对象是公众，而非收藏家们。

艺术基金会最为成功的案例之一，莫过于迪亚艺术基金会（Dia Art Foundation）在1977年开始的用艺术改造美国小镇Marfa的故事。Marfa是德克萨斯州西部，处于沙漠和墨西哥边境之间的一座仅有两千人口的小镇，战时曾被用于军队基地和训练营，战争结束后便被遗弃了。艺术家唐纳德•贾德（Donald Judd）在1971年经过Marfa时被其独特风光所吸引，随后搬家到了小镇。

▲Marfa小镇的沙漠风光

唐纳德说服了迪亚艺术基金会（Dia Art Foundation）加入了这个特别的小镇改造项目，经过双方的通力协作，小镇焕发出新的光彩。原来的废弃的军事基地上放置了许多精心挑选的大型装置作品，展览里参与的艺术家也越来越多，由原来的约翰•尚贝莱（John Chamberlain）, 丹•弗莱文（Dan Flavin）, 唐纳德•贾德三名艺术家，到卡尔•安德烈（Carl Andre）, Roni Horn, Hya Kabakov, 理查德•朗（Richard Long）等著名艺术家的作品也加入其中。2003年，Marfa小镇成立了一个多功能的艺术空间Ball Room Marfa，除了展出艺术作品之外，还放映电影、举办音乐表演等，这个空间成为Marfa小镇新的活力来源。

▲小镇内的展览

▲多功能艺术空间 the ballroom Marfa

一系列多种多样的尝试之中，最具影响力的莫过于从El Paso到Marfa路上的一个“Prada商店”，这是艺术家艾默格林 & 德拉塞特（Elmgreen&Dragset）用雕塑、土砖、灰泥、玻璃和铝框复制的一家Prada商店。它并不是Prada旗下的门店，只是获得了标示使用权，但是其内部放置的全是货真价实的Prada真品。就这样，Marfa小镇在艺术基金会和艺术家的带领下，从一个毫无生气的小镇，转变成了新的热门艺术之地。

▲“Prada商店”

在中国，艺术基金会的影响力也在继续。近期正在上海当代艺术博物馆的“陌生风景”艺术展的展品就来自于卡地亚当代艺术基金会。该基金会在1984年成立，是法国第一家以企业赞助形式支持当代艺术的机构。在其33年的历史之中，挖掘与培养了一批极有潜力的艺术家，与超过300位艺术家合作了1400余件委托作品。中国知名艺术家蔡国强与基金会的渊源颇深，刚开始因为驻地艺术项目结缘，直至今日仍保持着联系。

▲蔡国强作品《白声》

▲“陌生风景”展览现场

中国本土也有艺术基金会的身影，例如上海余德耀美术馆旗下就有一个将艺术与慈善结合在一起的基金会：艺疗基金会。该基金会在2017年成立，希望联合艺术家的独特智慧与生物医学奖的专业知识使艺术成为一种奇迹与力量。该基金会与2018年3月28日在香港成功举办第一届慈善晚宴，拍品来自余德耀基金会、艺术家徐冰、杨福东、赵半狄等，筹款全部捐赠给了约翰•霍普金斯大学胰腺癌研究中心。

▲艺疗基金会标志

艺术基金会虽然是非营利机构，服务于公众。但在其推动下，公众会对某件艺术品或艺术家的认知提高，那么该艺术家的市场价值也便随之上升。因此，艺术基金会可以说是艺术价值、商业价值和社会价值的统一体现。

现如今，艺术基金会越来越多，规模也越来越大，不仅培养年轻艺术家，举办展览，还会做一些跨界式的项目，例如上文提到的慈善项目和小镇改造项目。随着艺术基金会影响力的不断上升，成为了市场上不可小觑的新兴力量与耀眼的新玩家。

丨新玩家二号：公司丨

大型公司资助艺术展览、艺术节、美术馆与博物馆的行为在当今早已屡见不鲜，除了资助，还有一些公司会直接购买艺术品作为公司资产。这都是商业公司加入艺术市场的体现。

在1996年，德国时尚品牌Hugo Boss在纽约的古根海姆博物馆设立了一个以品牌命名的艺术奖项Hugo Boss Prize，第一位胜者是美国的马修•巴尼（Mathew Barney）,并收到了三万美金的奖金。这个尝试在当时得到了很大的媒体曝光度，吸引了大量的眼球。

