他是商人，还是艺术家？/村上隆

微信公众号《艺术市场通讯》6月19日发布

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村上隆可以说是国际市场上炙手可热的当代艺术家，他出身于日本，但成名于美国。他的作品尤其受到中国富二代们的欢迎，然而在日本本土的呼声却不高。他在海外办的展，频率远高于日本。作为一个评价两极分化极其严重的艺术家，我们该如何理解他？

Takashi Murakami is a famous contemporary artist in the international art market. He was born in Japan， but received flam in the US. His artwork are highly welcomed by the Chinese rich second generation. However， Murakami is not that popular in Japan. The frequency of his international exhibitions is much higher than that of domestic exhibitions. As a controversial artist， how should we perceive him?

丨“曲线救国”的艺术生涯丨

村上隆1962年出生，现在已经年过半百，但是他面对公众的形象仍然是动漫图案加身，就像一个老顽童一样。然而他的艺术生涯却不全像他笔下的画作一样，绚彩明亮。

▲ 村上隆

村上隆在东京出身，像很多日本的小孩子一样，他是一个动漫和漫画迷，梦想着未来可以去动漫制作公司工作，同时他很小就拾起了画笔，希望未来以画画为生。然而，他的求学之路并不是一帆风顺的，他也不是一般人想象中的艺术天才，他考了三次终于考上了日本艺术大学，但是最后的专业却不是动漫，而是日本画。这个专业，村上隆学到了日本的传统审美、绘画技巧与绘画对象。他一直投身学业，直到获得了日本画博士学位。

虽然研习的是日本的传统绘画，但是村上隆对当代艺术更加感兴趣，而且对日本当前的艺术发展非常失望。他认为日本艺术只是对希望艺术的模仿，而没有自己的特点。也是从那时起，村上隆开始摸索自己的艺术风格，并创作了专属的pop形象：Mr. DOB。然而村上隆初期的艺术作品并没有受到本国人的欢迎。

▲ Mr. DOB形象

在1994年，村上隆得到了亚洲文化协会的奖学金，能够前往纽约呆上一年进行艺术创作。在这一年里，村上隆充分投入了纽约的艺术文化氛围之中，看展览，看画廊，和艺术界人士建立联系。其中西方当代艺术启发了他，尤其是艺术家杰夫·昆斯在商业和艺术的双赢。

村上隆经过反复的思量决定，先在西方艺术世界占有一席之地之后，重新回到日本发展。他希望创作出既和深深植入他心中的日本历史文化相关，又有新鲜感能被国际市场所认可的作品。最后，他将目光投向了日本动漫与漫画。正如许多波普艺术家一样，村上隆也关注着大众消费品中所含的内容、象征、符号、色彩等元素，然后将其运用到艺术创作之中。在日本真正的高雅文化都是含蓄内敛的，漫画和动漫则是一种大众消费品，算不上是艺术，只是一种亚文化。村上隆却认为漫画和动漫是日本独立发展出来的，受西方审美少的文化，可以说代表了日本独特的一面。

▲ 欲望之火（flame of desire，2013）

在2000年，村上隆在洛杉矶当代美术馆进行群展时，第一次提出了自己的超扁平化理论。超扁平化风格一方面指代漫画与动漫中二维画面，与西方追求立体感效果背道而驰；其次扁平化还指代了二战之后，日本社会消费主义盛行，大众口味变得没有深度，而是追求短平快。

超扁平化风格一炮而红，村上隆作品的拍卖价格也不断突破新高。村上隆并不满足于只当一位艺术家，他还自己开设了一家公司，专门售卖自己的艺术品周边，覆盖每一个价格区间，以获得更多的利润。除了自己开设公司，村上隆还与许多商业公司进行了联名合作，其中最为出名的莫过于与LV集团推出的手包系列。除此之外，还有与化妆品品牌，腕表品牌，甚至汽车品牌进行联名。

▲ 村上隆与LV

▲ 村上隆与植村秀

▲ 村上隆与浅冈肇

许多人都抨击村上隆过于商业化，质疑他的艺术家身份，而村上隆本人对于反对者则持不置可否的态度。

丨深谙商人运作之道丨

很多艺术家在被评为是一个商人时，会感到恼羞成怒，极力摆脱与商业的联系，追求艺术的纯粹性，但是村上隆却从不回避他对钱的渴望。他在美国打拼的初期曾度过一段经济窘迫的时期，从这段经历里他总结出了一个经验：只有艺术家活下来了，他的艺术才能活下来，所以搞艺术必须要有钱作为基础。

▲ 村上隆与他的画作

村上隆也因此，开始了他的艺术经营之路，慢慢地形成了自己的一套理论体系。首先，他认为艺术家应当有欲望，而且这种欲望越强烈，就直白，就越能激发出创造力。他就直接地说出了自己对钱的渴望，钱可以帮助他更快地生产艺术品，做出更多更大尺寸的尝试。

村上隆商人基因除了体现在对金钱的敏感上，还体现在对于市场的敏感上。人们想象中的艺术家，应当是脱离人间烟火，牺牲很多去追求自己的表达、和艺术的。然而，村上隆却从非常世俗的角度去审视艺术。他认为艺术界和其他产业并没有许多区别，只不过生产者换成了艺术家，但是仍有一套完整的商业运作体系在背后，例如营销、管理、运输等。所以说，艺术就是一门生意，想要把生意做得好，就得熟悉艺术生意的运作方式。村上隆还特别点出了知名评论家在艺术家成名之路上，起着转折点和推手的作用，所以只要拿下评论家，艺术之路便会豁然开朗。

▲ 村上隆自画像

在村上隆眼里，欧美是世界的艺术中心，掌握着绝对的话语权。如果想要成为一名成功的艺术家，就必须了解欧美市场的评价体系。而欧美的评价体系与他的国家日本的评价体系又是截然不同的，首先对于日本人来说，他们虽然热爱图像类作品，每年消费的漫画数量庞大，并每年借来许多画作进行展览，但是仍然停留在追求美的阶段和技艺的娴熟。然而，欧美的当代艺术评价系统则更关注概念与观念。只有第一个吃螃蟹的人才会得到赞誉，跟在别人后面，即使做得再好，也比不上第一个创作的人有价值。同时，欧美的评价艺术品时，是把它们放在过往艺术史的框架之内，这件新的艺术品在艺术史中有什么地位，有什么意义。所以，艺术家为了成功，必须要了解艺术史，创作的作品要与西方艺术史的脉络相连。在清晰地认识到艺术世界的实质之后，村上隆才确定了自己先征服欧美观众，之后再用名气反攻日本的策略。

▲ 村上隆最为知名的太阳花印花

将村上隆的商人基因体现得最为淋漓尽致的莫过于他成立的Kaikai Kiki公司，这家公司专门负责村上隆艺术的商业化运作，在东京、纽约与洛杉矶都有分社。村上隆向富裕阶层兜售原作，向中产阶层兜售作品复制品，向一般收入群体兜售印有太阳花印花的手机壳、T恤等廉价大众消费品。从经济学意义上讲，村上隆通过Kaikai Kiki公司公司的各价位的产品实现了价格歧视的效果，将每个群体对他艺术的喜爱都转化为了真金白银。

▲ 村上隆为LV设计的印花

丨根植于艺术的严肃认真丨

虽然被嘲讽为商人，但是外界给予村上隆最多的头衔，仍然还是艺术家。毕竟，收藏他画作的人群很多，他的展览也散布到了世界各地。虽然村上隆在艺术与商业上的发言显得惊世骇俗，但是他对艺术的理解与技艺的掌握也达到了一定的水准。

村上隆对于艺术有两大基本观点。首先艺术是双向的，需要观众才能形成闭环。一个成功的艺术品应当具有强大的感染能力，能与观众产生共鸣。所以艺术家不能闭门找车，陷于自我满足之中无法自拔，而是要考虑观众们的想法。毕竟，艺术家本人只是生产者，而观众们才是评论者。一张画作的成本只是一些颜料和画布，但是有一些画作能卖出天价，有一些画作却一文不值，这就体现了画作的定价并不是由艺术家的期望所决定的，而是由观众所赋予的。

其次，村上隆承认艺术并不简单，艺术家也不是一个轻松的职业，艺术家承担着先锋的压力，必须有着足够的想象力，满足观众对新意的需求才行。观众渴望艺术家能进一步推动艺术史的进程、提出耳目一新的东西。因此，艺术家必须要磨练自己的技能，并且不断思考自己最独特的一部分在哪里。将自己生命中的感受与艺术史相结合，找到独一无二的部分，然后转化成原创的艺术品就是艺术家的工作。在这一步上，再多的金钱也不能起作用。村上隆为此举得例子就是美国的科幻片星球大战狂收全球票房，并且得到了很高的评价。当时日本的电影公司也希望效仿，并开出了天价预算用于制作影片，然而最后全世界仍然只有美国的星球大战，花费巨大的日本科幻片的回声寥寥无几。

▲ 村上隆语录

以上观点都无疑体现了村上隆对于艺术的严肃与认真。而且，村上隆对于宣传日本文化也一直持有热情，也广泛地利用了自己的日本文化基因。他的画作主题选择与他自己童年时的动漫迷经历相连，画作风格与成年后学习的日本画构图方式相似，最后他将这些作品以易于理解的方式呈现在西方观众面前。

村上隆对日本当代艺术的批判也极为深刻，他认为日本艺术自二战之后就陷入了断层，被来自西方的艺术风格冲得七零八落，日本的当代艺术就是在模仿，而没有超越。同时，日本的传统艺术又过于讲究技法与规则，无法成为当代艺术发展的土壤。因此，他呼吁日本艺术家不要呆在日本，而是要把眼光投向世界的舞台。

从这些思想来看，村上隆并不如他的画作主题一样幼稚，反而始终带着清醒的反思与民族的责任感在内。

丨村上隆与未定义的未来丨

村上隆可以说是一个商人与艺术家的混合体，而且这两种身份交织在一起难以分别。例如，虽然村上隆认为艺术需要观众，是观众决定了艺术品的价值。但是，在他眼里的观众实际上更多的是那些富裕阶层。只有他们表达了对某个艺术品的关注与喜爱，这件艺术品的价格才会飞升。

或许针对这类人，我们不能用传统的职业眼光去看待他们，他们不会完美契合一个角色，他们工作的出发点就是跨界。村上隆本人也谈到过，自己遭受着很多的误解，但是他认为自己创作的依然是艺术品。能够理解他的人即使现在不存在，在他死后，也许就会有人能够理解他了。他一直为了创造出有流传价值的作品而奋斗。

现在的村上隆可以说是实现了他的梦想，他就如他在纽约时的偶像杰夫昆斯一样，获得了艺术事业的成功，名利双收。同时，他也严格走出了先前制定的先世界，再日本的发展路径。

近年来，村上隆仍然继续着与商业品牌的合作，将自己的标志性太阳花印花印在不同的载体上。例如，最近村上隆便与优衣库合作，将自己的艺术符号和哆啦A梦形象放在一起，印在T恤上。这个合作产品展现了日本的当代艺术文化标志，村上隆的艺术符号也通过遍布世界的优衣库门店而传播地更广。他所设计的太阳花印花的哆啦A梦玩偶一经上架，便销售一空，可见其商业价值。

▲ 村上隆与优衣库

然而，近年来村上隆在艺术作品方面的产出变少。他在大批量复制生产一些成功画作系列之后，开始寻找新的创作灵感。他找到的可能的新灵感是日本美术史，自2009年起便一直与一位日本艺术史学者Nobuo Tsuji保持交流。通过接受Nobuo Tsuji的指导，村上隆实现了他与日本传统文化更深的共鸣和理解，得到了新的创作养料。

▲ 村上隆与日本艺术史学者Nobuo Tsuji

今年4月在美国波士顿举办的个展：村上隆：怪人血统“Takashi Murakami： Lineage of Eccentrics”中就是学者Nobuo Tsuji向村上隆提出挑战后的成果展示。Tsuji会挑出一个主题，然后村上隆需要根据这个主题制作一件艺术品作为回应。有一次Tsuji选择了日本江户时期的画家曾我萧白的龙作为主题，并且要求村上隆必须独立完成这件作品，不可以借助助手的帮助。在此前，村上隆的画作制作流程通常是在电脑上进行设计，然后由助手进行最后的绘制。

▲ 日本江户时期的画家曾我萧白的龙

▲ 村上隆处理后的龙

村上隆接受了挑战，并且要求自己在24小时之内完成这件作品。最后村上隆交出来一份答卷，他模仿了画家曾我萧白的龙，但是使用了红色作为基调，而且特别处理了龙的眼睛部分以体现其性格。这件作品与村上隆之前的画作风格形成了鲜明对比，预示着村上隆的创作之路正在走出新的篇章。

结语

村上隆带有极强的个人风格，其艺术生涯也充满传奇色彩与争议，但他无疑是极其成功的。他的艺术作品和他的艺术思想一直在向所有人提出了一个问题：艺术能在商业化过程中，继续保持其本真价值吗？

东南亚，新兴艺术市场正在发声

微信公众号《艺术市场通讯》6月25日发布

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艺术市场的发展往往和当地经济发展有着正向关系，随着亚洲经济的发展，亚洲艺术市场也涌入了大量的资本，成了全球艺术市场的重要根据地之一。在继中日韩之后，东南亚艺术市场也展现出了巨大的潜力，东南亚当代艺术也在国际上逐渐受到瞩目。

The development of art market is positively correlated with the growth of local economy. As the Asian economy keeps growing, a large sum of capital is entering the Asian art market, making it become one of the most important site in global art markets. After China, Japan and Korea, the next rising art market belongs to southeast Asia. At the meanwhile, the Southeast Asian contemporary art is receiving more and more applause from the international market. 

