我对于小确幸总有一种复杂的心态，一方面，我觉得小确幸的确能让人感到幸福，但另一方面，我又质疑着小确幸的价值。比如吃到一口很好吃的牛排，买到自己渴望已久的包包，这些都让人开心，但是那种开心是瞬间的。随后，我们又会陷入欲望和不满足之中。无法根本解决问题的小确信有多少价值呢？又有多少意义呢？

今天，我结束了一位艺术家的采访，在商店里闲逛的时候。我发现通过消费，的确能让人瞬间雀跃起来，感到满足。但是，随之而来的第二结果、第三结果却不是那么让人开心。那些包装精美的产品，就像甜味剂，生活本身的黑咖啡般的沉重与苦涩只是被压下去了而已。就像药丸外面包裹的糖衣。

然后我转念一想，每个人面对的问题其实都是不同，每个人都有自己的心结。哪里有解决一切的万能药呢？我渴望的东西本身是不是就不存在。或者说，问题的解决办法并不是用“擒贼先擒王”的方法，而是用“包围式攻击”的方法。生理需求、安全需求、社交需求、尊重需求和自我实现要依次实现，我现在的状况满足了前四种，所以自然而然对我来说最大的困扰是自我实现问题，换句话说就是意义感。然后，我便把自己的需求直接套在了别人的身上，他们也一定想要充满意义感地活着。不是这样，也许他们最迫切想要解决的是更为基础的需求。提供别人需要的关怀，而不是强加给他人东西。即使那些东西的确有价值，但是他们没有意识到其价值，或者还未到那个层面时，给他们提供这个产品也是无用的。

其次，我无法为他人做决定，帮别人确定事物的优先级。对我来说，一些母题式的诘问非常重要，但是对于他人也许不值一提。当一个人自己没有决断能力的时候，引导、甚至是诱导能有什么用处呢？自己没有完整的三观时，任何诱惑对他来说都是致命一击，引导与规劝是没有效果的。展现可能性是作为旁观者唯一能做的事情，选择和自由始终是他人的权利。

如此一想，那些甜蜜但是罪恶的食物，实际上也是提供了一种可能性，虽然它让人事后后悔、发胖、不健康，但是一次的消费其实上不会怎么样，只有重复消费才会出现坏结果。但是这并不是企业需要负责的，对此应担起责任的是消费者自身的判断力与自控力。企业来说，就是制造出最让人感到快乐和满足的食品，提供一种可能性。那些生产健康绿色食品的企业就比生产零食的企业更加高尚么？并不见得，他们只是在自己的使命和目标之内做到最好一样，满足不同时期消费者的需要。

几年前看的一篇文章中对于问题的分类浮现在我的脑中：

（一）有些问题是永远解决不了的

有个很重要的概念，“Persistent Problems”（永存问题），指那些持续存在的，反复出现的，好像永远解决不了的问题。

persistent : adj. 1) 坚持不懈的 2) 持续存在的、反复出现的

这是学者们在近几十年里经常讨论，但尚未完全形成一致看法的概念，所以，在 Wikipedia 上，尚不存在关于这个概念的专门页面。不过，很多学者在哪些问题属于“永存问题”上已经达成共识，诸如：贫困、不公、疾病、死亡、战争、犯罪……等等，都是整个社会、所有社会长期无法完全解决的问题。

每个领域都有一些特有的“永存问题”。比如，教育行业，有一部分教育者永远不合格，这就是永存问题的特征 —— 谁都可以识别这个问题的存在，可就是谁都没办法拿出个有效的解决方案消灭这个问题。再比如，在股份激励体系中，永远做不到彻底的公平，先来后到最终就是比能力更重要（这并不是说能力不重要）……可这个看起来不合理的，有时也确实非常不合理的问题，谁都解决不了。又比如，每一代人的出生，都是一次“野蛮人”对“文明”的入侵 —— 这是 Thomas Sowell 的说法，他接着说 —— 我们必须在这些野蛮人长大成势之前用好的教育消灭那些可能的恶势力（指思维中的恶势力）；一代人的退步，需要许多代人承担损失—— 这个问题反复出现，持续存在，谁都没办法彻底消灭这个问题，虽然整个人类一直在与这个问题抗争……

对于永存问题，正确又简单的方法论是：

解决不了的问题就（暂时）别去解决了罢。

这并不是说彻底放弃了，彻底不管了。这就好像人类为了文明建立了法制，并通过无数代的努力不断完善…… 可最终，法制也有缺陷，也引发了一系列更为难办的永存问题。所以，更准确的陈述应该是：

面对永存问题，尽力就好。

因为有些问题既然是永存问题，那么它很难被解决，它就只能慢慢被改善，而这个时间需要很久，常常并不是一代人就能完成的……绝大多数人能做的，只是添砖加瓦 —— 当然，这一点点的贡献也确实非常可贵，所以，真的是尽力就好。

人类从哪里来，到哪里去，为何存在于这个世界上。这些问题实际上就是属于母题类的问题，是永远无法解决的问题。能做到多少就做多少，解决不了也只能交由下一代处理。

我现在对于职业的要求过于理想化，我想要找到一个领域能与我的使命感完美契合，然后我才愿意投入其中。但实际上，每一个领域都有它美好的部分，也有它丑陋的部分，这是无法避免的。我最初的本科是财务，后来我发现财务只是支持性工作，并不直接产生价值。然后，我转移到了对设计的关注，但我又发现设计其实只是把东西做的漂亮，缺少更高层的思考。之后，我将目光投向了艺术，但是我发现艺术家其实也没有答案，他们只是在不断地探索而已。而且艺术有时与大众又分离太远，无法产生共鸣。多次撞壁之后，我对于自己的职业选择开始迷茫起来。

品牌？娱乐？便利店？舞台艺术？更多的可能性涌进了我的思绪之中。

商业是不完美的，所以我们除了法律之外，还需要道德感去约束它。我错误之处就是：对某一个方面投入了所有的期待，但实际上完成一个使命，需要多方面的助力。我现在要考虑的是，什么是市场需要的，什么是我擅长的，以及什么能50%以上满足我对意义感的需要。

 

 

最近愈发觉得自己的边界，首先我无法达到全知状态，只能通过不断学习，缩短自我理解与真实世界的距离。但是即便是这样，我的视角依然因为我的经历和知识受到限制，跳不出框架。所以，与人交流才如此重要吧。除此之外，体验更多经历，选择未知的机会才能让自己的限制被打开。