▲Hugo Boss Prize, 1996

在1970年McCrory百货的所有人麦沙伦•利克里斯(Meshulam Riklis)激进地为自己和公司购买了大量的艺术品。由于麦沙伦对公司控制力很强，所以公司上下并没有出现明显的反对声音。他非常享受寻找新兴艺术家的过程，并且向他们订购为自己商店的创作的艺术品。他并没有雇佣专业人士，而是自己决定一切，花费很长的时间去逛画廊和艺术家工作室，与画商和艺术家社交。麦沙伦将这些艺术品纳入了公司资产，他还很有创造性地提出：如果一件雕塑被摆放在折扣店，即使雕塑的市场价格上升，他仍会对这件资产进行折旧。

▲麦沙伦•利克里斯

类似的公司还有很多，其中做得非常出色的有Panie Webber资产管理公司的CEO 唐纳德•马龙（Donald Marron）, 他在20世纪70年代为自己和公司购买力大量的新兴艺术家的作品，这些作品最初被摆放在公司的走廊上。20年之后，这些作品被重新聚集到一起，并成功在美国休斯敦的Museum of Fine Art举办了一场极具影响力的专属展览。在UBS公司在2000年收购Panie Webber资产管理公司的时候，UBS将40件艺术品捐赠给了MOMA（唐纳德•马龙曾今是该博物馆基金的主席）, 并且支持Panie Webber继续购买艺术品，完善它的艺术品组合。这些做出购买艺术品决定的管理者其实不仅仅将艺术品视作是一项商业投资，他们相信摆设在公司内的艺术品可以让工作环境更加有趣，让员工更遵守公司规则。如果这些艺术品被展览，更能成为一种公共关系的宣传工具。

▲唐纳德•马龙

▲UBS艺术收藏

然而这种类似的公司往往会因为领导人的换届，而改变其艺术方向的目标，并且减少在艺术品上的投资，最差的情况就是公司选择整体出售它的艺术品库存。当兼并与收购之后，很少有管理着能够坚持继续用公司资金购买艺术品，而且董事会也是保守地不建议收购艺术品。

因此当今，资助艺术活动的方式比直接收购更加受到青睐。大部分的公司都接受这样一个观点：公司可以将广告与宣传一部分预算用于资助文化艺术类活动，这样不仅能够向大众宣传自己，还能吸引高净值人群，例如资助美术馆、博物馆后，公司可以参与私密的美术馆举办的聚会，在那些聚会更容易接触到新客户。出于这样的目的，公司在选择何种艺术展览时也会异常谨慎，例如顶级的投资公司会乐意为毕加索的展览赞助，但是不会资助一些敏感话题的展览，例如政治类与性别类。

▲巴塞尔商业合作伙伴

公司作为一个主体收购艺术品可以从侧面证明艺术品的价值正在受到更广泛的认可，收藏不再是个人行为，而变成了体现公司品味与文化的渠道。

丨新玩家三号：银行丨

上文提到了许多大型公司都加入了艺术行业，国际银行虽也属于商业公司的范畴，但由于其特殊性，银行既能以一个法人收藏家的身份加入艺术市场，也能为艺术市场提供相关的服务。

银行作为收藏家的身份在欧洲首先兴起。一家知名比利时银行家族成员Baron Leon Lambert在其28岁的时候邀请有名的现代建筑家戈登•邦沙夫特(Gordon Bunshaft)设计该银行在布鲁塞尔的总部建筑，并同时委托艺术家让•杜布菲(Jean Dubuffet) 和亨利•摩尔(Henry Moore)创作银行外部的雕塑，在这个建筑的办公区与公共区域都摆放了艺术作品。Lambert本人占据了该建筑的最高层，一迈出他的私人电梯，迎面而来的就是三个阿尔伯托•贾克梅蒂(Alberto Giacometi)创作的纤长的女性雕塑，以及一间又一间摆放着当代艺术的收藏间。在20世纪，许多欧洲银行的所有者和创始人都和Lambert一样是一位艺术收藏家。