丨东南亚艺术的诞生土壤丨

通常意义上，东南亚指代的是东南半岛及其以一大片东印度群岛，这个区域内有多个国家：缅甸、泰国、老挝、柬埔寨、越南、马来西亚、新加坡、印度尼西亚、文莱、东帝汶和菲律宾。在以前菲律宾并没有被视为东南亚的一员，因为其历史没有遵循东南亚其他国家的规律。然而后来由于菲律宾地理位置靠近、文化相近，所以现在也被认为是东南亚的一员。因此在东南亚艺术的划分上，菲律宾也有时被纳入考虑，有时则没有。

▲ 东南亚地图

东南亚得天独厚的地理位置使其成为自古以来重要的交通要道，来自不同的国家的人们在这里相遇，多样的文化在这里碰撞，多民族共存。历史上的主要民族为：Mon、Khmer 与Viet-Muong。Mon是曾是影响力最大的民族，但是在十八世纪时没落，被Burmese与Tai民族同化。Khmer曾在九世纪至十五世纪建立过伟大的国度，但是随后被邻国吞并了大量的领土。Viet-Muong民族现在主要分布在越南。

除了自身民族的多样性之外，东南亚还接受了来自其他国家的文化影响。在公元前一千年，东南亚人与印度人就有了接触，印度人带来了他们的观念与传统艺术。东南亚人民吸收了一部分，但是没有完全丧失自己的原住民传统。宗教上，印度带来的印度教、佛教与西亚而来的伊斯兰教对东南亚艺术影响深远，而且在此基础上，东南亚也创造了自己的文化。但是，自印度而来的最初的宗教传统在今天依然影响巨大。

另一边，来自欧洲的艺术文化随着侵略与殖民的步伐，在十六世纪进入了东南亚。最初是荷兰与葡萄牙先进入了东南亚，随后英国与法国也对东南亚殖民产生了兴趣，直到二十世纪中叶，东南亚才重新获得了自由。

悠久的历史，复杂的宗教传统，以及殖民与战争带来的西方文化冲击，无疑都给东南亚当代艺术的发展打下了基础，提供了肥沃的土壤，而近日乘着亚洲经济跃进的东风，东南亚艺术市场也深受其惠。

丨东南亚当代艺术发展的双边格局丨

东南亚当代艺术也在逐步发展，但是其市场相较于其他地区显得更加复杂。总区域整体表现上看，据ArtTactic的全球艺术市场总览：2018年报告（ Global Art Market Outlook 2018）显示东南亚艺术市场的震荡大抵与世界艺术市场一致，在2010-2016年间，当代艺术获得显著增长，苏富比与佳士得拍卖价格增长率为23.4%，然后于2016-2017年间市场遇冷，当前市场有回暖迹象，专家认为2018年东南亚艺术市场将达到5.1%的增长率。

▲ ArtTactic东南亚市场资料

其中印度尼西亚艺术占据了40.4%的拍卖市场份额，菲律宾艺术紧随其后，拥有26.9%市场占有率，最后是占据第三位的20.3%市场占有率的越南艺术。因为拍卖市场的繁荣，这三个国家的画廊与艺术机构在今年来增长极快。泰国更是催生出了多个艺博会将在今年起程， 7月专注于地下艺术家的曼谷双年展开幕，11月在旅游胜地甲米省将举办第一届泰国双年展曼谷艺术双年展。

但不可否认的是东南亚艺术市场的传统艺术中心据点仍是经济水平最为发达的新加坡。在今年1月结束的新加坡艺术舞台（Art Stage）是东南亚地区标志性的当代艺术博览会，它的发展状况也是东南亚艺术市场的温度计。与印度尼西亚和菲律宾热火朝天的市场扩展相反，新加坡的艺术市场却略显尴尬。艺术舞台艺博会的参展画廊逐年减少：在2011年第一届艺术舞台有121所画廊参展，到2015年的197所，到2016年该博览会参展画廊数量精简到来自33个国家的173所画廊，到今年2018年的参展画廊数量降至80多所。而且大多的参展画廊都是亚洲画廊。艺术舞台的总监洛伦佐·鲁道夫（Lorenzo Rudolf）也对新加坡疲软的艺术市场态势表达了担忧。

▲ 新加坡艺术舞台博览会

新加坡政府似乎有意扭转这一局面。在2015年，新加坡国立美术馆正式对外开放。该美术馆收藏着世界上最大的东南亚当代艺术作品，其享受来自政府的370百万美金的补贴，并承载着进一步将新加坡变成一个艺术据点的野心。在另一方面，知名美术馆的建立也有有利于改变当前东南亚艺术发展过于市场导向的缺陷。新加坡国立美术馆对于梳理与沉淀东南亚当代艺术历程有着重要的意义。

▲ 新加坡国立美术馆

然而，放眼望去接棒新加坡艺术据点地位的东南亚城市少之又少，主要原因是东南亚地区经济发展极其不均。例如新加坡虽然只是一个城市国家但却拥有着155000位百万富翁，与之相比柬埔寨2015年的GDP总额却仅有180.5亿美金。由此导致除新加坡以外的东南亚国家，艺术行业基础设施不完善，艺术机构仅处于起步阶段，艺术批评家稀缺，藏家也大多关注本国艺术，缺乏国际视野。

▲ 柬埔寨

▲ 新加坡

丨冉冉升起的东南亚艺术家群体丨

虽然东南亚艺术市场的进一步发展面临众多阻碍，但是东南亚充满活力的当代艺术家群体正在迅速崛起。

提到东南亚艺术，人们经常想起的艺术家就是泰国艺术家Rirkrit Tiravanija，他是全球行为艺术的先锋，他主张艺术不仅仅是一幅绘画、一个物件，更是一段经过架构的社交体验，艺术家本人可以参与到这种体验的创造之中。在他的标志性作品《无题Untitled （Free）》中，他把整个画廊空间转变成了一个厨房，并为MoMA的访客烹制泰国咖喱。他同时担任哥伦比亚大学的教授，并对年轻的东南亚当代艺术家产生了深远影响。

除了像Rirkrit Tiravanija一样早已闻名遐迩的艺术家，近年来又有许多年轻东南亚艺术家闯入人们的视野之中，例如艺术市场超新星，在泰国出生、现居住在纽约的艺术家Korakrit Arunanondchai。Korakrit虽只有30多岁，但是已经在MOMA PS1、东京宫、北京的UCCA举办过展览。

▲ Rirkrit Tiravanija

▲ Korakrit Arunanondchai

从总体来看，在市场上活跃的东南亚当代艺术家主要可分为两类，第一类是在东南亚成长的艺术家，另一类则虽然出生在东南亚，但是机缘巧合之下在外国成长或定居的艺术家。

后者的例子有艺术家Danh Vo，他于1975年出身于越南，在四岁的时候乘船逃离了越南。他的作品主题经常涉及错位、身份认同危机等关键词。他最为知名的作品《我们、人民（We the People）》就重制了自由女神像，并把它打碎成267个碎片，散布在全世界范围，每个碎片都是一个独立的抽象雕塑作品。还有极具国际市场潜力的艺术家Dinh Q Le，他出身于越南，在10岁时移民到美国，并在1993年选择重新回到泰国。在越南战争期间，他正在美国读书，隔着大洲大洋以一个旁观者的身份看待越南战争，并创作了一系列作品。

▲ Dinh Q. Le， 《四个角度》（局部）‘Scroll #4’ from “Four Perspectives” （detail）， 2016.

这些东南亚艺术家的国际经历无疑让他们更了解国际主流艺术评价系统，更能够创造出跨越文化与意识形态障碍的艺术作品。但由于背靠着中国艺术市场，所以东南亚当代艺术的拍卖价格在近年来并不是很亮眼。其东南亚艺术拍卖巅峰时期仍停留在2015年的香港苏富比秋拍，当时中国市场疲软，东南亚市场抢占滩头。当时印度尼西亚艺术家Hendra Gunawan的作品《淋浴（Bathing in the Shower）》成功拍出1.3百万美金的价格。这个价格和1996年苏富比在新加坡举办的第一次东南亚艺术品拍卖的最高拍品价格还要高出5倍。

虽然在拍卖场上，东南亚当代艺术未能摘得头筹，但是世界范围内对东南亚艺术的关注见涨。最近一次的东南亚当代艺术大展莫过于在2018年1月21日于纽约亚洲社会美术馆闭幕的展览《黑暗之后：觉醒时代的东南亚艺术（After Darkness： Southeast Asian Art in the Wake of History）》，其中联合了七位艺术家和一个艺术家团体，他们来自印度尼西亚、缅甸、越南，主要探讨了艺术在改变世界与解决社会与政治事件中能发挥的作用。

▲ 展览《黑暗之后：觉醒时代的东南亚艺术》

然而，东南亚艺术家群体也存在着自己的问题。因为经济的不稳定与功利性地计算，东南亚艺术家与画廊之间的信任并不深厚，艺术家也往往不够忠诚，不能长期与某家画廊合作。常常一所画廊费尽心力培养了一个不知名的艺术家，艺术家一有名气，便想绕过画廊自己与藏家直接交易。所以画廊和艺术家都变得有些短视，希望快速变现。

丨对东南亚当代艺术现状的思考丨

东南亚当代艺术的生长环境得天独厚，各个国家既有相近的历史与宗教背景，又因后来的际遇不同，而发展速度不一。同时，被殖民的历史虽然伤痛，但是也让东南亚艺术家们对于政治类话题有着更深的理解与表达。东南亚地区所经历的战争也成为一批艺术家离开祖国的契机，他们接触了西方文化，在西方社会里生活。当东南亚近年来政局稳定、经济发展之后，迎来了一批海外艺术家的回流。他们既接受过东南亚传统历史文化的熏陶，又熟练掌握外语与西方社会社交技巧。和一些非西方式国家的艺术家因文化差异与语言不通，导致未能同步于世界当代艺术发展，也弱于宣传自己的作品。东南亚艺术家一方面有着个人特色，一方面也善于与海外藏家们进行沟通与解说作品，这无疑是东南亚当代艺术在国际市场异军突起的重要基础。

▲印尼艺术家Eddy Susanto的《迈向Kalatidha的资本主义》，借用爪哇传统木屋、纸钞图像与三只猪雕塑，重新审视爪哇文学经典“Serat Kalatidha”里的资本影响。

此外，东南亚地区多个国家以旅游业为重要经济来源，再加上地处印度洋于太平洋交界，许多船只在此通过与停留，港口业发展。因此东南亚每年都迎来来自世界各地的访客，尤其是好奇的西方访客。这些来来往往的访客既带来了最为新鲜的文化、艺术观点，同时这些访客也是潜在的藏家人群。因此，今年来迅猛发展的东南亚艺术市场背后大多是来自国际藏家的推力，而非当地藏家。

另一方面，由于东南亚地区的政府的文化艺术预算较少，扶持艺术家项目极少，东南亚艺术家大多仰仗国外藏家的资助与售卖作品以坚持创作。因此他们极善于捕捉国际艺术市场动向，并根据西方藏家的喜好而制作作品。这导致了东南亚当代艺术提前成熟，作品中不太看到东南亚传统艺术的影子，而是更多地涉及到近现代历史，以便于海外藏家理解。从另一个角度看，这种迎合是否也阻碍了东南亚当代艺术坚持自我风格呢？

▲艺术登陆新加坡博览会

此外，东南亚艺术背靠当前热门艺术市场中国，知名拍卖行、画廊在进入中国市场之后，自然也将目光投向了邻边的东南亚地区，但是尚未有动作，主要依靠不远处的香港据点发展业务。拍卖行与画廊谨慎的原因必然是东南亚本土艺术消费力存疑。的确，当代艺术家群体形成，国际市场兴趣浓厚，对于东南亚地区来说，现在的最大短板便是本地区藏家的培养，而这一点又与地区经济发展相关联。如若东南亚地区能紧随亚洲经济发展的大潮，并成功接收到中国、印度两大经济体的辐射作用，那么东南亚艺术市场将拥有本土与海外藏家的双重推动力。

结语

东南亚当代艺术的发展离不开其特殊的生长土壤，与来自国际市场的资金投入。然而，东南亚国家本身的艺术购买力却在钳制着这一地区的进一步发展。东南亚艺术市场是否能复制邻国中国的发展轨迹，或者它自己又将走出怎样的新路？

行走的艺术史/蒙德里安

微信公众号《艺术市场通讯》6月22日发布

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艺术让人望而却步的原因之一就是难以理解，并且没有所谓的标准答案。一个典型的晦涩难懂的流派就是抽象派：那些随便画几笔、泼墨的作品，我也能画出来，为什么要被称为艺术，还被卖得那么贵。抽象艺术与古典艺术的最大不同就是在于，它不在认为绘画必须要反映它所在的周围世界的样子，相反艺术家拥有了一块绝对自由的画布，他们可以保证创作只追求纯粹与审美。蒙德里安作为一个20世纪著名的抽象派大师，他的一生就像是一段艺术史，他从栩栩如生的风景画开始，却以单纯的色块、线条结束。他的多彩的艺术生涯也许能为我们说明抽象艺术的美妙之处。

For some people， art is dreadful. It is hard to comprehend and lacks universal evaluation standards. Abstract art is one of the art movements， which are too difficult to understand. People always wonder that those random lines look simple and are easy to draw， so why does it sell at an absurd price? Actually， the most significant difference between abstract art and classical art is： abstract art no longer holds the idea of reflecting the reality. On the contrary， artists obtained unprecedented freedom on pursuing the purity and aesthetic. Artist Piet Mondrian is one of the most influential abstract art masters. His artistic life just like an art history， beginning with the fabulous scenery drawing to the composition of color blocks and lines. His life experience may reveal the attraction of abstract art.