我能为这个世界提供什么专业化的产品？市场又需要什么样的产品？

我高中的时候意识到，很多人其实并没有足够的财务与投资知识支撑他们的生活。所以，我曾一度想成为财务顾问，为别人打理财务问题。

大一、大二的时候，我意识到大家对于理性与逻辑的缺乏，往往按照直觉做事情，而不是从头开始规划。所以，我对时间管理以及说理性文章投入了关注。

大三、大四的时候，我喜爱上了设计与艺术，我意识到审美与鉴别能力是未来市场所需要的。

本科毕业之后的暑假实习经历告诉我，即使你有很好的内核，如果不以别人易于接受的方式展示出来，那么传播速度是有限的。这时候，故事的重要性展现出来了。

所以现在的我想要培养的能力是：

1. 基本的财务知识，对于数字相关的事情不发怵
2. 跨领域的思维方式，反直觉且长线思考习惯
3. 审美能力：艺术与设计
4. 讲故事的能力

为此，我需要投入的是：

1. 完成研究生财务相关课程
2. 与不同领域的人对话，阅读跨领域的书籍
3. 看展，成为艺术评论家
4. 阅片1000+

在上周三的时候，感到自己的右手有些异样，难以控制、虚弱感。之后工作效率就开始降低，对于完成任务的动力减少。在周六的时候，跑了一个下午的活动，最后意志力直接崩掉，食欲大爆发。周日的时候，起床的时候感到右边背部酸疼，骨头内部传递出的不适感。

自被确认抑郁症，不得不休学过一段时间后，我对自己的身体和情绪的感知都变得更加敏感。因为我意识到，压抑和忍耐有时候不会事情过去，而是让事情变得更糟糕，然后在某一个时间点爆发。

那么在我安稳地逐步减药的现在，为什么抑郁症似乎又有迹象呢？大概是最近社交活动变多吧，和人的交流也不可避免地增加，固定下的行程也变得更多了。我的周末不是完整的，而是被分割成一块一块的，我必须在间隙中抓紧完成任务，或者忙里偷闲。

我的父亲显得非常紧张，让我周一请假观察一下身体状况。在周一，我就完全没有安排事情，仅仅做了在艺的事务性工作，然后就是刷片子。

休息了一天后，我在第二天选择按时来上班。毕竟我不想让自己停下来，事情都是一点一点做出来的。最近几天对自己的要求放低，刻意地不去安排额外的工作，我的身体反应果然没有了，但是大脑还是略显迟钝。

这一周，我都不打算给自己安排任务，仅仅完成那些邀约。

致未来的自己：

你好呀，现在是2018年7月的娄依伦向你汇报这个月的故事。

这个月我依然在K11的《艺术新闻》中文版上班，周末做在艺会员导览的兼职。工作的强度并不是很大，所以我的自我积累项目也慢慢多了起来。因为遇到了东财的学弟，他自学了日语还去日本自己找了实习，那个瞬间，我脑中的自我限制被打开了，为什么我不可以去日本实习呢？所以我现在开始训练自己的日语口语。但是，我一定要记得不要让自己太忙，任务表必须要有弹性，我必须要有喘息的时间、发呆的时间，我才会觉得幸福。

最近对于舞台表演（performance art）感兴趣，这个月去了一次卡门的弗朗明戈舞剧，以及周六要去的彭薇薇上海演唱会。个人形象打理上，我正在做牙齿美容，努力养成防晒的习惯，在饮食上努力遵守戒糖少碳水的规则，以及分清需要与欲望。

这周六，是程逸的一周年忌日，他是我遭遇到的第一个同龄人死亡，除了感叹生命无常之外，我应该在潜意识里还萌芽了什么，但是我现在表层意识无法捕捉。祝他的父母安好。

这个月我学到了什么？

• 首先释放善意信号，并保持敞开式分享心态

当一个组织或者一个人际刚刚开始时，大家往往采取“你往前走一步，我再往前走一步”这种缓慢的推进方式。我觉得，为了让社交关系尽快和谐地运转起来，就应该首先释放出善意信号，自己吃一点亏。只有这样，才能定下未来交往的基调，如果每个人都只紧紧护住自己眼前的粮食，那么这个社会关系是无法形成乘法效应的。

与这个想法相连的，还有一个要点就是持续分享有价值的东西，并且要坦诚，避免自私。有时候，我也会陷入想要某个信息只有自己知道就好了的心态，但其实上世界上信息传递地很快，保持关注的人总会接触到，还不如让自己成为那个优质信息传递者。投之以木桃，报之以琼瑶。分享还能得到对方的分享，得到新鲜的有效信息。

此外，你永远不知道你哪一条分享的东西会帮助他人，甚至鼓舞他人。最近大学同学马铭霞就因为我的随手分享，找到了实习机会。实际上，我真的没有用心对待那一条朋友圈信息，我的随手转发却给他人打开了新路。这让我惊喜，也让我意识到，传递优质信息其实非常重要。

• 能帮就帮，尤其是小忙

我因为在申请加拿大工签，非常需要在加拿大有人帮我接收一下文件。我尝试联系了我的学长，但是他似乎直接无视了我的请求。想起来，之前我曾向一个同班同学询问一个问题，尝试了两次，杳无音讯。这两次经历都让我很受挫，推己及人，我觉得当一个人为一件小事情而拜托你时，一定是迫不得已，或者你是唯一的可以询问的对象。所以，即使是小事，能帮也要帮。

当然这个问题还和伸手党联系在一起，如果我不认可这个人，为了保护自己的精力，也要坚定拒绝。

• 输入会影响输出

最近在写作上受到的最大挫折就是，我的文字没有像讲故事一样引人入胜、动人，而是像个死板的教授，说出自己的前提—分析—结论。我仔细反省了一下，问题应该出在输入上。我一直偏爱阅读非虚拟类书籍，看一本书总是带着解决某个问题的想法。这种阅读选择让我的逻辑分析能力，提取信息能力得到了提升。但是，非虚拟类书籍却不能提供人性所需要的故事、情感。

另一方面，我对虚拟类书籍也带着偏见，认为他们只是一种消遣而已，更正经、更密集的知识藏在非虚拟类、专业书籍中。这是不对的，人类需要故事，需要情感，我们会因为意义感与爱这种虚无缥缈、没有实际效用的东西，而付出惊人的精力与时间。