▲戈登•邦沙夫特设计该银行在布鲁塞尔的总部

▲贾科梅蒂雕塑作品

美国银行加入艺术世界的步伐稍晚。因为在欧洲，艺术品首先被视为是一种经济身份的象征，其次才是一种可以变现的资产。然而在美国，银行们更倾向于认为不动产才是经济身份的象征，而非艺术。

在美国，艺术品被视为具有商业价值的契机来自于1985年苏富比的四月拍卖，这场拍卖会也象征着顶尖艺术品拍卖价格被大众消费的开端。当时的拍卖品的质量非常优秀，最显眼的一件拍卖品是梵高的Enclosed Field with Young Wheat and Rising Sun(1889)，当时苏富比预测价格是五百万美金，这已经超越了任何一件艺术品的预测价格。然而最后的落槌价格竟然是预测价格的两倍左右：9.9百万美金。让这个故事变得更加戏剧化的是买家是一位阿根廷的水泥企业所有者，一位女性的收藏家Amalia de Fortabat。第二天，这场拍卖会登上了纽约时报的头条，收到了全世界的注目。

▲Amalia de Fortabat

▲Enclosed Field with Young Wheat and Rising Sun(1889)

虽然说大部分的美国银行都反应迟钝，但是其中也有例外，例如JP摩根：1959年，JP摩根的前身Chase Manhattan Bank在David Rockefeller的领导下，开始建立公司的艺术品组合，截止到2014年，该公司在全球450个分公司内摆放着30000件艺术品。David的母亲Abby Aldrich Rockefeller同时是Museum of Modern Art三位创始人之一，David本人、他的兄弟Nelson以及妹妹Blanchette也曾出任过该博物馆的主席职位。在JP摩根的收藏中，既有大名鼎鼎的艺术家作品，也有一些不知名的画家因为作品被该公司购买而名声大振。该公司还将自己的艺术品供全球的美术馆展览。

▲ MoMA

▲JP摩根的总裁办公室

迈入21世纪之后，银行变得更加地国际化，他们也发现那些高净值的客户很多都是收藏家，因此为了更好地接触客户与提高自己的品牌形象，银行纷纷迈入了艺术领域。例如Deutsche Bank 就效仿JP摩根，开始建立自己的艺术品收藏组合，并将这些作品以自己的名字在全世界展出，以此塑造在高净值潜在客户心中的形象。银行正在参与越来越多的顶级艺术展，Deutsche Bank 和ING都是TEFAF的赞助商，UBS是巴塞尔艺术展的赞助商。这些银行会派高层管理者出席艺术展相关的私人聚会，并在席间发言，一般都是关于该银行的理念与该展览的先锋精神的相互共鸣。

▲Deutsche Bank的艺术收藏

除了赞助和直接购买，银行还衍生出了艺术咨询业务。Citibank的艺术咨询业务中只需要支付一定的年费与手续费，客户就可以得到一支专业的艺术专家的帮助，来判定艺术品价值，找到合适的艺术品以及特别渠道购买艺术品。这项业务还包含了艺术品的储存、运输与保险。如果客户想要出售一件艺术品，服务人员还会帮忙处理执行上的问题，并根据客户需要选择匿名的方式出售。Citibank推出这项业务之后得到了很好的反馈，并成功吸引了一大批高净值人群，加强与他们的联系，借此推销更多的业务。Citibank同时也允许客户把艺术品作为抵押物，获得资金。

▲citibank艺术咨询服务人员

银行本身的财力雄厚，其目标客户与收藏家群体重合度很高，所以银行加入艺术市场既有经济基础，也有潜在动机。另一方面，银行的加入也让艺术品的流动性得到进一步的提高，艺术市场变得更加灵活。

丨新玩家四号：非银行类放贷人丨

随着艺术与金融的交流日益紧密，越来越多的机构开始提供艺术品抵押服务。根据德勤2016年度报告，艺术品抵押市场从2014年的9.6百万美元，扩展到了2016年的15到18百万美元。这个新市场里面的主要参与者有私人银行、拍卖行以及独立放贷人。在2006年，在纽约成立了一个独立的非银行的艺术融资公司Fine Art Capital，这家公司的放贷经理都拥有专业的艺术品鉴赏能力，以艺术品作为抵押物，放贷给收藏家、画商与博物馆。这家公司的官网宣称：一个高质量的客户可以贷款五十万美金到一亿美金，20年的期限，并同时保留他们的艺术品不需要移交。艺术品抵押领域还在继续发展，既有Borro公司关注于相对低价的艺术品，凭借高利率，短期贷款获得收入，也有Athena公司依仗金融巨头Carlyle和Pictet的背书，只放贷高于1百万美元以上的数额。这种艺术品抵押公司的另一个有利条件是缺失的相关法规，当下它们并不被联邦银行系统所约束，艺术品抵押可以说是一个灰色地带。