丨风景写生中的抽象萌芽丨创作前期

荷兰时期（1872-1911）

蒙德里安出生于荷兰的阿默斯福特城市，是家里第二个孩子。他的父亲是一位绘画老师，所以他很早的时候就得到了绘画启蒙，并经常到盖恩河边写生。那个时候，他的大部分作品沿袭了自然派和印象派的风格，大量地描绘了自然风光。在他描绘家乡田园风格的画中，常常有原野、河流和风车的身影。

▲蒙德里安在荷兰的故居

刚开始他采用了他就读的Hague学校教授的荷兰印象派手法，之后他又尝试了许多的流派和技巧，在不断地失措之中，蒙德里安希望能发现自己的风格。这个时期的作品都见证了一位画家是如何被多个艺术流派所影响，例如点画，以及色彩浓郁的野兽派风格。

▲《靠近运河的游泳者》Bathers near the Canal （1895-1900）

▲《开拓地景色与五只奶牛》Polder Landscape with Group of Five Cows （1901）

当时，荷兰的一位杰出艺术家Jan Toorop向蒙德里安介绍了法国的后印象派风格。梵高炙热的笔触与大胆的用色，还有Georges Seurat用点作画的技巧都给了蒙德里安很多的灵感，让他的作品的产生了新的变化。蒙德里安的抽象艺术意识开始萌芽，他在1905和1908年间创作了许多幅内容相近的画作：在昏暗的天色下，树木与房子被投影在波澜不惊的水面上。这些作品更加引导观者关注形式，而非内容。还有作品《进化》Evolution （1910–11）也是一个很好的例子，这幅作品并列放置了三个站立的人像，这三个人的身体结构与神态都极其相似。这也表明了蒙德里安不再被人最表层的外貌所影响，而是更注重于描绘整体形状与视觉感受。

▲《进化》Evolution （1910–11）

在1908年，蒙德里按开始对俄罗斯哲学家、学者Helena Petrovna Blavatsky在19世纪末发起的神智学协会（theosophical movement）感兴趣，所以在以后他加入了该协会的荷兰分支。该运动的核心思想是创造一个超越种族、性别、信仰的人类大家庭，鼓励对不同的宗教、科学与哲学进行比较与思考，并研究在自然与人类自身上隐藏的真理。除了神智运动，当时同期存在的另一种精神运动：Rudolf Steiner发起的人智学也对蒙德里安产生了深刻的影响。Blavatsky曾提出除了显而易见的实际经验之外，自然中还有一种更为深刻的真理。蒙德里安正是顺着这个角度，不断地追求精神方面的真理。

随着塞尚和立体派画家的快速崛起，荷兰先锋艺术家开始思考与呼吁新的艺术标准，它将突破现有的荷兰传统风景画风格，结合新的艺术趋势。蒙德里安也是荷兰先锋派的之一，所以他立刻响应了这个号召，并搬家到了巴黎。

在移居巴黎之后，蒙德里安的作品中立刻出现了借鉴立体派艺术家毕加索和乔治·布拉克（Georges Braque）作品的特征。他的立体派风格作品中经常描绘了树木与建筑，但是他尽量减少了每个对象的个性与独立，用一种普遍的形状去绘制它们。蒙德里安在这个时期也限制了画作中的颜色，大多是立体派倡导的棕色、灰色和赭色。他也研究了立体派的一贯构图方式，用大块的色块集中填充在画作中心，画布四周留白。

▲《灰色的树》Gray Tree（1911）

▲《彩色平面的组合》composition with Colour Planes 1（1917）

▲《线的组合，第二状态》composition in line， second state（1916-17）

然而蒙德里安并不认为立体派是他最终归属，因为他更希望实现画作的扁平化，而非立体派所强调的三维立体式景深。

1914年蒙德里安重新回到了荷兰，当时正值第一次世界大战爆发，他不得不在家乡生活以避开战乱。在荷兰的第三年与第四年他发表了一篇文章De Nieuwe Beelding in de schilderkunst，在文中他首次阐述了自己的艺术理念：我在一个平面上建构我的线与颜料，抒发出我认知范围内最为共通的美。自然给予我灵感，就像其他画家一样，给了我一个充满情绪的状态去创造一些东西。我想要尽可能地去接近真实，抽象出万事万物的基本。

我相信这个想法是可实现的，通过有意识地组合水平与垂直的线条，我从不计算，只是凭着内心的直觉，以创造出最重的和谐与韵律。这种最根本的美丽，如果必要的话，可以用连线与曲线补足，最后形成一件最为真实的艺术品。

丨逐渐成熟的抽象理论丨创作后期

随着蒙德里安逐渐成熟的艺术理论，他的创作也进入了成熟阶段。他从周围的环境中抽象出最基本的元素：水平与垂直的元素，这两项分别代表了两个根本的对抗力量：积极与消极，运动与静止，男性化与女性化。在他画作中，观众可以体会到一种平衡感，这也正是蒙德里安想要传递出的宇宙中各种力量的均衡规律。 

巴黎时期（1919–1938）

1918年第一次世界大战结束之后，蒙德里安回到了法国并且一直在那里呆到了1938年。战后的巴黎就像一个容器，里面各种不同的艺术流派互相撞击、交流、并发生反应。巴黎高度自由的创作环境给了蒙德里安追求极致的抽象基础。

▲蒙德里安的工作室

他的抽象艺术在刚开始的时候，采用了较细的线条去构建长方体，而且他用的是灰色，而非之后闻名遐迩的黑色。线条在向画布的边缘延伸的时候会逐渐变淡，而不是突然停止。和成熟阶段相比，画作中元素的尺寸更小，数量更多。他将大部分的空白区域大多用黑色、或者灰色填充起来，只有少量的留白。

在1921年的时候，大部分蒙德里安的作品中的黑线不再延展到画布边缘，而是延伸一段距离后停止。但是大多数的长方形区块仍被颜料填满。随着蒙德里安继续发展自己的风格，他又重新把线条延展到画布边缘，并且被填充的有色色块变少，留白区域变多。如果你仔细观察蒙德里安的作品，你会发现他不断变换自己的手法，而且细心地处理了一些细节部分。例如，黑色的线条是最为扁平的，厚度也最小。彩色色块上则有更加明显的笔触，都朝着同一个方向涂抹。最有趣的时白色部门，蒙德里安涂上了好几层的白色颜料，并且每次都变化涂抹角度。

▲《组合No.2》composition No.II（1920）

▲《表1》Tableau I （1921）

▲《表1 菱形与四条线与灰》Tableau I Lozenge with Four Lines and Gray （1926）

伦敦与纽约时期 （1938–1944）

在1940年8月，蒙德里安离开了欧洲，前往美国。在纽约麦哈顿生活的时间里，蒙德里安发掘出了新的创作灵感，虽然这一系列新画作因蒙德里安的去世而戛然而止。其中的一个经典画作为New York City（1942）， 这幅画作由红色、蓝色和黄色的线组成，它们有时会相交以呈现出以往的作品中没有的厚度感。另一幅作品Broadway Boogie-Woogie （1942–43）现被收藏于MoMA， 这幅画也深深地影响了后世的抽象几何绘画的艺术教育。这幅作品由一些系列明亮的小方块组成，就像在画布上轻快地跳跃着一样，让观众想起纽约街头的那些炫目的霓虹灯光。在蒙德里安没有完成的画作Victory Boogie Woogie （1942–44）中，我们得以窥见艺术家创造出的全新的表达方式，他不再使用之前的实线形式，而是用一些色彩小方块并列起来变成一条线。他会使用纸质胶带覆盖不同的色块，给了整个画作全新的触感。与蒙德里安在1920-30年间带着严谨科学态度的画作不同，纽约时期的画作似乎释放了作家内心中的旋律，明亮、具有生机。蒙德里安似乎在描绘着他所处的纽约市，永远朝气蓬勃，永远新鲜，就像一首昂扬的音乐。

▲《胜利的布基乌基》Victory Boogie Woogie （1942–44）

在71岁的时候，蒙德里安因为患有肺癌，与世长辞。蒙德里安的一生可以说，都献给了他心目中的艺术，他孜孜不倦地追求着艺术的纯粹性与规律。他终身未婚，并且生活简朴只有少量的生活用品。

丨风格运动的领军者丨

提到蒙德里安，绕不开的话题自然是他代表的抽象艺术。但是，正如引语中所提到的，抽象艺术也是被公众所理解、甚至被误解最多的艺术形式之一。实际上，抽象艺术与我们的认知范围只有一步之遥。理解蒙德里安所代表的抽象艺术，需要把它放到一个艺术史的大框架之中处理。

从易于理解的具象型艺术，例如古典主义，到晦涩的抽象型艺术之间有一段逐步发展的过程。第一步是印象派，着重体现光影的效果与整体氛围。现在大家基本上都能接受印象派的风格，莫奈更是大名鼎鼎。第二步是后印象派作品，例如梵高、塞尚。他们认为画作除了能展现出物像光影效果，也能抒发画家的主观情感与感受，或者揭示一些物像的本质。例如塞尚的艺术就以科学探索为主旨，想要体现客观对象内在的、有共通性与普遍性的形态结构。还有高更的作品，它使用平面化的造型和装饰性的色彩来表现象征性的主题，体现了对人类终极命题的思考：我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？

由此，西方艺术的写实绘画体系进一步崩溃。艺术不用再为宗教、为政治而服务，变成了艺术家的一块净土与极度自由的空间。抽象艺术就是“为艺术而艺术”思想的极致，不再像它之前的艺术一样是描摹现实之景（mimicking）。与同期的哲学思潮（存在主义，当代佛学等等）一样，抽象艺术家们认为这些我们所见到的现实是一种表象（appearance），而与此同时，真相（truth）却恰恰承载于一切表象之中。抽象艺术家各自用自己的理解和方式，尝试将这“真相”从“表象”中“抽象”（abstract）出来。

而德里安作为抽象艺术的领军人物，除了他自身的简洁到极致的作品为抽象艺术作了背书，他也成为了抽象艺术运动的发起者之一。

在1917年，蒙德里安与其他三位画家Theo van Doesburg， Bart van der Leck， 与Vilmos Huszar一拍即合，成立一家艺术杂志社，并且发动了De Stijl（风格）运动。他们主要呼吁彻底拒绝，仅停留在视觉感知上的、对现实世界的描述。它支持用一种彻底的抽象方式去展现艺术的和谐与秩序。所以他们建议重构绘画语言，让最基本的元素——直线，基本颜色（红黄蓝）与中性颜色（黑、白、灰）成为主角。

▲《风格杂志》De Stijl

在他们的艺术杂志De Stijl上，蒙德里安是第一版的主要贡献者，他在其中详细介绍了自己的视觉理论，因此这本杂志的初期内容可以说是呈现蒙德里安的艺术思想的舞台。蒙德里安为自己的线与颜色新理论起了一个名字neoplasticism（新塑料主义），他认为不应当从破碎的事实中提取出艺术作品，而是从抽象的角度理解整个自然，几何与颜色则是最有效表达出这种精神意义上抽象式真理。蒙德里安和他的志同道合者们创造了一种独立的现代主义观点，和巴黎兴起的现代主义产生了分歧。该运动主要影响了一大批荷兰的艺术家、建筑师和设计师。

丨跨领域抽象价值缔造者丨

与一些生前从未得志，郁郁寡欢而终的艺术家不同，蒙德里安无疑是幸运的，他的作品在他还在世的时候就受到了欢迎。

1910年，在阿姆斯特丹举办的St. Lucas展览中，蒙德里安的作品开始获得了荷兰国内的关注。第二年，他向在巴黎举办的Salon des Indépendants展览提交了他最为抽象的一幅作品，自那时起他开始走出国门，受到更多人的认可。然而由于蒙德里安的作品风格自成一派，与当时的超现实主义和巴黎达达主义不同，他更注重于用新塑料主义风格，清晰地表现出纯净与宇宙间的和谐。所以，直到1925年，蒙德里安对于当代艺术的贡献才得到统一的认可，并且他的作品拥有了一批富有的欧洲与美国的拥趸。

蒙德里安作为抽象艺术的领军人之一，影响深远、广泛，甚至跨越了艺术界，延伸到了建筑界、时尚界等。

时尚设计师伊夫 圣罗兰的1965年秋季设计就是用蒙德里安的名字命名的。圣罗兰设计的连衣裙，就如蒙德里安的画作一样，由大块的基础色块（红、黄、白等）以及黑线组成。该系列获得了很大的反响，衍生出更多的时尚作品，如大衣、靴子。

蒙德里安的作品还直接影响了建筑界的包豪斯流派，他作品中的极度简单的线条与颜色搭配与包豪斯所倡导的简约现代建筑风格不谋而合。以及蒙德里安的追求各个方面的和谐的设计理念也给予了包豪斯以灵感。

▲圣罗兰设计的连衣裙

▲包豪斯建筑风格发源地

结语

最后我们可以用蒙德里安的一句话来重新回顾他的艺术主张（1914）：艺术高于现实，而且并不直接与现实相关。为了在艺术中寻找精神追求，人必须要尽可能地减少对现实世界的描绘，因为现实与精神是两个反义词。在抽象艺术中，我们可以找到我们自己。艺术理应高于现实，否则它对人类就毫无价值

全球艺术节如何带动艺术与公众连结

微信公众号《艺术市场通讯》5月22日发布

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对于艺术，公众常常问的问题是： 为什么那些看起来很简单、随意的艺术品能卖这么贵？这有什么特别的价值吗？在以前，艺术圈其实并不在意公众是如何理解和评价艺术品的。因为艺术市场已经形成了一个闭环：艺术家、评论家、画商和收藏家。然而近年来，公众的评价变得越来越重要。一个作品如果被面向公众的美术馆/博物馆收藏，并受到公众的认可，艺术家的身价就会倍增。原本封闭性极强的艺术圈子也打开了一个缺口，全球范围内也不断地涌现出服务公众艺术需求的艺术节。

As for art， people always ask one question： why does the simple and random artwork could be priced extremely high? Does it imply some unique value? In the past， art industry did not care about how the mass think and judge them， because the art market is completed by the circle of artists， critics， art dealers， and collectors. However， the situation has changed in recent years. Mass’s opinions become more and more crucial. If an artwork were collected by a museum or an art gallery and recognized by the mass， the artists would become famed overnight. Since then， the mysterious art world opens a small door to the public. The worldwide increasing art festivals， which serve the needs of mass， are significant proofs for it.