为了理解自己，理解他人，理解社会的运转，我需要阅读更多的故事，体会更多人的感受。

• 保持空杯心态，去看世界，看大牛

人是社会动物，他人会对自己产生影响。拿竞跑举例子，在1935年时医学界代表称人类肌肉纤维所能承受的运动极限不会超过10米每秒。然而，1968年6月吉姆海因斯打破了这10秒魔咒后，马上很多的运动员也在10秒内跑完了100米。

我也是这样，当我看到有人能做到的时候，我会想到自己，没准我也可以？我一定也可以！因此，对我来说接触的信息与人越厉害，越能激发我的潜力，让我充满斗志。所以，不要停下探索世界的步伐，保持挑战心态，保持空杯心态。下一次，我可以做得更大，更好。

2018年7月26日

上海。龙美术馆（西岸）的《转折点——中国当代艺术四十年》展示了自1978年以来，中国艺术的发展历程。展览分为四个章节：1978-1984，1990-1999，2000以后。这个展览的艺术品质量很高，大家都有其特色与美感，观看的时候我的审美又向外扩展了一点点，原来这么搭配也很美。

除此之外，我还观看了同期展出的《黑白未错》，《孔雀公主的故事》、《笔底烟云》。只能说中国传统艺术固然有其美的一面，但是当代艺术更让人心动与惊喜。

龙美术馆也是我很早就知道，但一直没有造访的美术馆。觉得有钱真好，可以以高水准的方式呈现出美丽的东西。

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上海。周日去刷了宝龙美术馆的《WANVELENGTH：出厂设置——沉浸式艺术体验大展》，这个站试图对物质本身到其生产过程，以及它们的循环生灭和可再生能力进行探讨，重新审视物质在日常生活中扮演的角色。

总体评价来说，非常糟糕。展品并没有一种共鸣的力量，而是半成品和哗众取宠的偏多。这个展的目的也不是分享一个新想法，而是如何才能吸引到访客来到这里拍照片。我对于这个展内心还是非常复杂的，有一小段时间在策展团队工作。目睹了他们如何推进整个项目的发展，非常琐碎与细节。但是，努力了不代表就应该受到认可，作品的质量是由标准来衡量的，而不是挥洒的汗水。

这个展让我意识到，艺术还是展览都需要打磨，都需要时间。

此幻灯片需要JavaScript支持。

我编译的部分：

我收集的资料

读书行路，去明珠美术馆看《路易威登游记》珍藏

微信公众号《艺术新闻中文版》6月28日发布

https://mp.weixin.qq.com/s/O7DmvzbEUkW6jqP7h9EeGA

上海。明珠美术馆最新展览《读书行路：<路易威登游记>艺术展》（Reading Walking: Louis Vuitton Travel Book）于6月24日开展。此次展览由明珠美术馆发起，展览的主题“读书行路”取自中国古代书画大家董其昌名句“气韵不可学，此生而知之，自有天授，然亦有学得处，读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营，立成鄄鄂”。美术馆希望通过展出原画稿，以带领读者通过艺术家之眼游历世界。

▲ 明珠美术馆展览现场

本次展览共有16位国内外艺术家及插画家的参与，涉及近300件艺术作品。参展艺术家来自世界各地（法国、美国、英国、比利时、德国、意大利、瑞士、克罗地亚、刚果、日本与中国），其中包括法国的让·克劳德·弗洛克（Floc’h）、英国的布莱斯·德拉蒙德（Blaise Drummond）、意大利的洛伦佐·马托堤（Lorenzo Mattoti）与中国的李昆武（Li Kunwu）、刘小东（Liu Xiaodong）等。

▲ 明珠美术馆展览现场

此次展览是全球范围内第一次将《路易威登游记》珍藏中几乎全部艺术家的作品原作集中展出。观众涉足美术馆，就如同进入一个大千世界的万花筒，移动脚步就如同转动一次筒身，不同地区的风土人情与不同艺术家自身的独特个性交织出色彩丰富的绚烂图景。

坐地日行八万里

明珠美术馆的展览区域被分为16个独立的空间，分别属于16位艺术家、插画家。空间之间用颜色加以区别，并设计了专属的陈列方式以传递艺术家们的旅行故事。策展人李丹丹分享道：“在策展的时候，我意识到：虽然表面上是艺术家自主选择了他们想要游历的地方，但是实际上那些地方也在召唤着、选择着艺术家们。”

▲ 明珠美术馆展览现场展览入口处的eBoy作品

在展览的入口处展示着来自德国的 eBoy 的作品。eBoy 是由来自东柏林的斯文德·施密塔尔（Kai Vermehr）、史蒂芬·索尔特格（Steffen Sauerteig），与来自西柏林的凯伊·维默尔（Svend Smital）组成。他们热衷于将科技与艺术结合起来，并选择了像素作为其核心的艺术语言。经像素化后的世界突然变得袖珍可爱了起来，让人想起那些旧时的欢乐时光，比如街机游戏、乐高玩具。在 eBoy 的眼中，日本东京就像模拟人生中的游戏界面，既熟悉又陌生。

▲ eBoy原稿展示

继续漫步向前，迎接访客的是一片纯白的空间。那是装着布莱斯·德拉蒙德（Blaise  Drummond）的北极记忆的白盒子。德拉蒙德没有像别的艺术家一样，选择人声鼎沸的都市，而是剑走偏锋决定来一场与大自然的对话。纯粹的而略带反光的白墙瞬间将观众带到了风声呼啸、廖无人烟的北极。他除了用画笔勾勒形状之外，还采用了锡箔纸、瓦楞纸与网格纸等不同材料进行拼贴，将他所见的北极小屋、在冰峡间穿过的轮船等风光描绘出来。

▲ 布莱斯·德拉蒙德展厅

▲ 布莱斯·德拉蒙德原稿展示

与白盒子形成鲜明对比的是来自艺术家托马斯·奥特（Thomas Ott）的黑盒子。托马斯·奥特于1966年出生于苏黎世，是屈指可数的几名绘制黑白漫画的艺术家之一。他的每一件刮画作品都需要极大的耐心与专注，他会使用一把美工刀在涂着印度墨水的刮画板上刮刻，以裸露处涂层下方的白色。美国的第66号公路就在这黑白两色的勾画之间，慢慢成形。奥特的世界充满了孤独的漂泊氛围，正如66号公路见证的无数个逃亡的故事。