丨新玩家五号：互联网信息售卖丨

看到热度不断上升的艺术市场，艺术品信息售卖行业也开始发展。一位来自加利福尼亚的创业者Carlos Rivera和他的伙伴在2014年建立了名叫Sell You Later的网站。这个网站将艺术家们分类，然后将每个艺术品打上不同的标签：低于一万美金就买下，该卖出了，流动性强等。这个网站的基本思想是把艺术品投资看作和风险投资一样，高风险高回报，尽可能地去寻找那些独角兽类的艺术品。这个网站不需要付钱就可以访问，但是如果支付3500美金的费用，就可以先人一步得到信息，更快地作出反应。创始人透露道在他建立ins账号和网站的几天之后，就有好几个世界级收藏家注册与付费了。

▲Carlos Rivera

▲Sell You Later网站截图

结语

随着新玩家的出现，艺术和金融、商业之间架上了桥，艺术活动的动机也变得越来越多样化，艺术品也越来越像一个可变现的消费品，就像在股票市场交易的证券一样。这些新玩家的加入，一方面让艺术走进了公众的视野，提高了艺术市场的流动性与活跃性，但是在另一方面又让整个艺术市场陷入了一种躁动的氛围之中，变得更加复杂难测。

顺应时代潮流出现的五个新艺象

微信公众号《艺术市场通讯》 5月2日发布

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艺术是人类智慧结晶的体现，它源于生活也高于生活，艺术家们从周边的环境与自身的思索中获取灵感，促成艺术作品的诞生。艺术所代表的审美时常走在时代前面，有时候优秀的艺术作品甚至在几十年之后才会被人们认可其价值。但同时艺术也的确受到时代的推进与市场需求改变的影响，因为那些被艺术史或公众所认可的艺术毫无意外顺应了市场和时代的需求。当艺术发展到现代，又有着什么样的变化，又反映了社会的什么样的需求呢？

Art is the essence of human wisdom. It origins from daily life and go beyond the limits of reality as well. Artists rely on the inspiration, which comes from the surrounding environment, and self-exploration to create the artworks. Art sometimes is developed in ahead of the era, and some masterpiece needs to wait for the final recognition.  On the other hand, art is unavoidably affected by the society and market, since those recognized artworks are all following the trend of society and satisfying the market needs. Nowadays along with the development of the market needs, what kind of changes are we witnessing? 

丨艺术品的尺寸变得越来越大丨

大尺寸的艺术品并不是近现代艺术品的专属特性，历史上有许多大尺寸作品，例如罗马的西斯廷教堂、圣彼得堡的巴洛克式的宫殿。罗马西斯廷教堂在1481年完工后，教宗西斯度四十邀请一批文艺复兴画家以耶稣基督为题目创作了一系列的壁画，随后儒略二世又邀请米开朗基罗绘制天花板与剩下的空间。这些壁画的尺寸都很大，覆盖了教堂的穹顶与上墙壁，其中最有名的莫过于《创造亚当》《诺亚方舟》。可以说装饰后的西斯廷教堂本身就可被视为一件大型艺术品。

▲罗马西斯廷教堂

▲《创造亚当》

而当今社会我们感到艺术品尺寸越变越大的原因是艺术品角色的转变。在之前，艺术品是一种高端消费品，收藏家一般根据自己喜好收购艺术品，用于室内装饰。所以艺术品的尺寸一般是能够放进家中的。然而随着社会的发展，人们对精神文化的需求逐渐增多，艺术的消费群体不再是一个简单的闭环：艺术家—收藏家，而是有更多群体的加入：