 

                                                                  因艺术节而重生的小岛

                                                                    濑户内海国际艺术节

日本濑户内国际艺术节自2010年开始，每三年举办一次。艺术节主要的场所在日本香川县高松市附近的几个小岛上。这些小岛们零零散散地点缀在碧蓝色的濑户内海上，艺术节会邀请世界各地知名的艺术家根据小岛当地环境创作，吸引了来自全世界的游客与艺术爱好者。

▲ 日本濑户内海远景

然而在几十年前，濑户内海岛群并不是一个世外桃源。这些艺术节的小岛都牺牲了生态环境，以发展工业。这些小岛们曾是日本工业奇迹诞生的核心地带，千百年来以捕鱼为生的渔民们，因明治维新的工业发展而投身到炼铜产业之中。随着工业的发展，周边环境也开始恶化，例如直岛因为制炼所释放出的亚硫酸瓦斯变得山秃林枯，丰岛、犬岛也都被工业废弃物和亚硫酸瓦斯污染。随着环境的恶化，岛上的工业也衰落了，年轻人纷纷离开小岛。就这样，岛屿的经济不断下滑，老龄化越来越严重，就将变成一座座被抛弃的岛屿。这时候日本福武财团买下了直岛的南部地区，并邀请建筑大师安藤忠雄等知名艺术家在岛上设计美术馆，酒店等建筑，例如Benesse House Museum、地中美术馆、和ANDO MUSEUM。自此，恢复濑户内群岛原本的美丽风貌，振兴当地经济的濑户内国际艺术节的项目齿轮开始运转。

▲ 直岛上的美术馆

福武总一郎曾剖析过岛上老龄化严重的原因是，年轻人觉得自己的家乡没有活力，没有魅力，不值得留下来，所以纷纷出走。然而，福武总一郎却觉得，岛屿上的人们活得非常幸福，不像大城市的人们每天都有长时间的通勤、加班加点地工作，并且幸福感很低。

由此，濑户内国际艺术节的两条主线逐渐明了，第一条是运用现代艺术的力量，重塑岛屿魅力。艺术节虽然三年举办一次，但是展期很长，横跨春夏秋三季，在不同的季节开放的艺术品不同，让来访者每次都有新体验。岛上的艺术品也包罗万象，是来自180多个国家的艺术家协同创作的产物。

第二条是挖掘岛屿的本土风情，重振当地文化。安藤忠雄等建筑家在成功建造岛上博物馆之后，提出来空屋计划。该计划希望依托原有的岛上老房子，进行改造，展现本土风貌与故事。除了改造老房，当地岛民也积极参与到艺术节的创建之中，他们将自己的屋子改造成餐厅，宣扬当地独特的食文化。

▲ 濑户内国际艺术节标志性雕塑，草间弥生的南瓜

就这样，濑户内国际艺术节凭借其独特的魅力，来访者越来也多，从第一届的97万人次，增加到最近举办的第三届的104万人次。根据日本经济新闻统计，第三届濑户内国际艺术节带动了岛屿以及附近的香川县的经济发展，访客停留的时间变长、消费意愿变大，整体经济拉动效果高达139亿日元，和2013届相比增加了5%个百分点。

经过多年的发展，如今的岛群中最大的岛屿——直岛，被誉为艺术的圣地。在岛上散落着知名艺术家的作品，当地的岛民们也成为艺术节的重要后援力量，热爱艺术的年轻人们来到了岛上，整个岛屿变得欣欣向荣，充满活力了起来。

                                                              几家欢喜几家愁

                                                        失败的日本札幌艺术节

看到濑户内国际艺术节的文化与经济影响力，日本各地也纷纷效仿，然而跟风并不能保证成功，例如日本札幌艺术节就远远没有达到预期的影响力。

▲ 札幌国际艺术节海报

2014年第一届札幌艺术节结束之后，日本网络上涌现出了大量的反思与批评：札幌艺术节不够热闹，没有艺术节的氛围。札幌市民并没有参与艺术节举办的意识。札幌市内的艺术节宣传活动没有始终如一，中途就失去了力度。其中反思最为深刻的大崎龙史评论家的文章指出，札幌国际艺术节失败的根本原因来自于一开始它便没有动员当地的民众。2014年第一届札幌国际艺术节是由艺术家坂本龙一担任总策划，并提出了“从现在开始，考虑如何让都市和自然共存的方法吧”的主题。然而这个主题完全是艺术家本人的构思，当地的民众既没有参与，也没有共鸣。这使艺术节悬浮在了空中，失去了吸引力。这与上文提到的濑户内国际艺术节形成了强烈的对比，濑户内国际艺术节特别重视当地居民的参与与认同，并且组建了专门的志愿者小队，由当地居民带头，来自各个地方的志愿者共同协作以帮助艺术节的顺利举办。

▲ 札幌国际艺术节实景

2014年的第一届失利的札幌艺术节并没有就此停止，在2017年它重新出发，邀请了音乐家大友良英作为总策划人，并且针对当前艺术节处处开花的现状做出了反思，提出了新的主题：“艺术节到底是什么呢？”遗憾的是，这第二次的札幌国际艺术节依然没有达到预想的效果。虽然第二届札幌国际艺术节的举办场所由原来的18个场所，增加到了45个场所，但是访客人数却从第一届的48万人次下降到了37万人次。针对本次艺术节，很多访客表达了失望的心情。艺术品过于粗制滥造，没有感动与震撼的感觉，反而开始怀疑这些东西真的配得上被称为艺术品吗？还有一些访客尖锐地指出，本次的艺术节似乎为了弥补前次的不足，大量借鉴了濑户内国际艺术节等成功例子，拷贝了它们的模式，毫无新意可言，还有抄袭之嫌。

▲ 札幌国际艺术节展品

在两次连续失败之后，札幌市政府受到了当地居民的责难，认为他们随意挥霍税金，而未达到应有的效果，并强烈呼吁问责市长与艺术节筹划部门。札幌国际艺术节的例子证明了，艺术节并不是一个百发百中的计划。

                                                                已成系统的欧洲艺术展

                                                          威尼斯双年展与卡塞尔文献展

威尼斯双年展历经百年而不衰，是世界上现存最古老的展会之一，从1895年的第一届开始，经历了世界大战等变故，也见证了当代艺术的发展变化。威尼斯双年展可以说是当前世界上遍地开花的双年展的源头，也被称为是当代艺术界的奥林匹克。威尼斯双年展的国际声誉日益浩大，来自世界各地的访客络绎不绝，访客数量从刚开始的224000人，增加到了现在的约 500000人。威尼斯双年展主要由国家馆内的展览与四十多个平行展组成。在威尼斯这个小岛上，几乎所有能用来做展览的空间都摆放上了艺术品。威尼斯双年展和中国的渊源也颇深，1933年威尼斯双年展的总策展人奥利瓦邀请的十三位中国艺术家，十年后，中国当代艺术在威尼斯双年展占有了一个专属的中国场馆。而到2017年，中国参展的艺术家达到了顶峰的300多人。

▲ 2017年威尼斯双年展中国馆

▲ 2017年威尼斯双年展意大利馆

威尼斯双年展最大的魅力就在于，可以在一个场所看到世界各地的现代艺术发展情况，成为各地艺术家、收藏家和艺术爱好者们的交流平台。在这个成功的平台背后，也有着一套成熟的运转体系。威尼斯双年展由威尼斯双年展组委会负责整体的运营与执行，组委会的资金来源主要来自政府拨款，收取参展商的参展费用和赞助收入。然而针对参展艺术家来说，向组委会缴纳的费用并不多，绝大部分都是缴纳给了威尼斯当地的服务商。例如有一些展览类别上，展商自带的布展工人受到限制，不得不雇佣当地高价的工人。还有雇佣看管展览人员费用，因为艺术展而节节攀升的旅馆费、伙食费和交通费。可以说，威尼斯这个小小的水上城市就是依靠服务行业而发展的，而双年展则是威尼斯的标杆性看点。

除了威尼斯双年展，欧洲的另一个重要艺术展卡塞尔文献展也因为多年的发展，形成了一个完整的体系。卡塞尔文献展每五年在德国的卡塞尔市举办一次，每次展览都持续一百天，又被称为100天的博物馆。第一届卡塞尔文献展是由艺术家、教师兼策展人的阿尔诺德•博德建立在1955年作为Bundesgartenschau （Federal Horticultural Show） 的一部分举办的，意在总结19世纪到20世纪初的早期现代现在创作，共吸引了130000名访客。它的最初目的是希望德国艺术能够跟上世界当代艺术的脚步，同时也批判了纳粹文化的黑暗面。

▲ Vlassis Caniaris（1928-2011）的两件装置作品“跳房子”和“共存”陈列在卡塞尔文献展

文献展始终坚持着学术性的初衷，长达5年的周期给予了艺术家至少1-2年的创作时间。同时，和其他的艺术展不同，卡塞尔文献展并不接受艺术家的报名与画廊等艺术商业机构的推荐，其艺术品全部由专门的策展团队进行全球范围内的筛选与邀请。整个策划与筹备过程及其严谨与细致，给予了策展人足够的思考与打磨的时间，保证了策展人学术主张不受感染，整个文献展基调严肃，而非简单地将艺术家与爱好者们聚在一起狂欢。由此，卡塞尔文献展成了先锋艺术的实验场，卡塞尔文献展已不仅仅属于德国，它已经成为国际当代艺术的一个重要坐标，是西方文化界关注的焦点，也是西方社会的时代镜像。

▲ 2017年卡塞尔文献展标志性展品：Marta Minujín的 The Parthenon of Books

同威尼斯双年展一样，卡塞尔文献展也改变了一个城市的故事。卡塞尔原本是一个工业城市、军工城市，在二战期间曾被轰炸成废墟。这座德国黑森州北部唯一的一个大城市，有着得天独厚的发展艺术展的基础。这里大约有106平方公里，人口将近20万人，整个城市有着足够的场地面积供艺术品的摆放，还有当地的餐饮、住宿与交通系统承接四面八方来的游客。另一方面，卡塞尔有着深厚的文化传统，其城市地标大力士神像就兴建于文艺复兴时期。得益于卡塞尔文献展，这座城市变成了文化城市和艺术城市。

最近一次的第14届卡塞尔文献展迈出了德国国门，在雅典也开设了展区，总策展人亚当-兹米克斯基（Adam Szymczyk）提出了37000万欧元的预算，实际花费的金钱还超过了这个数字，可以说该届文献展成为了世界上耗资最高的视觉艺术展会之一。

无论是威尼斯双年展，还是卡塞尔文献展，由于其发展时间长，积淀深厚，都发展出来一套完整的展览系统与支持系统，成为世界知名的艺术展带动城市的范例。

                                                                         南美洲的困境

                                                                     巴西圣保罗双年展

巴西圣保罗双年展创始于1951年，是仅次于威尼斯双年展的，第二大历史悠久的双年展。圣保罗双年展由意大利裔的实业家马塔拉佐（Francisco Ciccillo Matarazzo Sobrinho）发起，他还一直担任双年展主席直到1975年去世。从1957年第四届开始就固定在由建筑师尼迈亚设计的双年展馆举行。圣保罗双年展也和威尼斯双年展一样，选择了国家馆与国际展相结合的方式。但与威尼斯不同的地方是，圣保罗虽然采取以国家为单位，自行策划的方式，但是圣保罗双年展并没有建造分别的国家馆，而是把所有代表国家的展区分布在一个建筑的大空间之中。这样就不会存在不同国家之间争抢有利展馆的情况，一定程度上创造了更加公平与纯粹的艺术讨论环境。圣保罗双年展的特殊性源自于它的地理位置——拉丁美洲，脱离了传统的欧洲中心，是发展中国家举办的少数极具世界影响力和声望的艺术展。

▲ 巴西圣保罗夜景

然而圣保罗双年展的历史却更为坎坷。首先该双年展并没有受到当地政府的大力支持，原因也显而易见。曾经与中国、印度和俄国并列金砖四国的巴西如今经济陷入停滞，债台高筑。巴西政府难以负担文化机构的高昂运营费用，连奥运会的文化专案都因资金问题被取消。所以圣保罗双年展的处境非常恶劣，德国卡塞尔文献展与威尼斯双年展背后的强劲政府财政支持相比，巴西圣保罗双年展只享受了不到10%的财政补助。巨大的规模与开销只能依靠私人与企业的赞助。