▲ 托马斯·奥特展厅

▲ 布莱斯·德拉蒙德原稿展示

除此之外，还有来自中国的艺术家李昆武与刘小东。李昆武在1955年出生于云南，他并没有接受艺术或学院教育的机会，所以不得不自学绘画，并找到了专属于自己的艺术语言——连环漫画。他的漫画作品《从小李到老李——一个中国人的一生》更是为他叩开了欧洲的大门。这次的古巴之旅让他惊叹，古巴并不是只有中国人熟知的古巴排球队的那一面，还有更多未被发现的亮点与精彩。

▲ 李昆武原稿展示

而艺术家刘小东出身在中国的另一端——东北小镇金城。刘小东的创作过程模仿了电影拍摄过程，将过去所学的社会写实主义传统采用现代化的诠释方式，刻画了士兵、农民工和餐馆老板等普通人之间的情感与意识。在这次南非之旅的创作中，刘小东的作品结合了电影制作技术、摄影和书面文字，详实而敏锐地融合并刻画了他在未知领域与文化方面的经历。

▲ 刘小东原稿展示

时尚与艺术的联姻

上述这些轻盈美妙的作品都来自于路易威登出版社2013年开始的艺术出版项目《路易威登游记（Louis Vuitton Travel Book）》。每一本游记平均要花费两年的时间精心打磨：出版社先邀请来自不同国家与艺术风格的艺术家，随后由艺术家自由选择自己想要游历的目的地。经出版社联络驻留地点后，艺术家可凭心愿，在目的地停留或长或短的日子。结束旅程后，艺术家将回到自己工作室创作总共120幅画稿（耗时八个月到一年）。接下来则是扫描、排版、书籍设计与最后印刷装裱环节。路易威登出版社负责人朱利·古尔日耳（Julien Guerrier）评论道：“做一本书和做一件衣服是完全两个概念。时尚行业日新月异，每天都有新的事情在发生。而出版业却需要长时间兢兢业业地投入才能有所成果。”

▲ Louis Vuitton 旅行藏书箱

路易威登品牌与书的渊源可以追溯到创始人路易·威登的孙子加斯顿·路易，他本人是一个狂热的藏书家，他还亲自指导设计出的路易威登的第一款旅行藏书箱。以及在一个世纪前，巴黎开设的第一家路易·威登门店里就专门设有书籍售卖区域。因此，路易威登是全球奢侈品牌中唯一拥有自己出版社的集团这件事情也显得顺理成章。

路易威登出版社负责人朱利·古尔日耳补充道：“书作为一个载体，传递着情绪、文化、艺术，甚至还有技术（造纸技术与印刷技术）。而且对于路易威登来说，一本书籍的成功出版并不意味着工作的结束，相反是一个新的起点。以该艺术书籍为起点，出版社会进行一系列相关的活动，例如举办签书会、开发旅行 app、制作创作过程的纪录片等，本次的“读书行路”展览也可以看作是书籍面世的后续一环。“

路易威登出版社在整体定位上，并未将书籍的销售额摆在首位，反而重视通过一本本游记去分享关于旅行的一切，比如理念、哲学、记忆与情感。和走安全的道路与短期盈利相比，路易威登更希望能始终处于先锋地位，不断尝新与探索新的可能。这一特质既体现在十年前奥运会期间出其不意的“漫步城市”唱片项目（路易威登邀请了巩俐、陈冲与舒淇分别用声线演绎发生在北京、上海和香港的爱情故事），又体现在了今年年初路易威登基金会与 MoMA 举办的合展 “保持摩登（Being Modern）”。

对于这些跨界项目的外界的质疑声从未停止，反对者认为奢侈品与文化、艺术挂钩是出于商业目的的考量。对于争议，朱利·古尔日耳回应道，时尚与艺术并不是泾渭分明的，许多在时尚圈与奢侈品行业的从业者也是真诚地热爱艺术，许多时尚产品的灵感也恰恰源自于艺术。而路易威登作为一个国际性的奢侈品品牌，愿意投入金钱与精力来扶持艺术家，支持艺术，支持创造，这应当被理解为是一种对当代社会的贡献。未来，路易威登出版社会继续坚持前行，将艺术出版长期进行下去。（采访、撰文／娄依伦）

• 读书行路：《路易威登游记》艺术展
• 上海明珠美术馆
• 展至10月7日

※若无特别标注，

本文图片由明珠美术馆与路易威登提供

互联网艺术革命，你与安迪·沃霍尔只有一键之隔

微信公众号《艺术市场通讯》7月2日发布

https://mp.weixin.qq.com/s/n-Z-_XkD-kJlrqdMjI-FqQ

在几年之前，网上购物还是一件新鲜事，相信一个从未谋面的人，并从他那里购买物品，简直就是天方夜谭。然而，随着科技的发展与购买习惯的培养，人们慢慢地接受了网上购物，从纸巾、衣服等小物件，发展到汽车、电脑等高价值物品。以小圈子与重关系为特征的艺术品买卖圈也受到了互联网的挑战。这个千百年来没有太大改变的艺术交易行业，会因互联网这个搅局者，出现什么样的新态势呢？

In several years ago, online shopping is a usual thing. Believing a stranger and purchase item from him sounds insane. As the technology developing and the evolving shopping habits, people accepted online shopping, from small items like tissue and clothing to high-value items like vehicle and computer. Featured as small group and connection based art trade world also faces the challenge from the internet. How will this traditional and seldom changed art trade world respond to this emerging factor—internet?