现在政府在规划城市建设时，不单考虑实用方面的需求，例如交通路线、居住区与商业区的划分，也开始考虑人文方面的需求，城市绿心、大剧院、图书馆等。这些公共建筑有着足够宽敞的空间，同时也需要地标性的艺术品来体现其职能和风格。

许多大型商业公司将艺术品作为新噱头吸引客户，提升品牌的吸引力。例如上海的K11便将购物商场与艺术结合在一起，散落在各个楼层的艺术品与特地划出的K11美术馆，都成功地将K11与其他购物场所区别开来，形成独特的吸引力。除此之外，还有许多大型酒店需要大型艺术品包装自己，例如拉斯维加斯的高端酒店的酒店大厅设计、酒店入口前广场都有大型公共装置艺术的身影。

随着收藏家的藏品逐渐丰富，有些藏家着手开设自己的私人美术馆，成立艺术基金等。在美国，成立专门的艺术基金与私人美术馆变得非常普遍，在日本，知名企业都会开办美术馆，例如东京的三得利美术馆，在中国近5年也掀起了开办私人美术馆的狂潮，例如最近风头正劲的龙美术馆、余耀德美术馆等。这些有着足够资金支撑与宽敞空间的大型私人美术馆为了吸引访客，对于震撼力强的艺术品需求旺盛。

▲K11商场内部摆放着的艺术品

▲日本三得利美术馆

正是由于以上几个需求的催化，大型装置艺术的繁荣和变得越来越靠近工厂仓库规模的艺术家工作室也不难理解了。

丨艺术品代加工与过度现象出现丨

当代艺术发展到当今，对于艺术品的载体形式越来越宽容，艺术品的存在方式也不仅仅局限于传统的雕塑和绘画，许多实验性的艺术形式也在被人们所认可，例如新媒体艺术，行为艺术等。当代艺术更加注重思想与意义，并不严格规定艺术品必须百分百由艺术家生产创造。所以艺术作品虽然冠以某艺术家的名衔，但是实际的生产者却另有其人。例如艾未未的作品《一亿颗陶瓷瓜子》的背后就是1600名景德镇熟练工人历经两年的工作。由艺术家提出想法，具体实现交由他人的流程变得越来越普遍。外包生产也让艺术家能轻轻松松产出大量同系列作品。

▲艾未未《一亿颗陶瓷瓜子》，2010

据统计，安迪·沃霍尔在他去世时，捐赠了100000件作品给安迪·沃霍尔基金会，毕加索登记在册的作品有16000件。和古典艺术家相比，当代艺术家的产量可以说是惊人的了。

当代艺术家达明·赫斯特完全拥抱了高产量的观点，他在伦敦的Other Criteria店售卖着无数件作品：从茶杯到椅子，从印着蝴蝶的手拎包，到全套宗教印刷品，总计销售额达到了204000英镑。甚至他的代表画作spot painting系列，大多数也是由他的助手完成的，截至2017年，已经生产了1435幅。由于他的疯狂产出，最后他的艺术品市场遇冷，价格快速下跌。

▲达明·赫斯特  《Flesh Tint》，2016

还有著名日本当代艺术家村上隆因其super flat风格受到市场认可之后，便直接成立了他的艺术公司Kaikai Kiki，该公司针对不同人群，兜售不同的艺术作品：向上流社会兜售画作与雕塑，向中产阶级兜售与LV的联名包包，向低端市场那个兜售手机壳、衣服与玩具。村上隆还出版书籍《艺术创业论》与《艺术战斗论》。在书中，他以自己为例，详细阐述了他是如何揣摩市场需求与艺术界规则，掌握具有话语权的收藏家与评论家的口味，然后用他们能够理解的语言，创作艺术品以获得好价格。

村上隆一共有两个工作室，或者按照他自己的话来说是工厂：一个在日本朝霞市(Asaka)，一个在美国纽约长岛。2010年为威尼斯Palazzo Grassi博物馆筹备作品期间是他的产出巅峰，当时他一共雇佣了200名技术工人。村上隆基本生产画作的流程是：他亲自设计画作，然后扫描到电脑上，用Adobe Illustration上色，最后交由助手讲电子版的画作搬到画布上，最后村上隆亲自确认成品。