▲ 2016年巴西圣保罗双年展海报，主题为生存不确定性

除了资金方面的困扰，圣保罗双年展来面临着政治局势的波动。这个矛盾在2016年达到了顶峰。2016年问题缠身的奥运会闭幕之后，紧接着就是巴西双年展。奥运会期间，巴西民众对于政府花大量税金举办奥运会，罔顾当地居民生活水平的行为反对呼声极高。当时，政治家特梅尔（Michel Temer）未经选举便自动上位，并且得到了军方支持。他罢免了当时在任的巴西第一位女总统迪尔玛•罗塞夫（Dilma Rousseff），在巴西双年展期间，数万人走上街头抗议，要求特梅尔下台。总统特梅尔还曾在2016年G20峰会上提出要取消文化部，以平衡财政赤字。剧烈波动的政治局势与政府减少的文化投入，都给巴西双年展的举办蒙上了阴影。

▲ 圣保罗双年展的第33届首席策展人Gabriel Perez-Barreiro

而今年巴西将迎来第33届圣保罗双年展，时间为9月7日至12月9日， 首席策展人Gabriel Perez-Barreiro希望以此次双年展为契机，重新思考双年展的组织方式，他邀请了七位艺术家，根据今年主题：“情感亲密”（Affective Affinities）创作出的7个不同展览。让我们拭目以待这夹缝中求生存的巴西双年展将会给我们带来什么样的惊喜。

结语

上文所提到的那些知名的艺术节/展都见证带动了城市的发展。中国的艺术节幼芽也在慢慢萌发，例如由原来的戏剧节发展成当代艺术节的乌镇就是其中的先驱者，邀请了世界上著名的艺术家：艾未未、荒木经惟，达明安 赫斯特等。艺术节/艺术展作为一个连结公众与艺术，让民众享受艺术熏陶的窗口，将如何继续发展，中国是否也会诞生世界级的艺术节呢？变得尤为期待！

2018弗里兹纽约闭幕，新调整后将释放出怎样的市场信号

微信公众号《艺术市场通讯》5月9日发布

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5月6日第七届弗里兹纽约正式闭幕，作为世界几大著名艺博会之一的弗里兹纽约仍然贯彻其现代艺术的理念，并且政策上倾向于扶持中小画廊与新兴艺术家。本次的纽约弗里兹虽然遭遇了酷暑，但是销售情况相对乐观，尤其是那些较低价位的画作。而此次艺博会的最大亮点莫过于新开设的展区Live, 尤其是艺术家Lara Schnitgerder与志愿者共同完成的作品Suffragette City(2015-ongoing)，与当下metoo运动相呼应，得到了许多好评。

The 7thFrieze New York was closed successfully on May 6th. As one of the most famous art fairs, Frieze New York is still labeled with the contemporary art, and introduced lots of policies that were beneficial to small and medium-size galleries, and rising artists. This art fair was suffering due to the high temperature. Luckily, the sales go strong, especially for those lower price range. The most significant spotlight is the new added Live section. The artwork Suffragette City(2015-ongoing), which are created by artist Lara Schnitgerder and volunteers, reflected on the current #Metoo social campaign and obtained positive feedback from the audience. 

丨第七届弗里兹纽约看点丨

第七届弗里兹纽约在Randall’s Island Park正式闭幕，这个长达5天的艺术盛会集合了来自30个国家的超过190个画廊的精品。Live, Frame, Focus,和Spotlight四个特别展区与位于中央的核心画廊展区有机结合，组成了今年的弗里兹纽约的全貌。其中，Adrienne Edwards负责策展的Live展区，首次集合了现场表演、装置艺术、交互项目等艺术形式；Andrew Bonacina和Laura McLean-Ferris 则负责了Frame展区，该展区主要呈现来自13个国家的19个新兴画廊的独立并具有实验精神的艺术展；Focus展会则主要体现了弗里兹纽约对年轻画廊的关注，该展区汇聚了全球各地的30家年轻画廊的参与。Toby Kamps则负责了亮点（Spotlight）展区，该展区专门为20世纪的艺术先锋所开设，一共有31个展台，呈现自1960年以来艺术史上非常重要的艺术运动杰作、新兴国家和地区的艺术家发掘与探讨，以及重要先锋艺术家的罕见作品等。除此之外，还有许多画廊带来了自己的演讲、表演等其他活动。

▲弗里兹纽约外观

今年参展的中国画廊有博而励画廊、天线空间、Leo Xu，以及在北京也设驻空间的佩斯画廊（北京、香港）和常青画廊。此外，还有有许多令人期待的新生代画廊也参与其中，如：Bridget、Donahue、 David Lewis、Simone Subal(均来自纽约)；来自北美地区首次参加纽约艺术博览会的画廊包括：Essex Street、JTT(均来自纽约) 、Château Shatto(洛杉矶) 以及 Regards(芝加哥)。

今年，来自中美洲和南美洲的独特文化仍是吸睛亮点，随着以下画廊的回归它们将再次为观者带来别开生面的视觉精彩：A Gentil Carioca(里约热内卢)、Mendes Wood DM(圣保罗)、 Galería Jaqueline Martins(圣保罗)、Instituto de Visión(波哥大)以及 Proyectos Ultravioleta(危地马拉城) ，还有首次参加纽约艺术博览会的Luis Adelantado(墨西哥城) 和Galeria Nora Fisch(布宜诺斯艾利斯)等等。

▲Darío Villalba,《El enfermo》, 1974

对于整场艺博会，弗里兹艺博会总监维多利亚·西多尔(Victoria Siddall)介绍道：“弗里兹纽约一直在不断进化，今年的参展画廊无论是覆盖的广度还是质量都高于往届，充分满足我们的受众人群的多元化文化需求。”她同时补充道：“本届纽约弗里兹深化扩充的20世纪板块内容将会为当代艺术画廊呈现更加广泛的语境，同时也会有更加有趣的对谈。参观者们可以通过本届纽约弗里兹发现并挖掘更多地区的更多年轻艺术家群体。”

▲Frame展区

为了保证参展画廊的多样性，弗里兹纽约也和许多艺博会一样，对中小画廊有一些扶持项目，以维持整个艺术市场的平衡，也给予了藏家更多的选择。例如在Frame展区，展示独立展示新兴艺术家的摊位的租金从8000美元开始，是中心展区的起步价的一半。还有Focus展区，专门为年轻的画廊开设，画廊主可以得到比中心展区（78.59美金每平方英尺）低上30%的价位。

丨Live展区首次亮相丨

Live展区无疑是本次艺博会的亮点。前文提到的Live展区策展人Adrienne Edwards创意性地邀请了参展客户也加入到艺术表演创作之中，她希望通过这次尝试，让人们思考与反思社会正在发生的问题。不出意外地，政治成为了Live展区的热门话题。

艺术家Hank Willis Thomas制作了两个巨大尺寸的旗帜，分别叫做15093和15580（2018），这两个数字也是在这两面旗帜上绣着的星星的数量。这些数字分别代表了在2016和2017年因为枪支而死亡的美国公民人数。这两面旗帜被挂在艺博会的南入口的旗杆上，并垂落在地面上。艺术家提到自己的灵感时，分享到自己的兄弟也是因为枪支而死亡，这个作品是那些“陨落的星星们”报以思念的象征。

艺术家Lara Schnitgerder的作品Suffragette City(2015-ongoing)则结合了公众的力量。这件作品的灵感是来自于现在正在如火如荼的ME TOO运动，艺术家分享到：让她更为气愤的事情是，人们在知道那些男性被指控为性骚扰时，居然一点也不惊讶。我要为那些勇敢站起来的女性献出我的掌声。艺术家通过社交媒体，挑选出了一批志愿者，这些志愿者拿着横幅，背着象征着人们的眼光的背包，在场馆内游行。当游行停止时，横幅会被挂在L2摊位的墙上，艺博会的任何一位访客都可以用指甲在横幅的另一侧写出他们的想法和口号。这件艺术品被一位艺术家在VIP日买下。

▲志愿者参与艺术家Lara Schnitgerder的作品

丨新变化和突发状况丨

今年的弗里兹纽约与往年的最大区别莫过于将VIP日增加到了2天，同前不久成功举办的欧洲TEAFAF一样，选择增加了VIP日的时间。艺博会方解释道：这新增的一天是为了欢迎逐渐增加的藏家群体、博物馆专业人士和组织。这一环节将为他们更好地提供接触与了解当今全球顶尖艺术家们的作品的机会。然而对于质疑声仍然层出不穷，例如艺评家Tim Schneider就认为这一调整反映了虽然弗里兹纽约的销售业绩依旧良好，但是艺博会整体的运营已经十分吃力。他认为由于一些类似弗里兹的顶尖艺博会的销售业绩大抵都是在预展那几天创造的。设置双倍的VIP预展时间便强烈暗示着弗里兹纽约艺博会的销售成绩欠佳。艺博会才会通过给予参展商双倍的与藏家和机构独处的时间以帮助他们赚取更多利润。

的确，近年来由于全球范围内艺博会遍地开花，举办日期撞车变得非常常见，藏家们在面对日程紧凑的艺博会安排，抽身乏力，不得不选择放弃一些展览。藏家只能多选一的客观情况，让全球范围的艺博会大战变得更加激烈。因此，为了吸引更多收藏家，并且给予藏家更自由的时间选择，增加VIP日成为了一个折中的策略。

早在2015年，香港巴塞尔就已经做出了延长VIP日到两天的决定。而今年3月份闭幕的TEFAF也首次将VIP日延长到两天，并最终受益于这个策略。延长至两天的VIP日，既能够让收藏家在第一天能有个全观，有更多时间去了解展品背后的艺术故事，在思考过后，于第二天重新光顾并购买。也可以给艺术经销商更多的冗余时间与顾客面对面进行交流，以及有更大可能性碰到新顾客。TEFAF参展画廊主Dino Tomasso曾反馈道，TEFAF的今年和去年有着不同的氛围，气氛更加时尚愉悦，几乎所有的参展商都乐在其中，那些最开始对这个策略改变持怀疑态度的人也修正了他们的看法。

虽然弗里兹纽约早在2017年就公布了其延长VIP日的计划，但由于很多艺博会都纷纷开始尝试该策略，并且举办的时间比弗里兹纽约更早。所以，藏家们并没有对延长的VIP日反应强烈，最后的销售结果也没有成倍增长。

除了VIP日的延长，弗里兹纽约也不得不面对另一个新状况——高温环境。和今年的军械库展遭遇风雪的坏天气一样，弗里兹纽约也受到了天气的小小捉弄。在头两天的VIP日里，纽约的气温非常炎热。在过去，弗里兹纽约都成功创造了一个宜人的艺术欣赏环境，但是今年的极端天气无疑是出乎主办方的预料之外。大多数的藏家都不会在搭好的帐篷里久待，一般在下午一点钟之前，便离开了艺博会，这必然影响到了画廊的一些卖画机会。

当然，也有一些画廊主认为炎热的天气并没有妨碍到销售额，例如首次出席弗里兹纽约的，来自洛杉矶的年轻画廊Anat Ebgi gallery，她带来了来自巴勒斯坦-美国的艺术家Jordan Nassar的十二幅色彩鲜艳、手工绣制、精美装裱的画作。这些作品呈U型排放在来自巴勒斯坦的地毯上，标价在6600美金到10000美金之间。这些作品有一些在开展之前就被预定，在周三VIP日结束时已经全部卖出，甚至有一些没有展出的作品也被预定。主管Stefano di Paola对本次艺博会的销售成果非常满意，并分享道：藏家来自于：中东、洛杉矶和纽约等。Stefano di Paola说这次的高温让整个交易过程变得更加快，藏家没有询问更深的问题，例如未来会有什么艺术作品？还有其他的艺术家推荐吗？

虽然弗里兹纽约不得不面对意料之外的高温天气，但是从总体来看，弗里兹纽约的销售情况尚可，画廊主也纷纷表示了对未来艺术市场的信心。然而，值得注意的是，在VIP日的开始几小时内，虽然成交量很大，但是大部分是较低价位的艺术品，画廊也更多地带来了价格适中的艺术品。与节节攀高的拍卖纪录相比，艺博会售出艺术品的平均价格在降低，这说明着艺术市场的消费者消费意愿分层严重，人们对于高于8万美金的艺术品购买变得更加谨慎。

丨参展画廊的小心思丨

由于近年来艺博会的蓬勃发展，有一些艺博会成绩突出，有一些艺博会则纯粹是当地政府为了振兴文化领域而举办的，销售成绩惨淡。画廊面对着高昂的艺博会租金，以及众多的艺博会选择，正在变得越来越谨慎。

弗里兹纽约作为顶尖的艺博会之一，迎接了来自世界各地的藏家，但是主要的藏家仍然是美国藏家，因此众多画廊选择迎合美国藏家的口味。例如来自巴黎的画廊Mor Charpentier的联合创始人Alex Mor就分享了他的心得。来自纽约的收藏家特别喜欢购买那些具有奖杯意义的作品，就像王冠顶上的最大的钻石那样具有极强纪念意义的作品。不过，不可否认也有一小批的收藏家喜欢探索新的事物。和纽约的藏家非常强调视觉效果相比，来自拉丁美洲的收藏家们则喜欢概念艺术更多一点。凭借着对藏家心理的揣摩，Mor Charpentier无视炎热天气，获得了很好的销售结果：以45000欧元的价格售出了Saâdane Afif创作的向杜尚的Fountain (1917)致敬的作品The Fountain Archives (2008- )，艺术品Alexander Apóstol’s Color is my Business (2012-2015)卖出了29000美金的价格，以及以8000欧元的价格卖出了Carlos Motta 的一件小型3D雕塑作品。

▲Alexander Apóstol, Color is my Business, 2012–2015

艺博会都有其风格，而弗里兹纽约则有推崇新兴艺术家的特征。有一些画廊抓住了这个偏向性，带来了符合这个基调的作品，受到了很好的反馈。例如来自比利时的画廊Zeno X，它虽然旗下拥有许多大名鼎鼎的艺术家例如Luc Tuymans和Michaël Borremans，但是本次弗里兹纽约仍然选择了一些更加年轻的艺术家作品。最后该画廊销售成绩为：来自布鲁克林的艺术家Mircea Suciu 的作品The constant feeling of guilt (after Delacroix) (2018)以20000到25000美金之间的价格售出，艺术家Paulo Monteiro 的一件无题（2017）作品（画廊没有透露价格），Marina Rheingantz Galope的一件油画作品Galope (2017)，以及荷兰艺术家Mark Manders 的作品Landscape with Male Head (1992-2017).