丨新藏家的偏好丨

在多年之前，画廊与拍卖行对于将艺术品陈列到虚拟世界中，供人搜索的观点持怀疑态度。因为一件雕塑和绘画的价值往往与其稀缺性挂钩。然而，一旦将作品的电子版传播到网络上，拥有者的唯一属性就不再起作用，所有人都可以进行模仿。除此之外，购买艺术品所带来的身份感更是网上拍卖不能复制的。

▲  线上艺术品交易藏家按年龄分类统计

这一顾虑适用于那些大收藏家们，但是对于刚入门的新兴藏家来说，他们呼唤价格透明度，而不是像大藏家一样遮遮掩掩。这一需求，让互联网的进入实际上打开了新的艺术市场，将艺术交易从封闭的小圈子里，带到了更大舞台之上。对于出版业与音乐界来说，互联网将夺走他们的低端市场，但是对于艺术来说，却恰恰相反。互联网让原本沉在底部的小额艺术品收藏需求得到了满足。

▲ 原本估价在400-600美元之间的中国瓷器，在网上拍卖中以812500美金高价成交

▲ 2017年4月，毕加索的版画《在灯下的玻璃杯（Still Life with Glass under the Lamp）》在线上拍卖中拍出250,000 美金价格

同时，网上艺术品交易的高效率是传统一板一眼的拍卖方式无法实现的，也吸引了新兴藏家的目光，符合他们的使用习惯：

首先网上拍卖极大的缩短了交易时间。在现在这个消费者已经被便利的24小时全天开放的商业惯坏的时代，这个只需要轻轻一点，就能购买最新的包袋与机动车保险的时代，传统的拍卖形式显得如此不合时宜。传统的拍卖首先需要制作图录，随后将拍品运送到一个集中的地点展示，只在固定的月份举办拍卖。然而网上拍卖则可以做到快速响应，绕开中间商，直接开始拍卖，并邮寄艺术品。

其次，网上拍卖花费更少。无论是买家还是卖家，选择网上拍卖会受益，以避免一些传统拍卖绕不开的支出：纸质版的图录印刷费用、运输费用、展厅租金（通常拍卖行要选择该城市最黄金的地段）

最后，网上拍卖还可以让更多的客户享受到专业人士的服务。因为以往的大型拍卖行耐心服务的往往是那些购买力在一百万美金以上的藏家，而网上拍卖的拍卖价格则没有那么触不可及，许多曾被大拍卖行忽略的中小藏家，将得到网上拍卖公司的关注与专业支持。

与传统藏家依靠艺术咨询人士推荐艺术品不同，新兴艺术家更习惯于利用社交媒体来挖掘新艺术家。对于35岁以下的新兴藏家来说，浏览Instagram来了解最新艺术品，并随时跟进自己的喜爱的艺术家是司空见惯的。其中32%的藏家承认，社交媒体上的信息会影响他们的最后购买决定，相比于2016年这一比率提高了29%。同时，91%的画廊都承认自己很频繁地使用社交媒体来宣传自己，保持与藏家的连接。其中，最具影响力的社交媒体莫过于Instagram，在该平台上的口碑相传的力量十分强大。

▲  艺术类Instagram账号粉丝排行

Instagram的数据也见证了艺术行业中博览会与线上艺术品交易的崛起，在2017年TEFAF 有87%的增长，SaatchiArt有72%的增长，ArtSpace有67%的增长。有趣的是，这三家Instagram账号也是2017年度增长最快的四个Instagram账号之中。

丨互联网基因的艺术品交易平台丨

在网上艺术品交易的领域，涌现了一大批互联网系的竞争者，既有大公司想要分一勺羹，也有雄心勃勃的创业公司。在2013年，亚马逊就成立了专门的艺术网站，以进军艺术市场。高古轩画廊将一些小件的作品与限量版作品放在了自己的网站上供顾客购买。另一方面，还有一些专门解决线上艺术品交易而成立公司，如Paddle8、Artnet、Saatchi Art和Artsy：

Paddle8

Paddle8创业公司成立于2011年，原本是售卖当代艺术品，在2012年改变了整体策略，开始专注于拍卖。他们的目标群体在艺术市场中端客户，购买力价格在1000美金到10万美金之间。早在2014年，Paddle8就达到了36.8百万美金的交易额。

▲  Paddle8创始人

Artnet

Artnet与1989年成立于柏林，在1995年提供互联网类服务。他们的服务内容很广，除了线上拍卖之外，还有囊括最多全球拍卖结果的艺术数据库。每月的网站访问量达到了两百万人次。

▲ Artnet拍卖页面

Saatchi Art

Saatchi Art起家于洛杉矶，在2014年8月被需求媒体公司（Demand Media）收购，它提供在线画廊服务。客户在这里姓伤到来自全球100多个国家的5000个艺术家创作的500000件作品，包括绘画、雕塑和摄影。

▲ 网上艺术品交易平台市场排名

这些线上艺术品交易平台的运作方式都非常相似，他们所面临的最大挑战都实：如何获得买方和卖方的信任。现以发展较为成熟的Artsy为例。

从卖方角度来看，说服画廊将他们的作品放到网站上并不容易。画廊往往非常谨慎与犹豫，因为一旦放到网上去后，将加大他们对于艺术家市场控制的难度，画廊往往会严格监督库存，预测拍卖趋势，防止艺术家市场过热，产生泡沫。所以，他们非常害怕将作品卖给一些以抛售盈利为模的收藏家，快速抛售与炒价格将会极大地危害该艺术家的未来发展。对于画廊来说，他们的理想藏家往往购买后不会立即抛售，而是等上几年后，通过私人网络进行售卖，不对外公布以保护未来价格。从买房角度来说，培养用户网上购买艺术品的习惯，并创造一个安全的购物环境显得至关重要。网络安全问题依然是线上艺术品买房的顾虑之一，如果有一家平台能够确保网络安全问题，用户就会更倾向于选择它。同时也超过一半的艺术品交易平台承认曾受过网络攻击，其中15%的平台因此遭受到了损失。

除此之外，Artsy还重点发展了推荐系统，以引导新用户。Artsy包括了网站与手机app, 客户可以在线随时随地查看艺术品，而不用移步到实体画廊中。用户使用网站时间越长，收藏的艺术品越多，Artsy就越能根据他的口味进行推荐，并将在他感兴趣的拍卖开始前发邮件提醒。为了提高推荐的准确度，Artsy针对每个艺术品都进行了关键词标注，客观性的标注例如种类是油画、水彩画等。主观性的标注有一个由艺术史专家与学者组成的团队，亲自进行讨论得出最适合的关键词。对于许多年轻的收藏家来说，这种自我教育式的进步比雇佣一个艺术咨询专家讲解画廊要更为吸引人。因为画廊常常以高冷的姿态示人，让顾客感到不受欢迎。但是Artsy的搜索服务却不会让人不快，还能接触到更多选择。