▲村上隆的作品在威尼斯Palazzo Grassi

丨被否定的艺术家重新得到评估正名丨

由于旺盛的市场需求，艺术从业者们开始四处寻找可能出售的画作，他们把过去不受认可、被嘲讽、甚至被定义为坏的作品重新包装与诠释。虽说评判一个艺术作品是好是坏，是一个主观的问题，所以后来的人完全可以重新评价过去的艺术家的地位，但是这种行为不可避免地会受到质疑。再发现的艺术家是真的被隐藏的珍珠呢？还是出自卖画的商业目的？

艺术家Bernard Buffet就是一位幸运的、被再发现的艺术家，他的艺术史地位起起落落。在1950年代初，Buffet在一次最受欢迎的世界艺术家中排名第二，仅次于毕加索。但是随后Buffet却受到了冷落，在之后的十年内，他的作品都被认为是坏品味的体现。然而在2016-2017年，事情出现了转机，Bufet的作品依次在著名的美术馆Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris和Musee e Montmartre得到展出。得益于这两次展出，在2016年的佳士得拍卖会上，Les Clowns Musiciens, le saxophonist(1991)卖出了1,022,500英镑的价格，美国的著名收藏家、投资家与艺术经纪人Adam Lindemann也购买了Buffet的作品，并且在2017年举办了一场Bufffet的展览：Bernard Buffet: Paintings from 1956 to 1999. 由此Buffet重新回到了大众的视野之中。

▲Les Clowns Musiciens, le saxophonist(1991)

还有艺术家Mel Ramos的海报风格的作品也被重新定位。这些画作以性感的女性为对象，她们往往赤裸着，与一些有性象征意义的物件一起出现：例如和香蕉一起摆造型，或者躺在一个Martini透明酒杯里。在2012年的一次伦敦苏富比Gunter Sachs藏品拍卖会中，A.C.Annie(1972)拍出了1.1百万英镑的价格。

▲Mel Ramos，Chiquita Banana (1979)

艺术家Victor Vasarely所代表的Op art也重新被挖掘，曾经不受市场青睐的视觉欺骗画作被售出了高价，尤其是其早期的黑白系列作品，价格超过了30万美金。相同流派的Bridget Riley的作品也跟着水涨船高。

▲Victor Vasarely, VEGA III(1957-1959)

这些成功翻身的艺术家都有鲜明的、易于辨认的个人风格，就像一个品牌一样，非常适合那些刚刚进入艺术市场的新藏家，以及那些希望得到相对稳定价格的作品的藏家们。

丨加深观众与艺术品之间的连接丨

艺术发展到当代之后，产生了许多分支，不同的艺术家流派在冲撞中，孕育出了百花争鸣的盛态。艺术品的展现方式也发生了改变，从原来的结果式艺术品，例如绘画、雕塑、器物等，现在过程式的艺术品也被人们所接受。过程式的艺术品既具有探求的特征，又有极强的观赏性，让观众身临其境。

实验艺术流派就是一个例子。在1990年纽约的Paul Allen Gallery就有一个名为无题的展览，其内容为艺术家Rirkrit Tiravanija在展览开幕式上给前来参与的嘉宾（大部分是艺术家）提供了免费的泰国米粉，然后将这些嘉宾用餐后的场景保留下来，当作展览的主体。其中有食物残渣、餐具、空空如也的啤酒罐、煤气等。画廊把这场展览起名为社会雕塑“Social Sculpture“。然而，这件作品并没有被成功售出。在1993年艺术家Rirkrit Tiravanija又开始了新的尝试，他撑着一个独木舟顺着中国的大运河而下，向沿岸的行人发放方便面Cup O noodle。他也将这个作品命名为无题1993（1271），寓意在当初马可波罗从中国受到启发，将意大利面带到了意大利（有一种观点认为是中国发明了意大利面pasta: 在公元300年，中国就有关于意大利面的描述，在公元1274年，马可波罗游历中国17年之后，他将这种面食带回了意大利）。这件艺术作品被一位美国收藏夹Andy Stillpass买下放在自己的后院，当作一个概念式的雕塑。在2004年艺术家Rirkrit Tiravanija获得了古根海姆的Hugo Boss奖，以表彰他在艺术内涵社会化的探索。

▲Rirkrit Tiravanija 实验艺术作品”Spaghetti Western”