▲Landscape with Male Head (1992-2017)

虽然每个画廊各显神通，带来了丰富多彩的作品，但是弗里兹纽约最大赢家仍然是那些大画廊们，画廊Thaddaeus Ropacsuch就是大赢家之一，弗里兹纽约的好几件高额艺术品都在这里卖出：Sie werden gehen, sie sind gegangen (2017) 卖出了850000美金，艺术家Longo 的Untitled (Split Ram) (2018)也卖出了850000美金的价格，艺术家Rauschenberg 的Star Park (Borealis)(1990)卖出了675000美金的价格。

结语

本次弗里兹纽约稳中求进，既保留了其对当代艺术的关注，又开辟了新的Live展区，给访客们带来了新的期待与惊喜。在销售记录上，弗里兹纽约仍呈现向好态势，但高价售出的艺术品数量变少，画廊们不得不必须走量才能赚回租金成本。

艺术市场的新进玩家

微信公众号《艺术市场通讯》5月7日发布

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随着艺术市场的不断扩展，其属性与参与者也发生了很大的变化。在十九世纪的时候，艺术爱好者在法语被称为amateurs，源于拉丁语的amare（去爱）。Amateurs指的是一个人纯粹出于快乐，而非利润，参与到一项活动之中。即使在十年之前，当代艺术收藏家大多是出于一腔热血与长久积累的经验，他们用金钱交换他们真正欣赏的艺术品，然后将它们视作室内装饰的重要一部分，创造自己热爱的生活环境。虽然现在这种纯粹之心的收藏家依然存在，但是市场上涌现出更多的玩家视艺术品为一种资产，而非一个消遣爱好。艺术市场不再是之前简单的：藏家、画商和艺术家的简单三角关系，后起之秀们让整个艺术市场变得更加复杂与活跃。

As the art market keeps expanding, the profiles of participators have changed a lot. In 19th centuries, art lovers were called amateurs in French, which origins from the Latin word: amare. “Amateurs” refers to people engage in a particular activity, merely out of pleasure rather than profit. Ten years ago, most of the contemporary art collectors are experienced and enthusiastic. They exchange artworks by money, and regards artworks as part of interior decoration, creating a lovely living environment for themselves. Although nowadays this kind of collectors are still existing, there are lots of other players joining the art game. They view purchasing art as an investment activity rather than a hobby. Therefore, the art market is no longer the simple triangle structure, made by collectors, art dealers, and artists. However, the whole market becomes more complicated and energetic.

丨新玩家一号：艺术基金会丨

常有人说，艺术太过于阳春白雪，与普通人的生活离的太远，都是顶层阶级的自娱自乐。然而随着当代艺术的发展，艺术越来越走进公众视野，由最开始的美术馆、博物馆的建立，到现在艺术基金会如雨后春笋般地崛起。这些非营利机构服务的对象是公众，而非收藏家们。

艺术基金会最为成功的案例之一，莫过于迪亚艺术基金会（Dia Art Foundation）在1977年开始的用艺术改造美国小镇Marfa的故事。Marfa是德克萨斯州西部，处于沙漠和墨西哥边境之间的一座仅有两千人口的小镇，战时曾被用于军队基地和训练营，战争结束后便被遗弃了。艺术家唐纳德•贾德（Donald Judd）在1971年经过Marfa时被其独特风光所吸引，随后搬家到了小镇。

▲Marfa小镇的沙漠风光

唐纳德说服了迪亚艺术基金会（Dia Art Foundation）加入了这个特别的小镇改造项目，经过双方的通力协作，小镇焕发出新的光彩。原来的废弃的军事基地上放置了许多精心挑选的大型装置作品，展览里参与的艺术家也越来越多，由原来的约翰•尚贝莱（John Chamberlain）, 丹•弗莱文（Dan Flavin）, 唐纳德•贾德三名艺术家，到卡尔•安德烈（Carl Andre）, Roni Horn, Hya Kabakov, 理查德•朗（Richard Long）等著名艺术家的作品也加入其中。2003年，Marfa小镇成立了一个多功能的艺术空间Ball Room Marfa，除了展出艺术作品之外，还放映电影、举办音乐表演等，这个空间成为Marfa小镇新的活力来源。

▲小镇内的展览

▲多功能艺术空间 the ballroom Marfa

一系列多种多样的尝试之中，最具影响力的莫过于从El Paso到Marfa路上的一个“Prada商店”，这是艺术家艾默格林 & 德拉塞特（Elmgreen&Dragset）用雕塑、土砖、灰泥、玻璃和铝框复制的一家Prada商店。它并不是Prada旗下的门店，只是获得了标示使用权，但是其内部放置的全是货真价实的Prada真品。就这样，Marfa小镇在艺术基金会和艺术家的带领下，从一个毫无生气的小镇，转变成了新的热门艺术之地。

▲“Prada商店”

在中国，艺术基金会的影响力也在继续。近期正在上海当代艺术博物馆的“陌生风景”艺术展的展品就来自于卡地亚当代艺术基金会。该基金会在1984年成立，是法国第一家以企业赞助形式支持当代艺术的机构。在其33年的历史之中，挖掘与培养了一批极有潜力的艺术家，与超过300位艺术家合作了1400余件委托作品。中国知名艺术家蔡国强与基金会的渊源颇深，刚开始因为驻地艺术项目结缘，直至今日仍保持着联系。

▲蔡国强作品《白声》

▲“陌生风景”展览现场

中国本土也有艺术基金会的身影，例如上海余德耀美术馆旗下就有一个将艺术与慈善结合在一起的基金会：艺疗基金会。该基金会在2017年成立，希望联合艺术家的独特智慧与生物医学奖的专业知识使艺术成为一种奇迹与力量。该基金会与2018年3月28日在香港成功举办第一届慈善晚宴，拍品来自余德耀基金会、艺术家徐冰、杨福东、赵半狄等，筹款全部捐赠给了约翰•霍普金斯大学胰腺癌研究中心。

▲艺疗基金会标志

艺术基金会虽然是非营利机构，服务于公众。但在其推动下，公众会对某件艺术品或艺术家的认知提高，那么该艺术家的市场价值也便随之上升。因此，艺术基金会可以说是艺术价值、商业价值和社会价值的统一体现。

现如今，艺术基金会越来越多，规模也越来越大，不仅培养年轻艺术家，举办展览，还会做一些跨界式的项目，例如上文提到的慈善项目和小镇改造项目。随着艺术基金会影响力的不断上升，成为了市场上不可小觑的新兴力量与耀眼的新玩家。

丨新玩家二号：公司丨

大型公司资助艺术展览、艺术节、美术馆与博物馆的行为在当今早已屡见不鲜，除了资助，还有一些公司会直接购买艺术品作为公司资产。这都是商业公司加入艺术市场的体现。

在1996年，德国时尚品牌Hugo Boss在纽约的古根海姆博物馆设立了一个以品牌命名的艺术奖项Hugo Boss Prize，第一位胜者是美国的马修•巴尼（Mathew Barney）,并收到了三万美金的奖金。这个尝试在当时得到了很大的媒体曝光度，吸引了大量的眼球。

▲Hugo Boss Prize, 1996

在1970年McCrory百货的所有人麦沙伦•利克里斯(Meshulam Riklis)激进地为自己和公司购买了大量的艺术品。由于麦沙伦对公司控制力很强，所以公司上下并没有出现明显的反对声音。他非常享受寻找新兴艺术家的过程，并且向他们订购为自己商店的创作的艺术品。他并没有雇佣专业人士，而是自己决定一切，花费很长的时间去逛画廊和艺术家工作室，与画商和艺术家社交。麦沙伦将这些艺术品纳入了公司资产，他还很有创造性地提出：如果一件雕塑被摆放在折扣店，即使雕塑的市场价格上升，他仍会对这件资产进行折旧。

▲麦沙伦•利克里斯

类似的公司还有很多，其中做得非常出色的有Panie Webber资产管理公司的CEO 唐纳德•马龙（Donald Marron）, 他在20世纪70年代为自己和公司购买力大量的新兴艺术家的作品，这些作品最初被摆放在公司的走廊上。20年之后，这些作品被重新聚集到一起，并成功在美国休斯敦的Museum of Fine Art举办了一场极具影响力的专属展览。在UBS公司在2000年收购Panie Webber资产管理公司的时候，UBS将40件艺术品捐赠给了MOMA（唐纳德•马龙曾今是该博物馆基金的主席）, 并且支持Panie Webber继续购买艺术品，完善它的艺术品组合。这些做出购买艺术品决定的管理者其实不仅仅将艺术品视作是一项商业投资，他们相信摆设在公司内的艺术品可以让工作环境更加有趣，让员工更遵守公司规则。如果这些艺术品被展览，更能成为一种公共关系的宣传工具。

▲唐纳德•马龙

▲UBS艺术收藏

然而这种类似的公司往往会因为领导人的换届，而改变其艺术方向的目标，并且减少在艺术品上的投资，最差的情况就是公司选择整体出售它的艺术品库存。当兼并与收购之后，很少有管理着能够坚持继续用公司资金购买艺术品，而且董事会也是保守地不建议收购艺术品。

因此当今，资助艺术活动的方式比直接收购更加受到青睐。大部分的公司都接受这样一个观点：公司可以将广告与宣传一部分预算用于资助文化艺术类活动，这样不仅能够向大众宣传自己，还能吸引高净值人群，例如资助美术馆、博物馆后，公司可以参与私密的美术馆举办的聚会，在那些聚会更容易接触到新客户。出于这样的目的，公司在选择何种艺术展览时也会异常谨慎，例如顶级的投资公司会乐意为毕加索的展览赞助，但是不会资助一些敏感话题的展览，例如政治类与性别类。

▲巴塞尔商业合作伙伴

公司作为一个主体收购艺术品可以从侧面证明艺术品的价值正在受到更广泛的认可，收藏不再是个人行为，而变成了体现公司品味与文化的渠道。

丨新玩家三号：银行丨

上文提到了许多大型公司都加入了艺术行业，国际银行虽也属于商业公司的范畴，但由于其特殊性，银行既能以一个法人收藏家的身份加入艺术市场，也能为艺术市场提供相关的服务。

银行作为收藏家的身份在欧洲首先兴起。一家知名比利时银行家族成员Baron Leon Lambert在其28岁的时候邀请有名的现代建筑家戈登•邦沙夫特(Gordon Bunshaft)设计该银行在布鲁塞尔的总部建筑，并同时委托艺术家让•杜布菲(Jean Dubuffet) 和亨利•摩尔(Henry Moore)创作银行外部的雕塑，在这个建筑的办公区与公共区域都摆放了艺术作品。Lambert本人占据了该建筑的最高层，一迈出他的私人电梯，迎面而来的就是三个阿尔伯托•贾克梅蒂(Alberto Giacometi)创作的纤长的女性雕塑，以及一间又一间摆放着当代艺术的收藏间。在20世纪，许多欧洲银行的所有者和创始人都和Lambert一样是一位艺术收藏家。

▲戈登•邦沙夫特设计该银行在布鲁塞尔的总部

▲贾科梅蒂雕塑作品

美国银行加入艺术世界的步伐稍晚。因为在欧洲，艺术品首先被视为是一种经济身份的象征，其次才是一种可以变现的资产。然而在美国，银行们更倾向于认为不动产才是经济身份的象征，而非艺术。

在美国，艺术品被视为具有商业价值的契机来自于1985年苏富比的四月拍卖，这场拍卖会也象征着顶尖艺术品拍卖价格被大众消费的开端。当时的拍卖品的质量非常优秀，最显眼的一件拍卖品是梵高的Enclosed Field with Young Wheat and Rising Sun(1889)，当时苏富比预测价格是五百万美金，这已经超越了任何一件艺术品的预测价格。然而最后的落槌价格竟然是预测价格的两倍左右：9.9百万美金。让这个故事变得更加戏剧化的是买家是一位阿根廷的水泥企业所有者，一位女性的收藏家Amalia de Fortabat。第二天，这场拍卖会登上了纽约时报的头条，收到了全世界的注目。

▲Amalia de Fortabat

▲Enclosed Field with Young Wheat and Rising Sun(1889)

虽然说大部分的美国银行都反应迟钝，但是其中也有例外，例如JP摩根：1959年，JP摩根的前身Chase Manhattan Bank在David Rockefeller的领导下，开始建立公司的艺术品组合，截止到2014年，该公司在全球450个分公司内摆放着30000件艺术品。David的母亲Abby Aldrich Rockefeller同时是Museum of Modern Art三位创始人之一，David本人、他的兄弟Nelson以及妹妹Blanchette也曾出任过该博物馆的主席职位。在JP摩根的收藏中，既有大名鼎鼎的艺术家作品，也有一些不知名的画家因为作品被该公司购买而名声大振。该公司还将自己的艺术品供全球的美术馆展览。