▲ Artsy app界面

丨乘上东风的老牌拍卖行丨

老牌拍卖行自然是没有错过线上艺术品拍卖的趋势，并早早开始布局。

佳士得早在2014年就提出将在网上拍卖上投入20百万美金。到如今佳士得的LIVE板块已经常态化。苏富比则显得较为谨慎，在2014年他则于eBay合作，在eBay上进行拍卖直播，后来才慢慢发展为自己独立开设网上拍卖板块。富艺斯则颇有后起之秀的冲劲，很早开始发展自己的网上拍卖网站，并与多方艺术品拍卖平台合作。例如在2017年的纽约版画拍卖上，成交价格达到了6.2百万美金，打破了过往的版画记录。有88%的拍品成功拍出，其中有35%是来自网上的出价。大约一半的网上出价者是通过富艺斯的在线拍卖官网进入，还有一半则是来自其他网站引流，例如Artsy, Invaluable 和eBay。

▲ 苏富比与eBay,合作的网上拍卖现场

▲ 网上拍卖直播现场

▲ 佳士得网上拍卖页面

在过去的2017年，传统拍卖行在继续扩展他们的线上拍卖业务：在2017年8月苏富比宣布将设置线上拍卖业务的佣金上限。2018年1月，佳士得宣布2017年的线上拍卖增长了12%，达到55.9百万美金。同月，苏富比收购创业公司Thread Genius用该公司的图像识别技术优化用户口味鉴别系统。2018年2月，苏富比、佳士得和富艺斯在Instagram上的粉丝数突破1.14百万人。虽然苏富比现阶段拥有最多的粉丝量（605000），但是佳士得的粉丝增长速度高达55%。

总计去年，佳士得、苏富比和富艺斯的全球总计拍卖额比上年增加量25%，但是线上拍卖成绩却没有那么闪亮，仅有15.6%, 但较于2016年的13.3%的增长率，总体来说线上拍卖成绩依然维持着上行势头。佳士得连续三年摘得线上拍卖的桂冠，紧跟在后面的有Artsy, 苏富比与Artnet。

老牌拍卖行实力强劲，苏富比和佳士得与三家仅做线上拍卖的平台2017年依然占据在线艺术品交易的市场份额的前五名。

丨线上艺术品交易存在的隐患丨

据Hiscox的2018年线上交易情况报告，全球线上艺术品交易额在2917年上涨了12%，与2016年的15%增速与2015年的24%增速相比，上涨势头不再强劲。这种减速可能是因为随着用户基数的变大，获得和之前的一样的高增长率非常困难。此外，一些传统的拍卖行业正在追上步伐，尝试去适应互联网时代，更别说体量更小、反应更灵活的画廊与画商。同时，调查还发现2017年在网上购买艺术品的藏家比例在减少。这两个数据反映了线上艺术品交易行业在转化犹豫的藏家尝试网上购买，和转化偶尔消费藏家为频繁消费藏家上遇到了困难。但是，值得欣喜的是，那些活跃的藏家正在通过网络购买更多的艺术品。据预期，在2018年平均线上消费超过5000美金的藏家将会从2017年的21%，升高到占25%。

▲ 线上艺术品交易情况2013-2017

随着整体线上艺术品交易市场的扩大，竞争变得更加激烈，行业整合也在加速，在2017年里，许多的收购与兼并正在发生。行业人士普遍认为在未来行业资源会更加集中，从中脱颖而出的办法则是以绝对优势占据价值链条的一环。传统拍卖行在行业整合过程中，体现了强劲的实力。如果我们把苏富比、佳士得和Heritage Auction三者的2017年交易额相加后超过了833百万美金，其中19.7%来自于线上销售。和互联网基因的艺术交易平台不同，传统艺术从业者不需要费大力气去收集优质艺术品，他们与藏家们早已有了稳固的联系，在发展线上艺术品销售上有些得天独厚的优势。

▲ 苏富比、佳士得和Heritage Auction三年线上交易情况

同时，当前势头正劲的机器学习也给线上艺术品交易行业的走向增加了不确定性。

在过去的2017年里，线上艺术品交易平台正在加大对于人工智能的投资，在2017年4月，Artsy收购了一家纽约的艺术领域科技公司ArtAdvisor，并将其联合创始人Hugo Liu吸纳到核心团队之中。ArtAdvisor的机器学习以及数据洞察技术并应用到Artsy平台上，可以为雄心勃勃的收藏家们提供当前与未来艺术市场热点分析。在2016年的9月，Etsy收购了一家专注于深度学医与人工智能的科技公司Blackbird Technologies，用于提升搜索历史相关度，以及创造一个更为个性化定制的购物体验。在2018年1月，苏富比也收购了一家技术公司Thread Genius，用于甄别藏家口味以做出更好的推荐选择。随着Artsy, Etsy 和苏富比通过兼并方式，增加对机器学习和人工智能的投入。利用机器学习和人工智能的技术，来帮助用户在上百万的艺术品中更快速地找到他心仪的一部分，还能提高搜索与推荐的准确度，这对于较为大型的艺术品交易平台尤其重要。

除了机器学习，围绕热门话题区块链也一些系列的尝试，主要针对的是艺术品真伪鉴别，还有支付系统的革命。但据调查，当前接受互联网货币进行交易的仅有7%的平台，仅有8%的平台将区块连技术运用到了他们的生意中。

但是不得不承认，线上拍卖还有绕不过去的两座大山，第一座便是感兴趣的藏家无法实地检查艺术品状态。第二座便是特别的艺术品购买体验，丧失了传统销售方式的社交功能，将艺术品购买简化到了交易一环，所以平台与客户的关系变得疏离。

结语

虽然互联网出身的艺术品交易平台与老牌拍卖行都踏入了这个市场，但是他们背后的动机却不同。互联网出身的平台主要聚焦于中低端藏家，而拍卖行则处于吸引新藏家，并将其引导至线下以建立更深厚的客户关系。两个动机不同，但却殊路同归，在这两股力量的共同作用下，线上艺术交易将变得越来越被广泛接受。

脱不下的“面具”/ 曾梵志

微信公众号《艺术市场通讯》6月26日发布

https://mp.weixin.qq.com/s/B_lSKKTbb6NrEHfeeIRbiw

近年来中国当代艺术画作拍卖价格屡创新高，单件画作突破亿元大关的并不少见。而这破亿热潮开始于曾梵志的《最后的晚餐》。在2013年秋季拍卖期间的香港苏富比四十周年晚间拍卖上，曾梵志“面具系列”作品《最后的晚餐》以1.8亿港元（约合1.42亿元人民币）成交，创造了目前为止中国当代艺术拍卖的最高成交价。而伴随这一天价结果而来的，就是对艺术家曾梵志的质疑与讨论。

In the past few years， Chinese contemporary art auction prices kept breaking the record.  One hundred billion dollar for one piece is not rare anymore. This boom starts from the Chinese artist Zeng Fanzhi’s work The Last Supper. In the 2013 Sotheby’s Hong Kong 40th Anniversary Evening Sale， Zeng’s work The Last Supper （belongs to his Mask Series） was sold for 180 billion HKD （around 142 billion RMB）， a record price for Chinese contemporary art at that time. Along with the unprecedented result， there were suspicions and discussion around this controversial artist Zeng Fanzhi.