而到现在，观众参与艺术展的方式变得更多了。观众可以成为艺术品创造的一份子Participatory art：例如在2016年外滩美术馆的费利克斯·冈萨雷斯·托雷斯回顾展时，在展厅的一个角落堆着花花绿绿的水果糖，观众可以任意取走，也可以剥开糖纸把糖吃掉。这是艺术家在1991年创作的《无题（罗斯洛杉矶的肖像）》，当时正值艺术家的爱人罗斯·莱考克去世后不久。展览之初糖果的重量为79.4公斤，正好是爱人的的理想体重，而糖果的甜蜜象征着甜蜜的回忆，随着展览的进行，糖果的数量逐渐减少，就像罗斯因患病逐渐枯槁的面容和消瘦的躯体。当糖果消失殆尽的时候，就是罗斯去世的情景再现。这件作品只有观众的参与才能最终完成，观众与艺术家最初的构思一起，完成了这件对爱人逝去的挽歌。

▲费利克斯·冈萨雷斯·托雷斯《无题（罗斯洛杉矶的肖像）》

另外，观众被鼓励拍照: 随着科技的发展，社交媒体与摄影技术也日新月异，艺术展也从原来的不欢迎拍照，到了现在鼓励拍照。观众合影与分享是一个让艺术展变得更加具有影响力的方式。近期在加拿大多伦多展览的草间弥生的无限镜屋作品，就是一个非常适合合影的作品。该作品由7个不同主题的房间组成，每个方面都有一个反复出现的物件和镜子，创造出了一个如梦似幻的场景，非常适合自拍。

▲草间弥生，The Souls of Millions of Light Years Away(2013)

丨艺术与时尚的联姻丨

随着艺术变得和普通人更近，不再那么阳春白雪、曲高和寡，许多奢侈品牌也想和艺术搭上边。

服装设计师很早就有从艺术吸收灵感的传统，例如著名时尚设计师伊夫圣罗兰从德国艺术家Piet Mondrian的画作中得到灵感，在1965年设计了一系列的裙子。圣罗兰对设计的纯净非常重视，他体会到了Piet Mondrian的极度简单的线与颜色的组合中体现的平衡之美，并将这种美转移到了日常的服装之中。

▲Yves Saint Laurent，Mondrian 系列成衣

除了时尚设计师从艺术作品中汲取灵感，还有奢侈品牌直接与艺术家合作，推出相关的产品。例如村上隆与LV 长达十多年的合作，推出了爆款Multicolore Monogram系列包袋。有些人也许不知道村上隆，或者手袋背后的艺术，但是对于这个白底花色的LV 包袋却如数家珍。除了这次经典的合作，最近还有当代艺术家Jeff Koons与LV的大师系列手袋的合作。Jeff Koons在这次合作中，一方面结合了自己的长期创作的“Gazing Ball”系列作品，同时参考了将达芬奇、鲁本斯、提香、梵高、弗拉戈纳尔五位油画大师的作品，把它们作为印花印在LV的几个经典包袋上。

▲Multicolore Monogram系列包袋

▲LV 大师系列

到现在，许多知名的奢侈品牌想要进一步将时尚与艺术结合在一起，提高品牌形象，所以都纷纷成立艺术基金以及相关美术馆。离我们最近的例子就是Prada在上海修缮六年完成的荣宅，这栋三层楼房原来属于上世纪初著名中国企业家荣宗敬。荣宗敬与其兄弟曾经先后创办过21家纺织和面粉企业，可以说撑起了当时中国的民生行业。此次修缮过的Prada荣宅不仅仅是日后品牌举行市场活动的场地，也将作为一个文化场所向公众开放。现在荣宅就在由Prada基金会筹划的“罗马1950–1965”的展览，。展览旨在探索第二次世界大战后罗马蓬勃发展的文化和艺术氛围，展出形式派、起源派、八人组和新艺术战线等主要艺术群体和运动，现场可以看到卡拉·阿卡迪、阿夫洛·巴萨尔德拉、阿尔贝托·布里等13位艺术家的30余件绘画与雕刻作品。