▲ MoMA

▲JP摩根的总裁办公室

迈入21世纪之后，银行变得更加地国际化，他们也发现那些高净值的客户很多都是收藏家，因此为了更好地接触客户与提高自己的品牌形象，银行纷纷迈入了艺术领域。例如Deutsche Bank 就效仿JP摩根，开始建立自己的艺术品收藏组合，并将这些作品以自己的名字在全世界展出，以此塑造在高净值潜在客户心中的形象。银行正在参与越来越多的顶级艺术展，Deutsche Bank 和ING都是TEFAF的赞助商，UBS是巴塞尔艺术展的赞助商。这些银行会派高层管理者出席艺术展相关的私人聚会，并在席间发言，一般都是关于该银行的理念与该展览的先锋精神的相互共鸣。

▲Deutsche Bank的艺术收藏

除了赞助和直接购买，银行还衍生出了艺术咨询业务。Citibank的艺术咨询业务中只需要支付一定的年费与手续费，客户就可以得到一支专业的艺术专家的帮助，来判定艺术品价值，找到合适的艺术品以及特别渠道购买艺术品。这项业务还包含了艺术品的储存、运输与保险。如果客户想要出售一件艺术品，服务人员还会帮忙处理执行上的问题，并根据客户需要选择匿名的方式出售。Citibank推出这项业务之后得到了很好的反馈，并成功吸引了一大批高净值人群，加强与他们的联系，借此推销更多的业务。Citibank同时也允许客户把艺术品作为抵押物，获得资金。

▲citibank艺术咨询服务人员

银行本身的财力雄厚，其目标客户与收藏家群体重合度很高，所以银行加入艺术市场既有经济基础，也有潜在动机。另一方面，银行的加入也让艺术品的流动性得到进一步的提高，艺术市场变得更加灵活。

丨新玩家四号：非银行类放贷人丨

随着艺术与金融的交流日益紧密，越来越多的机构开始提供艺术品抵押服务。根据德勤2016年度报告，艺术品抵押市场从2014年的9.6百万美元，扩展到了2016年的15到18百万美元。这个新市场里面的主要参与者有私人银行、拍卖行以及独立放贷人。在2006年，在纽约成立了一个独立的非银行的艺术融资公司Fine Art Capital，这家公司的放贷经理都拥有专业的艺术品鉴赏能力，以艺术品作为抵押物，放贷给收藏家、画商与博物馆。这家公司的官网宣称：一个高质量的客户可以贷款五十万美金到一亿美金，20年的期限，并同时保留他们的艺术品不需要移交。艺术品抵押领域还在继续发展，既有Borro公司关注于相对低价的艺术品，凭借高利率，短期贷款获得收入，也有Athena公司依仗金融巨头Carlyle和Pictet的背书，只放贷高于1百万美元以上的数额。这种艺术品抵押公司的另一个有利条件是缺失的相关法规，当下它们并不被联邦银行系统所约束，艺术品抵押可以说是一个灰色地带。

丨新玩家五号：互联网信息售卖丨

看到热度不断上升的艺术市场，艺术品信息售卖行业也开始发展。一位来自加利福尼亚的创业者Carlos Rivera和他的伙伴在2014年建立了名叫Sell You Later的网站。这个网站将艺术家们分类，然后将每个艺术品打上不同的标签：低于一万美金就买下，该卖出了，流动性强等。这个网站的基本思想是把艺术品投资看作和风险投资一样，高风险高回报，尽可能地去寻找那些独角兽类的艺术品。这个网站不需要付钱就可以访问，但是如果支付3500美金的费用，就可以先人一步得到信息，更快地作出反应。创始人透露道在他建立ins账号和网站的几天之后，就有好几个世界级收藏家注册与付费了。

▲Carlos Rivera

▲Sell You Later网站截图

结语

随着新玩家的出现，艺术和金融、商业之间架上了桥，艺术活动的动机也变得越来越多样化，艺术品也越来越像一个可变现的消费品，就像在股票市场交易的证券一样。这些新玩家的加入，一方面让艺术走进了公众的视野，提高了艺术市场的流动性与活跃性，但是在另一方面又让整个艺术市场陷入了一种躁动的氛围之中，变得更加复杂难测。

顺应时代潮流出现的五个新艺象

微信公众号《艺术市场通讯》 5月2日发布

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艺术是人类智慧结晶的体现，它源于生活也高于生活，艺术家们从周边的环境与自身的思索中获取灵感，促成艺术作品的诞生。艺术所代表的审美时常走在时代前面，有时候优秀的艺术作品甚至在几十年之后才会被人们认可其价值。但同时艺术也的确受到时代的推进与市场需求改变的影响，因为那些被艺术史或公众所认可的艺术毫无意外顺应了市场和时代的需求。当艺术发展到现代，又有着什么样的变化，又反映了社会的什么样的需求呢？

Art is the essence of human wisdom. It origins from daily life and go beyond the limits of reality as well. Artists rely on the inspiration, which comes from the surrounding environment, and self-exploration to create the artworks. Art sometimes is developed in ahead of the era, and some masterpiece needs to wait for the final recognition.  On the other hand, art is unavoidably affected by the society and market, since those recognized artworks are all following the trend of society and satisfying the market needs. Nowadays along with the development of the market needs, what kind of changes are we witnessing? 

丨艺术品的尺寸变得越来越大丨

大尺寸的艺术品并不是近现代艺术品的专属特性，历史上有许多大尺寸作品，例如罗马的西斯廷教堂、圣彼得堡的巴洛克式的宫殿。罗马西斯廷教堂在1481年完工后，教宗西斯度四十邀请一批文艺复兴画家以耶稣基督为题目创作了一系列的壁画，随后儒略二世又邀请米开朗基罗绘制天花板与剩下的空间。这些壁画的尺寸都很大，覆盖了教堂的穹顶与上墙壁，其中最有名的莫过于《创造亚当》《诺亚方舟》。可以说装饰后的西斯廷教堂本身就可被视为一件大型艺术品。

▲罗马西斯廷教堂

▲《创造亚当》

而当今社会我们感到艺术品尺寸越变越大的原因是艺术品角色的转变。在之前，艺术品是一种高端消费品，收藏家一般根据自己喜好收购艺术品，用于室内装饰。所以艺术品的尺寸一般是能够放进家中的。然而随着社会的发展，人们对精神文化的需求逐渐增多，艺术的消费群体不再是一个简单的闭环：艺术家—收藏家，而是有更多群体的加入：

现在政府在规划城市建设时，不单考虑实用方面的需求，例如交通路线、居住区与商业区的划分，也开始考虑人文方面的需求，城市绿心、大剧院、图书馆等。这些公共建筑有着足够宽敞的空间，同时也需要地标性的艺术品来体现其职能和风格。

许多大型商业公司将艺术品作为新噱头吸引客户，提升品牌的吸引力。例如上海的K11便将购物商场与艺术结合在一起，散落在各个楼层的艺术品与特地划出的K11美术馆，都成功地将K11与其他购物场所区别开来，形成独特的吸引力。除此之外，还有许多大型酒店需要大型艺术品包装自己，例如拉斯维加斯的高端酒店的酒店大厅设计、酒店入口前广场都有大型公共装置艺术的身影。

随着收藏家的藏品逐渐丰富，有些藏家着手开设自己的私人美术馆，成立艺术基金等。在美国，成立专门的艺术基金与私人美术馆变得非常普遍，在日本，知名企业都会开办美术馆，例如东京的三得利美术馆，在中国近5年也掀起了开办私人美术馆的狂潮，例如最近风头正劲的龙美术馆、余耀德美术馆等。这些有着足够资金支撑与宽敞空间的大型私人美术馆为了吸引访客，对于震撼力强的艺术品需求旺盛。

▲K11商场内部摆放着的艺术品

▲日本三得利美术馆

正是由于以上几个需求的催化，大型装置艺术的繁荣和变得越来越靠近工厂仓库规模的艺术家工作室也不难理解了。

丨艺术品代加工与过度现象出现丨

当代艺术发展到当今，对于艺术品的载体形式越来越宽容，艺术品的存在方式也不仅仅局限于传统的雕塑和绘画，许多实验性的艺术形式也在被人们所认可，例如新媒体艺术，行为艺术等。当代艺术更加注重思想与意义，并不严格规定艺术品必须百分百由艺术家生产创造。所以艺术作品虽然冠以某艺术家的名衔，但是实际的生产者却另有其人。例如艾未未的作品《一亿颗陶瓷瓜子》的背后就是1600名景德镇熟练工人历经两年的工作。由艺术家提出想法，具体实现交由他人的流程变得越来越普遍。外包生产也让艺术家能轻轻松松产出大量同系列作品。

▲艾未未《一亿颗陶瓷瓜子》，2010

据统计，安迪·沃霍尔在他去世时，捐赠了100000件作品给安迪·沃霍尔基金会，毕加索登记在册的作品有16000件。和古典艺术家相比，当代艺术家的产量可以说是惊人的了。

当代艺术家达明·赫斯特完全拥抱了高产量的观点，他在伦敦的Other Criteria店售卖着无数件作品：从茶杯到椅子，从印着蝴蝶的手拎包，到全套宗教印刷品，总计销售额达到了204000英镑。甚至他的代表画作spot painting系列，大多数也是由他的助手完成的，截至2017年，已经生产了1435幅。由于他的疯狂产出，最后他的艺术品市场遇冷，价格快速下跌。

▲达明·赫斯特  《Flesh Tint》，2016

还有著名日本当代艺术家村上隆因其super flat风格受到市场认可之后，便直接成立了他的艺术公司Kaikai Kiki，该公司针对不同人群，兜售不同的艺术作品：向上流社会兜售画作与雕塑，向中产阶级兜售与LV的联名包包，向低端市场那个兜售手机壳、衣服与玩具。村上隆还出版书籍《艺术创业论》与《艺术战斗论》。在书中，他以自己为例，详细阐述了他是如何揣摩市场需求与艺术界规则，掌握具有话语权的收藏家与评论家的口味，然后用他们能够理解的语言，创作艺术品以获得好价格。

村上隆一共有两个工作室，或者按照他自己的话来说是工厂：一个在日本朝霞市(Asaka)，一个在美国纽约长岛。2010年为威尼斯Palazzo Grassi博物馆筹备作品期间是他的产出巅峰，当时他一共雇佣了200名技术工人。村上隆基本生产画作的流程是：他亲自设计画作，然后扫描到电脑上，用Adobe Illustration上色，最后交由助手讲电子版的画作搬到画布上，最后村上隆亲自确认成品。

▲村上隆的作品在威尼斯Palazzo Grassi

丨被否定的艺术家重新得到评估正名丨

由于旺盛的市场需求，艺术从业者们开始四处寻找可能出售的画作，他们把过去不受认可、被嘲讽、甚至被定义为坏的作品重新包装与诠释。虽说评判一个艺术作品是好是坏，是一个主观的问题，所以后来的人完全可以重新评价过去的艺术家的地位，但是这种行为不可避免地会受到质疑。再发现的艺术家是真的被隐藏的珍珠呢？还是出自卖画的商业目的？

艺术家Bernard Buffet就是一位幸运的、被再发现的艺术家，他的艺术史地位起起落落。在1950年代初，Buffet在一次最受欢迎的世界艺术家中排名第二，仅次于毕加索。但是随后Buffet却受到了冷落，在之后的十年内，他的作品都被认为是坏品味的体现。然而在2016-2017年，事情出现了转机，Bufet的作品依次在著名的美术馆Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris和Musee e Montmartre得到展出。得益于这两次展出，在2016年的佳士得拍卖会上，Les Clowns Musiciens, le saxophonist(1991)卖出了1,022,500英镑的价格，美国的著名收藏家、投资家与艺术经纪人Adam Lindemann也购买了Buffet的作品，并且在2017年举办了一场Bufffet的展览：Bernard Buffet: Paintings from 1956 to 1999. 由此Buffet重新回到了大众的视野之中。

▲Les Clowns Musiciens, le saxophonist(1991)

还有艺术家Mel Ramos的海报风格的作品也被重新定位。这些画作以性感的女性为对象，她们往往赤裸着，与一些有性象征意义的物件一起出现：例如和香蕉一起摆造型，或者躺在一个Martini透明酒杯里。在2012年的一次伦敦苏富比Gunter Sachs藏品拍卖会中，A.C.Annie(1972)拍出了1.1百万英镑的价格。

▲Mel Ramos，Chiquita Banana (1979)

艺术家Victor Vasarely所代表的Op art也重新被挖掘，曾经不受市场青睐的视觉欺骗画作被售出了高价，尤其是其早期的黑白系列作品，价格超过了30万美金。相同流派的Bridget Riley的作品也跟着水涨船高。

▲Victor Vasarely, VEGA III(1957-1959)

这些成功翻身的艺术家都有鲜明的、易于辨认的个人风格，就像一个品牌一样，非常适合那些刚刚进入艺术市场的新藏家，以及那些希望得到相对稳定价格的作品的藏家们。

丨加深观众与艺术品之间的连接丨

艺术发展到当代之后，产生了许多分支，不同的艺术家流派在冲撞中，孕育出了百花争鸣的盛态。艺术品的展现方式也发生了改变，从原来的结果式艺术品，例如绘画、雕塑、器物等，现在过程式的艺术品也被人们所接受。过程式的艺术品既具有探求的特征，又有极强的观赏性，让观众身临其境。