丨跌跌撞撞的探索时期丨

曾梵志出身于武汉，在他出生两年后，文化大革命便在全国风起云涌。由于他出身于工人家庭，所以并没有受到迫害。但是幼时的记忆仍然对他有着潜移默化的影响，例如他记得当时人们总是小心翼翼地说话，对于毛泽东相关的物件非常敏感。小学下课，曾梵志走在路上，经常会遇到喊口号、游行、批斗等。相伴他童年的这场政治活动无疑在曾梵志心里种下了种子，后来闻名遐迩的面具系列就因其涉及中国的红色背景，而颇具深度。

▲ 曾梵志

曾梵志从小喜欢涂涂画画，在他17岁时，被人带着去参观了湖北美院。他也第一次知道，原来靠画画也是能够维持生活。从此他的人生轨迹发生了改变，他放弃了印刷厂的职位，回家专心画画，立志要考进美院，未来以画画为生。但是曾梵志并没有一击即中，他凭着韧性连考了五年之后，终于如愿进入了湖北美院。

在湖北美院期间，曾梵志开始了自己的艺术创作，第一阶段以协和医院和肉系列为主。当时，他住在医院附近，每天都目睹着生离死别、血肉模糊的场景。在医院这个特殊的环境里，人们充满压力与迷茫，情绪也是大起大落。曾梵志说：“那时我住的那个地方，离一个医院很近，天天都看到医院排队候诊的情景，看到病人出事、抢救的情景，我忽然觉得，这就是我要画的那种感觉。”就这样，曾梵志感受着这些情绪，体会着人生的悲欢，然后将其转成一幅幅画作。因为要传递极致的情绪，所以当时曾梵志的作品夸大了人体局部，例如头部、五官和手部。那些硕大分明的手掌骨节，突起的关节以及嶙峋的肌肉，都让观众体会到其中激烈的情绪、以及对生死话题的探讨。在这个阶段，曾梵志可以说在画作中彻底释放了情绪。

▲ 《肉系列之三 献血过量》1992

▲ 《协和医院系列之三》（三联作） 1992

1991年，曾梵志大学毕业，但还没毕业就碰了钉子。希望毕业后能继续从事专业创作的曾梵志最初被计划分配到武汉画院，他高兴得不得了。没想到画院的一个领导知道后坚决不让他进画院，原因不得而知。“人心你有时候表面看不出来。那个时候我刚大学毕业，觉得这个社会真是太复杂了，很绝望。”曾梵志被画院拒绝之后，被分配到了一个广告公司，他只能依靠业余时间创作。当时的武汉消息闭塞，连艺术展览都没有举办过，曾梵志意识到如果真的要走艺术这条路，就不能永远呆在武汉。

丨面具系列的创作历程丨

在1993年，曾梵志背井离乡，从武汉搬到了北京。生活环境的巨变也造成了曾梵志艺术风格的转型。一方面，与武汉不同，北京这座大城市的冷漠、人与人之间的距离感、当代人内心的焦虑与异化都成为了曾梵志的养料。当时的北京正在经历一场前所未有的都市化蜕变，计划经济与市场经济在这里交接，集体主义与个人主义在这里碰撞，城市里充满了投机者、成功者和无法顺应潮流的失意者。环境的改变和大城市人与人之间的陌生与冷漠冲击着艺术家的内心，并被他表达在了自己的画布上。

曾梵志看到了社会中面具无处不在，不管是保护自己还是欺骗他人，大家最后都将真实的自己隐藏。但当大家都隐藏着真实的自我和各种欲望时，出现在公众面前的形象也不过是一个假面而已。他给画中的人物戴上了面具，而“面具”也恰如其分地表现出了商品经济社会中人们摆姿作态的表面下暗藏的焦虑与孤独。

▲ 《肖像》

▲ 《面具系列 4号》1997

另一方面，北京作为一个大都市，汇集了当时最为先锋的西方艺术与中国当代艺术。在中国美术馆，曾梵志和朋友观赏了赵无极和美国艺术家劳申伯（Robert Rauschenberg）的展览，他们的作品与当时中国主流的绘画的感觉完全不同，这次经历让曾梵志震惊地意识到：这些表现主义、抽象主义以及装置艺术与官方长期宣传的艺术形式和思想相去甚远。原来艺术可以这么自由，如此纯粹地表达自己。不受限制，没有所谓的规定范围。

北京的距离感与自由思想给了曾梵志以启发，此后他的风格一改协和医院和肉系列的激烈，而是采用更加含蓄的方式描绘人像。

曾梵志曾经在与栗宪庭对谈中讨论“面具”系列的源起，他说：“画画不喜欢仅仅是为了工作去完成这些东西，我还是希望在画的过程中得到一种快乐，不管这种快乐是发泄也好，是表达也好。说实话我后来发现我当时已经有点假装的感觉。我觉得这样走不下去，画得很失败。当然那时候我的造型一直在有些变，我平时也注意技巧，画医院和肉我偶尔也用刀，我想把这些技巧用来画一个戴面具的人，画大，看看感觉怎么样。我试了一下，想得并不多，但视觉效果不错，当时我的很多变化是因为强调视觉的感觉。”

之后，曾梵志不断地围绕面具进行创作，到90年代中后期，他不再满足于以第三者角度叙述故事，他选择自己成为画中的一员，让自己的情感变为画的原料。在代表作《面具系列1996 No. 6》里，曾梵志就运用了自己的童年时的记忆。在文化大革命时期，得到象征荣耀的红领巾与成为少先队员的一员，意味着被群体所接纳。然而，当时的曾梵志并不受师长的喜爱，成为了全班拿不到红领巾的三个人之一。童年被权威排斥的阴影时时从曾梵志的脑海中冒出来。因此未得到的红领巾就成了曾梵志画中经常出现的元素。在《面具系列1996 No. 6》里，代表作《面具系列1996 No. 6》里为所有人都戴上了红领巾，象征着团结一致，也算一种迟来的归属感。值得一提的是，这副画中除了红领巾之外，其所有的穿著、物品、姿态都充斥着西方资本主义的影响，衬衫、T恤、裙子、皮带等无一不是由西方传至中国。代表共产主义的红领巾和西方资本主义生活方式的碰撞，反映了当时中国社会的矛盾。