▲Prada 荣宅

结语

当代艺术是反映当代社会的镜子，是正在书写的艺术史。而以上五个新的艺术市场动向都是艺术顺应着时代的发展与需求发生的转变。时代仍将发展，艺术也将继续改变与革新。下一个转变点在何处？让我们拭目以待。

女生都很喜欢花，我也不例外。每次去loblaw超市，带回来好几束花装饰家里，会让人觉得生活很有希望。所以，为什么不试一试当一名花艺师呢？想到了就去做，而且要铺长线，一步步实现自己的想法，是我的风格。仔细地计算自己的生活费后，我挤出了需要的学费（真贵！！尖叫】）。要学就学中国最好的，所以我就根据信任的博主的脚步，选择了北京的中赫花校。两周的课程，看起来很短，但是真的在其中经历时，却觉得极其漫长。

• 花艺师非常辛苦

刚开始的几天，正好是打基础的时候，曹老师也非常严厉。绝对不可以把剪刀随意放在桌子上；花艺师为了表现专业性，做花的时候不可以坐着；要妥善处理垃圾；动作要快，但是质量不能低。每天都觉得很折磨，站到脚麻，往住宿的地方赶的时候，脑子都要休克了。

• 花艺工作非常危险

与美丽的花朵不同，花艺专用的剪刀非常锋利，更别提花刀这个选项。但是做一个简单的作品，都需要动用300-400次的剪刀，可以说有很大的安全隐患。除此之外，花艺师为了保持手的敏感，不建议带上手套。有时为了追求效率，用手去处理花材。裸手与高频率地使用剪刀都让这份芳香的工作显得不那么美好。

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• 花艺师需要稳扎稳打

每天都觉得自己是文盲，是我经常的感受。而在课程学习之中，我发现自己不但文化不够，眼睛也很糟糕。多种多样的花朵，我都不知道他们的名字，对于我来说，他们统称为一个简单的词汇：花。据老师介绍，花艺师需要熟知认出花材种类，知道它的习性、产地、上市日期、价格、每束有多少支、面积、处理方法、英语/拉丁语/中文学术用语/中文口语称谓等。一种花要能连续说上30分钟，才算掌握了这种花。当我听到这个要求时，真的很震惊，这完全没有捷径可走，就是积累积累、再积累

除了花材知识，花艺师还需要练习手。让脑海中的形象变成实际，中间隔着千万次的练习。有时插错了角度破坏了整体造型，插得太浅花会失水而死，插得太深会导致花枝打架。除此之外，在插的过程中，还要仔细阅读花的表情。就是花是如何生长的，让他们面朝上，而不是垂下来无精打采。这个要求，让我意识到自己其实一直都没有注意周围的草木是如何生长的，他们的枝条是怎么展开的，树叶又是如何排布的。

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• 花的自由与经历的心流感

这一点也是最让我欣喜的一点。我大约在2年前，心中有一个相当艺术家的想法，创造美的东西不是很美妙吗？但是，我似乎没什么绘画的耐心，再加上绘画其实需要更长时间的锻炼与更激烈的竞争，让我非常沮丧。但是花也可以作为一种语言，它本身就是生命与美丽的象征，我只要将他们组合在一起便可。或许，通过花艺，我可以成为一个艺术家呢？通过花艺装置来表达我的想法。这个巨大的想象空间让我非常激动。

除此之外，在做花的时候，我再次体验了心流。这种感觉，我在初中时和暧昧的男生发微信时感受到了，在玩植物大战僵尸游戏的时候感受到了，在阅读的时候感受到了，从此之后，就很难再见到心流效应了。而这次的花艺课程，我欣喜地发现，自己在某个瞬间忘记了时间，全身心投入到了其中。我可以说是很幸运了，找到了另一个开启心流体验的钥匙。

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• 磨练你的审美与直觉

在外教课程中，我看到日本老师的做花过程行云流水，而且他只要一看就知道如何修改意见作品。看似很简单的操作，在我的手里就难于登天。为什么呢？我觉得这就是审美的差距，老师的潜意识能更快地判断美的标准，知道在哪个细微的部分出了错，但是我一定要到问题足够大的时候，才能看出来。为了达到更高的水准，花艺师必须不断地看优秀的作品，磨练自己审美能力。

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花艺师的体验非常有趣，我想继续下去。通过花的语言，我没准能成为一位艺术家呢？