实验艺术流派就是一个例子。在1990年纽约的Paul Allen Gallery就有一个名为无题的展览，其内容为艺术家Rirkrit Tiravanija在展览开幕式上给前来参与的嘉宾（大部分是艺术家）提供了免费的泰国米粉，然后将这些嘉宾用餐后的场景保留下来，当作展览的主体。其中有食物残渣、餐具、空空如也的啤酒罐、煤气等。画廊把这场展览起名为社会雕塑“Social Sculpture“。然而，这件作品并没有被成功售出。在1993年艺术家Rirkrit Tiravanija又开始了新的尝试，他撑着一个独木舟顺着中国的大运河而下，向沿岸的行人发放方便面Cup O noodle。他也将这个作品命名为无题1993（1271），寓意在当初马可波罗从中国受到启发，将意大利面带到了意大利（有一种观点认为是中国发明了意大利面pasta: 在公元300年，中国就有关于意大利面的描述，在公元1274年，马可波罗游历中国17年之后，他将这种面食带回了意大利）。这件艺术作品被一位美国收藏夹Andy Stillpass买下放在自己的后院，当作一个概念式的雕塑。在2004年艺术家Rirkrit Tiravanija获得了古根海姆的Hugo Boss奖，以表彰他在艺术内涵社会化的探索。

▲Rirkrit Tiravanija 实验艺术作品”Spaghetti Western”

而到现在，观众参与艺术展的方式变得更多了。观众可以成为艺术品创造的一份子Participatory art：例如在2016年外滩美术馆的费利克斯·冈萨雷斯·托雷斯回顾展时，在展厅的一个角落堆着花花绿绿的水果糖，观众可以任意取走，也可以剥开糖纸把糖吃掉。这是艺术家在1991年创作的《无题（罗斯洛杉矶的肖像）》，当时正值艺术家的爱人罗斯·莱考克去世后不久。展览之初糖果的重量为79.4公斤，正好是爱人的的理想体重，而糖果的甜蜜象征着甜蜜的回忆，随着展览的进行，糖果的数量逐渐减少，就像罗斯因患病逐渐枯槁的面容和消瘦的躯体。当糖果消失殆尽的时候，就是罗斯去世的情景再现。这件作品只有观众的参与才能最终完成，观众与艺术家最初的构思一起，完成了这件对爱人逝去的挽歌。

▲费利克斯·冈萨雷斯·托雷斯《无题（罗斯洛杉矶的肖像）》

另外，观众被鼓励拍照: 随着科技的发展，社交媒体与摄影技术也日新月异，艺术展也从原来的不欢迎拍照，到了现在鼓励拍照。观众合影与分享是一个让艺术展变得更加具有影响力的方式。近期在加拿大多伦多展览的草间弥生的无限镜屋作品，就是一个非常适合合影的作品。该作品由7个不同主题的房间组成，每个方面都有一个反复出现的物件和镜子，创造出了一个如梦似幻的场景，非常适合自拍。

▲草间弥生，The Souls of Millions of Light Years Away(2013)

丨艺术与时尚的联姻丨

随着艺术变得和普通人更近，不再那么阳春白雪、曲高和寡，许多奢侈品牌也想和艺术搭上边。

服装设计师很早就有从艺术吸收灵感的传统，例如著名时尚设计师伊夫圣罗兰从德国艺术家Piet Mondrian的画作中得到灵感，在1965年设计了一系列的裙子。圣罗兰对设计的纯净非常重视，他体会到了Piet Mondrian的极度简单的线与颜色的组合中体现的平衡之美，并将这种美转移到了日常的服装之中。

▲Yves Saint Laurent，Mondrian 系列成衣

除了时尚设计师从艺术作品中汲取灵感，还有奢侈品牌直接与艺术家合作，推出相关的产品。例如村上隆与LV 长达十多年的合作，推出了爆款Multicolore Monogram系列包袋。有些人也许不知道村上隆，或者手袋背后的艺术，但是对于这个白底花色的LV 包袋却如数家珍。除了这次经典的合作，最近还有当代艺术家Jeff Koons与LV的大师系列手袋的合作。Jeff Koons在这次合作中，一方面结合了自己的长期创作的“Gazing Ball”系列作品，同时参考了将达芬奇、鲁本斯、提香、梵高、弗拉戈纳尔五位油画大师的作品，把它们作为印花印在LV的几个经典包袋上。

▲Multicolore Monogram系列包袋

▲LV 大师系列

到现在，许多知名的奢侈品牌想要进一步将时尚与艺术结合在一起，提高品牌形象，所以都纷纷成立艺术基金以及相关美术馆。离我们最近的例子就是Prada在上海修缮六年完成的荣宅，这栋三层楼房原来属于上世纪初著名中国企业家荣宗敬。荣宗敬与其兄弟曾经先后创办过21家纺织和面粉企业，可以说撑起了当时中国的民生行业。此次修缮过的Prada荣宅不仅仅是日后品牌举行市场活动的场地，也将作为一个文化场所向公众开放。现在荣宅就在由Prada基金会筹划的“罗马1950–1965”的展览，。展览旨在探索第二次世界大战后罗马蓬勃发展的文化和艺术氛围，展出形式派、起源派、八人组和新艺术战线等主要艺术群体和运动，现场可以看到卡拉·阿卡迪、阿夫洛·巴萨尔德拉、阿尔贝托·布里等13位艺术家的30余件绘画与雕刻作品。

▲Prada 荣宅

结语

当代艺术是反映当代社会的镜子，是正在书写的艺术史。而以上五个新的艺术市场动向都是艺术顺应着时代的发展与需求发生的转变。时代仍将发展，艺术也将继续改变与革新。下一个转变点在何处？让我们拭目以待。

女生都很喜欢花，我也不例外。每次去loblaw超市，带回来好几束花装饰家里，会让人觉得生活很有希望。所以，为什么不试一试当一名花艺师呢？想到了就去做，而且要铺长线，一步步实现自己的想法，是我的风格。仔细地计算自己的生活费后，我挤出了需要的学费（真贵！！尖叫】）。要学就学中国最好的，所以我就根据信任的博主的脚步，选择了北京的中赫花校。两周的课程，看起来很短，但是真的在其中经历时，却觉得极其漫长。

• 花艺师非常辛苦

刚开始的几天，正好是打基础的时候，曹老师也非常严厉。绝对不可以把剪刀随意放在桌子上；花艺师为了表现专业性，做花的时候不可以坐着；要妥善处理垃圾；动作要快，但是质量不能低。每天都觉得很折磨，站到脚麻，往住宿的地方赶的时候，脑子都要休克了。

• 花艺工作非常危险

与美丽的花朵不同，花艺专用的剪刀非常锋利，更别提花刀这个选项。但是做一个简单的作品，都需要动用300-400次的剪刀，可以说有很大的安全隐患。除此之外，花艺师为了保持手的敏感，不建议带上手套。有时为了追求效率，用手去处理花材。裸手与高频率地使用剪刀都让这份芳香的工作显得不那么美好。

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• 花艺师需要稳扎稳打

每天都觉得自己是文盲，是我经常的感受。而在课程学习之中，我发现自己不但文化不够，眼睛也很糟糕。多种多样的花朵，我都不知道他们的名字，对于我来说，他们统称为一个简单的词汇：花。据老师介绍，花艺师需要熟知认出花材种类，知道它的习性、产地、上市日期、价格、每束有多少支、面积、处理方法、英语/拉丁语/中文学术用语/中文口语称谓等。一种花要能连续说上30分钟，才算掌握了这种花。当我听到这个要求时，真的很震惊，这完全没有捷径可走，就是积累积累、再积累

除了花材知识，花艺师还需要练习手。让脑海中的形象变成实际，中间隔着千万次的练习。有时插错了角度破坏了整体造型，插得太浅花会失水而死，插得太深会导致花枝打架。除此之外，在插的过程中，还要仔细阅读花的表情。就是花是如何生长的，让他们面朝上，而不是垂下来无精打采。这个要求，让我意识到自己其实一直都没有注意周围的草木是如何生长的，他们的枝条是怎么展开的，树叶又是如何排布的。

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• 花的自由与经历的心流感

这一点也是最让我欣喜的一点。我大约在2年前，心中有一个相当艺术家的想法，创造美的东西不是很美妙吗？但是，我似乎没什么绘画的耐心，再加上绘画其实需要更长时间的锻炼与更激烈的竞争，让我非常沮丧。但是花也可以作为一种语言，它本身就是生命与美丽的象征，我只要将他们组合在一起便可。或许，通过花艺，我可以成为一个艺术家呢？通过花艺装置来表达我的想法。这个巨大的想象空间让我非常激动。

除此之外，在做花的时候，我再次体验了心流。这种感觉，我在初中时和暧昧的男生发微信时感受到了，在玩植物大战僵尸游戏的时候感受到了，在阅读的时候感受到了，从此之后，就很难再见到心流效应了。而这次的花艺课程，我欣喜地发现，自己在某个瞬间忘记了时间，全身心投入到了其中。我可以说是很幸运了，找到了另一个开启心流体验的钥匙。

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• 磨练你的审美与直觉

在外教课程中，我看到日本老师的做花过程行云流水，而且他只要一看就知道如何修改意见作品。看似很简单的操作，在我的手里就难于登天。为什么呢？我觉得这就是审美的差距，老师的潜意识能更快地判断美的标准，知道在哪个细微的部分出了错，但是我一定要到问题足够大的时候，才能看出来。为了达到更高的水准，花艺师必须不断地看优秀的作品，磨练自己审美能力。

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花艺师的体验非常有趣，我想继续下去。通过花的语言，我没准能成为一位艺术家呢？

致未来的自己：

你好呀，现在是2018年6月的娄依伦向你汇报这个月的故事。

这个月是我本科顺利毕业后的第一个月，一切似乎还有一些不真实感，不过因为我未来要继续读研究生，所以学生的身份还未脱去，社会人的身份也没树立起来。因为距离的关系，我两边的大学都没有参加毕业典礼，或者本身就没有人和我一起出席它，参加与不参加没有什么区别。更何况，我也不喜欢喧闹的地方。除了没有出席毕业典礼，我连毕业照也懒得去拍，不知道多年后的你会不会觉得可惜，但是这就是现在的我最顺遂心意的选择。

6月初我在北京中赫花艺学校上完了课程，然后来到上海找实习。面试了2天之后，很快地入职了艺术新闻中文，现在我仍然兢兢业业地在k11工作，时不时感受到上海高昂的物价威胁。这个月整体来说我是快乐的，虽然在中途有压力爆棚的时候，但是我辞去了兼职工作，下个月会有更多的呼吸空间。另外，艺术新闻的工作挑战性适度，我没有陷入无事可做的窘境，也没有头皮发麻手足无措。这一点，非常感谢我的mentor谢斯曼女士，请未来的你要记住每一个帮助曾经的你的人。

这个月我学到了什么？

• 调整节奏，懂得拒绝

每个人都有自己的生活节奏，而生活节奏的选择应当以本人的感受挂钩。在月初的时候，我因为不懂得拒绝和太过贪心，接下了两份实习（宝龙美术馆与艺术新闻中国），再加上原有的艺术市场通讯兼职，我的生活便被工作塞得满当当。周一到周四去艺术新闻上班，周五到周日去宝龙美术馆上班，下班回来需要赶艺术市场通讯的稿件。这样的日子，我只支撑了一周，便觉得幸福感迅速降低，自己对生活失去了掌控。然后不得不红着脸辞掉了兼职工作，减少了美术馆的出席率，其实在最开始我就觉得有一些勉强，但是没有彻底地拒绝。

当觉得有一些事情不合心意的时候，最好再考虑一次，因为人的精力是有限的，必须要学会拒绝。也正是这些拒绝帮我们挑选出来最重要的那些东西。我喜欢富有挑战的工作，但是太忙太有压力会让我恐慌。

• 细心、细心、再细心

万丈高楼平地起，在实习的初期阶段接触的东西都非常的琐碎，因此对人的耐心和细心是个很大的考验。我的朋友总结的很对，如何才能接触到更重要的事情，那就是赢得别人的信任，让人觉得你非常靠谱。靠谱意味着说一不二，注重承诺，注意细节，不掉链子。

我发现自己有时候会走捷径，或者想要偷懒，有侥幸心理，这些心理都不能让我真正地做好事情。我觉得最棒的团队环境就是互相信任，那么我自己应当成为一个值得信任的伙伴。

• 行动比口头更重要，不要被假象打倒

一个典型的学生思维是我必须要熟练掌握一门课程后，不然都会非常自谦地说自己不太会、很渣。但是在工作的时候，达标比完美更有效率。不需要成为一个ps大神之后，才能接相关的工作，只要自己的技能能够覆盖要求，便可以开始做。从做中学习，边做边学。

开始行动起来，比坐在原地妄想自己的理想状态重要多了。有时候，看着一个领域，会觉得行业壁垒很高，看到一个技能，觉得别人都是经过了长时间的训练。其实，有勇气有行动力，立即开始，从失败和碰撞中得到反馈，不断地提升自己的系统运转，才是明智的做法。动起来，不要被虚势吓到。

• 多想一步，方便他人

我觉得现阶段，我也许解决问题额能力不足，但是我可以做到的就是方便别人，让和我共事的人比感到工作推进地更加顺利。这时候，就需要多想一步。这件事情的受众是谁？做成什么样的形式更好？有没有什么补充信息可以提供？让别人的生活变得容易一点，这就是不断获得活的诀窍。

2018年6月29日