▲ 《面具系列 1996 No. 6》

在面具系列的最后阶段，曾梵志画出了那副知名的《最后的晚餐》。在这幅画里，曾梵志取材于达芬奇的《最后的晚餐》，将自己对中国社会的观察与感受到的十年间祖国的变化，通过这件作品做一个总结。曾梵志解释道，画作中的人物都系着红领巾，只有“犹大”系着一条金色的领带，意思是他放弃了最终的追求和理想。”《最后的晚餐》画中基督与信徒们以生动的手势与肢体动作进行交谈，桌上剖开的西瓜象征权力的分配，并在两侧挂着中国书法，重新诠释去解析圣经故事的知名场景。这种中西合璧的效果，体现了艺术家在宏观上比对西方资本主义及中国共产集体主义，虽影射大环境，却也更加间接而隐晦，不复早期作品中的内心激荡与置入自身为画中角色。

▲ 《最后的晚餐》2001

丨一路走高的拍卖纪录丨

曾梵志的面具系列反映着当时中国的大环境，而曾梵志面具系列作品在拍卖市场的轨迹也暗合了中国艺术品市场的崛起。

1990年代中期，曾梵志结识了香格纳画廊的老板劳伦斯•何浦林（Lorenz Helbling），画廊把他的作品挂进了上海丽思卡尔顿酒店。同期，曾梵志也经栗宪庭介绍结识了香港汉雅轩画廊的老板张颂仁，当时张颂仁一次性向曾梵志买下了25幅《面具》系列的作品，给予了曾梵志极大的鼓舞。即便有两位知名画廊推荐，但当时的曾梵志仍未打开市场。在1998年，佳士得拍卖行以尝试的心态在伦敦拍卖会上推出了曾梵志的两幅油画。虽然价格均低于8000美元，这两幅作品仍然遭遇流拍。

▲ 《Fly signed‘Zeng Fanzhi’in Pinyin》2000

在2003年开始，事情出现了转机。自2003年开始，中国当代艺术家的作品价格开始升温，凭借鲜明的个人特点和作品中的“中国符号”，张晓刚、方力钧、岳敏君、王广义四位艺术家率先在拍卖市场上用价格叫响了“当代艺术F4”的称号，并受到了国际藏家的青睐，中国当代艺术市场呈现出井喷式的增长。受益于F4的领头作用，曾梵志的作品价格也从这一时期开始迅速上涨。在2008年，《面具系列1996 No.6》在香港佳士得春拍拍出7536万港元，打破当时中国当代艺术的世界拍卖纪录。

此后曾梵志的作品价格便一路走高，2013的香港苏富比秋拍中，同为面具系列的《最后的晚餐》在香港苏富比拍出1.8044亿港元，刷新了亚洲当代艺术品拍卖的世界纪录，也是目前成交价最高的曾梵志作品。

在2013年的天价之后，曾梵志的面具系列就成为了拍卖行的金子招牌，价格也居高不下。2017年，曾梵志《面具系列1996 No.6》再次现世，最后以7900万人民币落槌。今年6月19日举行的嘉德春拍中，《面具系列第十七号》以1300万成为当天过千万拍价的12件当代艺术品之一。

▲ 《面具系列第十七号》

丨 面具系列的副产品丨

一路走高的拍卖价格让曾梵志名利双收的同时，也将其抛进了舆论的漩涡之中。人们质疑他画作的艺术价值，认为只是中国的新富阶层因为炫耀心理与享乐主义而炒高的画作价格。还有人指责曾梵志与拍卖行互相勾结，以炒作自己，同时质疑拍卖行的公正性与透明度。在多次回应炒作之后，曾梵志放弃了解释，统一用一句话回复：自己没有做过这样的事情，时间会证明一切。在经历了记者的轰炸与社会的议论后，曾梵志的性格也发生了改变。和年轻时期喜欢认识人，谈论艺术不同，随着名气的变大，曾梵志反而进入了半隐居的状态。平时如若不是朋友介绍，一概不见人。

面具系列的成功改变了曾梵志的生活，也给他留下了一个极具挑战的问题：“下一步应该往哪里走？” 在人们的脑中，曾梵志等于面具这一条件反射过于牢固，以至于曾梵志的新创作反而少了关注。

其实面具系列的创作仅占据了曾梵志艺术生涯的1994-2004的10年时间，之后，曾梵志便将目光转向了“抽象风景”系列，不再勾画人像，而是通过中国传统造型元素——线条的表现力来体现情感。曾梵志还尝试了许多不同的绘画对象，例如静物、西方人像等。他甚至在一段时间内推出了“纸本山水”系列，强调纸本本身材质的变化，同时营造出一种暗沉的古典观看环境。这一连串的尝试，都体现了曾梵志想要走出新路的决心。

▲ 《拉奥孔》2015

在2014年，曾梵志应邀参加卢浮宫举行的特别展览，他的作品《从1830年至今 No.4》（2014）与欧仁•德拉克罗瓦的名作《自由领导人民》（1830）并列展出。然而即便有卢浮宫对于他新作的肯定，艺术市场的仍聚焦在他的面具系列之上，了解他新作的人并不多。同时，拍卖行将面具系列十年间共170张作品反复叫卖，进一步加深了大众对于面具系列的印象。最后，事情的发展已无关曾梵志本人的意愿，直到今天曾梵志也难以脱下这曾让他走向辉煌的“面具”。

▲ 《从1830年至今 No.4》2014

结语

今年豪瑟沃斯画廊（Hauser & Wirth Gallery）正式宣布将全球代理曾梵志的作品，这也意味着全球顶尖三家画廊：豪瑟沃斯画廊、高古轩画廊和香格纳画廊都会联手推广曾梵志的作品。对于曾梵志来说，现在是最好的时机，他的面具系列作品广受赞誉；但又是最坏的时机，他如何才能摆脱面具的荣光，再造辉煌。摆在他面前的，并不是一道轻松的题目。